LA PELÍCULA DE LA SEMANA

Loading...

viernes, 23 de junio de 2017

WONDER WOMAN


Si “Wonder Woman” se hubiese estrenado hace algunos años (cuando todavía yo no me encontraba tan empachado de cintas de superhéroes), estoy seguro de que me hubiera gustado mucho más. Y es que la proliferación de adaptaciones de cómics a la gran pantalla ha sido tal que me ha terminado por saturar. La sobredosis de títulos me ha conducido al agotamiento ante este tipo de propuestas, de modo que me senté en la butaca con el hartazgo puesto y la predisposición en contra. Sin embargo, me encontré con un largometraje notable en lo técnico, correcto en lo narrativo y honesto en su intención de compaginar la esencia del personaje con la acción y la atracción visual. En comparación con otros referentes del género, su protagonista no posee tanta enjundia ni presenta conflictos internos o tormentos vitales de importancia. Además, aquí la eterna lucha entre el bien y el mal resulta mucho menos compleja. Puede que sea ese retorno a la sencillez, esa tendencia a la aventura por la aventura, ese estilo a medio camino entre lo ingenuo y lo clásico, lo que le proporcione al conjunto de la obra la virtud de revisar un subgénero que, tras demasiados años de excesos, debería pararse a reflexionar sobre su futuro en el Séptimo Arte. 
Evidentemente, “Wonder Woman” es un film sólo apto para los aficionados al cómic. A quienes busquen historias ligadas a la realidad y que no dejen margen la fantasía, esta opción les parecerá insufrible. Por el contrario, todos aquellos que disfruten con las hazañas, los superpoderes y las leyendas, y se dejen llevar por la imaginación al servicio de la confrontación como vía para comprender la naturaleza de las cosas, pasarán dos horas entretenidas. 
Patty Jenkins, que debutó en la dirección con “Monster” (por cuyo personaje protagonista Charlize Theron obtuvo el Oscar a la mejor actriz principal) se encarga de la realización. Habían pasado casi quince años sin que esta cineasta estrenara un nuevo trabajo pero, pese a ello, ha conseguido abordar con solvencia y acierto un proyecto tan complejo como éste. 
En una paradisíaca isla tropical, una princesa amazona ha sido entrenada para convertirse en una invencible guerrera. Aun así, se mantiene en el islote protegida de los peligros del mundo exterior. Todo cambia cuando un piloto estadounidense se estrella allí por accidente. El soldado le contará a la niña la existencia de un conflicto masivo allende su territorio, de una guerra mundial. Será entonces cuando tomará la decisión de abandonar su hogar con el objetivo de salvar a la Humanidad. Dotada de unos poderes extraordinarios, la inocente e idealista luchadora se transformará en la principal emisaria de paz de una civilización que se desmorona. 
El resultado final, sin duda, es satisfactorio. Mucho mejor de lo esperado. Puro entretenimiento que respeta la raíz de ese universo prestado por los tebeos. Tal vez le sobren minutos de metraje. Quizá peque de falta de valentía a la hora de perfilar los papeles protagonistas. Es posible que la oferta no sea novedosa. Pero todos esas objeciones son perdonables frente al resto de sus aciertos, y la verdad es que sobresale por encima de otros títulos de temática similar. 
No es la primera vez que la actriz israelí Gal Gadot da vida a esta heroína. En “Batman vs Superman: El amanecer de la Justicia” ya se puso en la piel de “Wonder Woman” y se prevén dos títulos más de la saga de “La Liga de la Justicia” repitiendo el mismo personaje. Mucho me temo que se encasillará y cometerá el error de no explorar otras alternativas profesionales. Si a ello se suman sus cuatro apariciones en “Fast & Furious”, la deriva de su carrera parece tan evidente como poco propicia para descubrir su auténtico potencial. Le acompañan en el reparto Chris Pine (“Comanchería”, “Star Trek”), Connie Nielsen (“Gladiator”, “Pactar con el diablo”) y Robin Wright (“Forrest Gump”, “La princesa prometida”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original



Datos del film
Título original: Wonder Woman
Año: 2017
Duración: 141 min.
País: Estados Unidos
Directora: Patty Jenkins
Guion: Allan Heinberg (Historia: Zack Snyder, Allan Heinberg, Jason Fuchs; Personajes: William M. Marston)
Música: Rupert Gregson-Williams
Fotografía: Matthew Jensen
Reparto: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Anaya, Lucy Davis, Danny Huston, Ewen Bremner, Samantha Jo, Saïd Taghmaoui, Lisa Loven Kongsli, Florence Kasumba, Mayling Ng, Emily Carey, Doutzen Kroes

martes, 20 de junio de 2017

JULIETTE LEWIS

Juliette Lewis nació en la ciudad californiana de Los Ángeles el 21 de junio de 1973. Actriz y cantante estadounidense, comenzó su carrera en el medio televisivo, actuando en la exitosa  "Aquellos maravillosos años" (The Wonder Years). A los catorce años obtuvo un papel en la serie cómica "I Married Donna". Dio el salto a la gran pantalla en 1988, integrando el reparto de "Mi novia es una extraterrestre", de Richard Benjamin,  junto a Kim Basinger y Dan Aykroyd. 

Durante la primera mitad de la década de los noventa disfrutó de sus mayores éxitos y reconocimientos. Participó en "El cabo del miedo" (1991), de Martin Scorsese, por cuya interpretación logró sendas nominaciones a los Oscar y a los Globos de Oro en la categoría de mejor actriz de reparto. Al año siguiente intervino en "Maridos y mujeres", de Woody Allen. En 1993 protagonizó el film de Dominic Sena "Kalifornia", junto a Brad Pitt y participó en la cinta "¿A quién ama Gilbert Grape?", de Lasse Hallström. En 1994 rodó a las órdenes de Oliver Stone"Asesinos natos". En 1995 estrenó dos largometrajes: "Diario de un rebelde", de Scott Kalvert y "Días extraños", de Kathryn Bigelow. En 1996 la dirigió Robert Rodríguez en "Abierto hasta el amanecer". 

Después de ese fulgurante comienzo, su carrera se estancó y no siguió la proyección esperada. De esta etapa son "La fuerza del cariño, la historia continúa (1996), de Robert Harling y "Aprendiendo a vivir" (1999), de Garry Marshall, a las que continuaron "Tardes de Gaudí" (2001), de Susan Seidelman y dos películas de Todd Phillips: "Aquellas juergas universitarias" (2003) y "Starsky y Hutch" (2004). 

Cuenta con una faceta musical que ejerce a través de su banda de rock, "Juliette and the Licks", un cuarteto del que es vocalista y que completan Todd Morse en la guitarra, Jason Womack en el bajo y Ed Davis en la batería. Lewis colaboró con "The Prodigy" en su CD de 2004 -"Always Outnumbered, Never Outgunned"-, cantando y escribiendo varias estrofas para tres canciones de dicho álbum ("Spitfire", "Get Up Get Off" y "Hot Ride"). Más tarde ha fundado un nuevo grupo llamado  "Juliette and the New Romantiques".

Escena de "El cabo del miedo"



Escena de "Maridos y mujeres"



viernes, 16 de junio de 2017

LOS VIGILANTES DE LA PLAYA (Baywatch)

Pese a querer venderlo como tal, no existe rastro alguno de homenaje a la década de los ochenta en esta versión cinematográfica de “Los vigilantes de la playa”. En mi opinión, ni es heredera del carácter de la célebre serie de televisión ni representa al estilo ochentero. Los episodios protagonizados por David Hasselhoff, Pamela Anderson y su ristra de musculosos “beach boys” y voluptuosas modelos ya eran horteras. Sin embargo, los responsables de esta adaptación para la gran pantalla han querido dar un paso más y engendrar un nuevo concepto para definir la ordinariez y la vulgaridad en grado superlativo. En este punto, por ejemplo, sí han superado al formato original. La estética macarra y la comicidad zafia se han visto aquí elevadas a la enésima potencia. Han estirado tanto el chicle de la superficialidad que lo han terminado por romper. Desde luego, la película contiene escenas que avergonzarán incluso a los seguidores más incondicionales de las aventuras de Mitch Buchannon. 
Estoy dispuesto a reconocer que Dwayne Johnson (conocido popularmente como “The Rock”) posee una vertiente humorística que se puede aprovechar. Me cuesta más admitir (aunque podría hacerlo) esa cierta nostalgia que, a medida que va cumpliendo años, lleva a buena parte de una generación a mirar al pasado con el ánimo de revisar sus iconos culturales. Incluso podría llegar a aceptar (en función de la tortura a la que se me someta) que la industria del cine se dedique a estas alturas a rodar versiones de títulos que antaño marcaron una época. Pero, por lo que no voy a pasar, es por aplaudir una concatenación de secuencias que hilvanan una trama simplona cuyo único nexo de unión es un muestrario de pectorales de todos los tamaños y formas. De hecho, estoy convencido de que una proyección de las tomas falsas de la serie televisiva tendría más gracia y mayor sentido que esta producción, totalmente impropia del año en el que se estrena. 
Su director es Seth Gordon, quien ha estrenado hasta la fecha “Como en casa en ningún sitio” -un intento de comedia protagonizado por Reese Witherspoon y Vince Vaughn-, “Cómo acabar con tu jefe” -su trabajo más destacado, con Jason Bateman y Kevin Spacey al frente del reparto- y “Por la cara”, otra insufrible tortura ejecutada sin piedad por Melissa McCarthy. Visto lo visto, no me extraña nada el resultado de “Los vigilantes de la playa”, puesto que representa a la perfección la clase de humor que caracteriza a su realizador. 
Lo que supuestamente se cuenta es lo de menos, en concreto la historia de un socorrista veterano que choca con un ex nadador olímpico, novato, bravucón y caído en desgracia, recién llegado a las labores de vigilancia de la costa. Pese a sus roces iniciales, descubren juntos una trama delictiva que amenaza el futuro de la bahía y se disponen a evitar la destrucción de dicho paraje natural a manos de un magnate sin escrúpulos. 
Se han invertido en el rodaje setenta millones de dólares y, dados sus raquíticos resultados en taquilla durante las dos primeras semanas de exhibición (apenas cuarenta), cabe esperar que en el futuro los productores se abstengan de reiterar otro proyecto similar. Más que de la revisión de una obra anterior, se trata de una regresión en toda regla. Sus casi dos horas de duración alargan el suplicio de tal manera que es preferible abandonar la sala de proyección. Mejor aún, no llegar siquiera a entrar. Sin duda, el peor largometraje de cuantos he visto este año. 
Como ya he indicado anteriormente, el actor Dwayne Johnson asume el papel protagonista. Claramente condicionado por su físico, a lo largo de su carrera profesional ha interpretado con corrección papeles en cintas de acción e incluso ha demostrado cierta capacidad para abordar el género de comedia. No obstante, su participación en sagas de éxito como “Fast & Furious” le hace reincidir una y otra vez en esta clase de cintas. Aun así, es probablemente el único integrante del elenco que se salva del desastre. Zac Efron, por el contrario, naufraga estrepitosamente. Está por ver que este ídolo de adolescentes puede dar con solvencia el salto de Disney Channel a la gran pantalla. Yo tengo mis serias dudas. En cuanto a las actrices (Priyanka Chopra, Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach) ejercen una función rancia y meramente estética. En líneas generales, tanto ellas como ellos se limitan a lucir cuerpo, a falta de frases ingeniosas que soltar por la boca.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film:

Título original: Baywatch
Año: 2017
Duración: 114 min.
País: Estados Unidos
Director: Seth Gordon
Guion: Damian Shannon, Mark Swift
Música: Christopher Lennertz
Fotografía: Eric Steelberg
Reparto: Dwayne "The Rock" Johnson, Zac Efron, Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach, Ilfenesh Hadera, Jon Bass, Priyanka Chopra, David Hasselhoff, Izabel Goulart, Charlotte McKinney, Belinda, Pamela Anderson

martes, 13 de junio de 2017

HENRY MANCINI

Henry Mancini nació en Cleveland el 16 de abril de 1924 y falleció en Beverly Hills el 14 de junio de 1994. Aquel día nos dejó uno de los mejores compositores de bandas sonoras del Séptimo Arte, así como uno de los más célebres creadores de música de cine y jazz. 

Mundialmente recordado por ser el autor de la sintonía de “La Pantera Rosa” (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards (donde destaca la maravillosa canción "Moon River", de “Desayuno con diamantes”), también dejó su impronta musical en  “Charada”, “Días de vino y rosas”, “La carrera del siglo” y “Dos en la carretera”, así como en los temas centrales de las series de televisión “Remington Steele”, “El pájaro espino” o “Peter Gunn”, entre otras. 

Nominado al Oscar en diecisiete ocasiones, lo obtuvo en cuatro de ellas: Por “Desayuno con diamantes” (1962) en el apartado de mejor banda sonora original y mejor canción ("Moon River"), por “Días de vino y rosas” (1963), en la categoría de mejor canción y, también en el apartado a la mejor adaptación musical, por “¿Víctor o Victoria?”. Optó asimismo a innumerables  galardones, haciéndose acreedor de 20 Grammys y un Globo de Oro.  

Cabe añadir entre sus trabajos, además de los ya indicados, “¡Hatari!” (1962), “Su juego favorito” (1964), “La carrera del siglo” (1965) y “El guateque” (1968).

"La pantera rosa"

"Desayuno con diamantes"

viernes, 9 de junio de 2017

LA MOMIA (The Mummy)

Hace algunos años se hizo muy popular el anuncio de una célebre marca de neumáticos cuyo lema era “la potencia sin control no sirve de nada” y, ciertamente, no le faltaba razón. Trasladando idéntico símil al ámbito del Séptimo Arte, se puede aplicar a aquellas películas empeñadas en incluir la escena más inverosímil, la más asombrosa, la más grandilocuente o la más rocambolesca, con el único objetivo de arrancar del público una exclamación momentánea, pero sin valorar cómo influirá ello en el conjunto del largometraje. El género de acción está plagado de secuencias destinadas a dejar al espectador con la boca abierta la primera vez que las ve, aunque posteriormente se ría con disimulo al comprobar lo absurdo de la propuesta. En este punto recuerdo, por ejemplo, la cinta “Eraser”, en la que el musculoso Arnold Schwarzenegger se sujetaba con las manos sobre la puerta abierta del exterior de un avión que volaba a gran velocidad y altura, con el reactor de la nave justo detrás suyo. Finalmente se soltó, pasando junto al motor sin que la turbina lo engullese y, en ausencia de paracaídas, terminó por estrellar su cuerpo encima de un coche aparcado en tierra, por supuesto con daños irrelevantes para el protagonista de la heroicidad. En un visionado inicial, la toma llamaba la atención enormemente pero, en los sucesivos, lo normal es que se catalogue como una fantasmada propicia para la burla. 
En ese sentido, “La momia” es un despliegue de esa clase de secuencias muy bien rodadas, pomposas, llamativas y espectaculares. La mayor parte de ellas me resultaron atrayentes desde el punto de vista visual, puesto que poseen ritmo y fomentan el toque de aventura. Pero, por desgracia, su efecto se diluye a los pocos segundos y resultan incapaces de sostener una historia cercana a las dos horas de duración. La naturaleza y la esencia última del proyecto está más vinculada con los videojuegos que con el cine en sí mismo. La aparatosidad y el desenfreno que desprende la cinta conectan más con esa velocidad a la que los jugadores de la Play Station pulsan los botones de sus mandos. Todo es rápido, extenuante y fatigoso, una concatenación de efectos diseñados para fascinar y agrupados consecutivamente para no dar respiro ni permitir reflexión alguna. Tan sólo para aturdir con el espectáculo. Lo cierto es que en algún momento, ya sea durante la proyección o al abandonar la sala, se evidencia lo artificioso y lo pretencioso de la propuesta. 
Títulos sobre la Momia hay muchos, en distintas épocas y estilos, más o menos terroríficos, cómicos o aventureros. Este estreno es, probablemente, el mejor en cuanto a técnica, el más deslumbrante y el más caro. Pero, asimismo, el más vacío y el más hueco. 
El veterano productor Alex Kurtzman da aquí el salto detrás de la cámara para asumir la labor de cineasta y, tras el dulce melodrama “Así somos”, cambia el registro hacia un trabajo más vertiginoso. En contra de lo que se pudiera pensar, en él han participado tres guionistas de renombre: David Koepp (“Misión: Imposible”, “Parque Jurásico”, “La guerra de los mundos”, “Spiderman”), Christopher McQuarrie (Oscar al mejor guion por “Sospechosos habituales”) y Dylan Kussman (que debuta como escritor, pero que acumula interpretaciones en títulos como “El club de los poetas muertos” o “El vuelo”). Sus aportaciones, no obstante, pasan desapercibidas ante la impresionante exhibición de efectos especiales y el ostentoso desfile de proezas. 
Tom Cruise y Russell Crowe, dos grandes pesos pesados de Hollywood, encabezan el reparto. Ambos han dado sobradas muestras de calidad en el pasado, acreditando así su talento y habilidad, pero ya llevan varios años demasiado alejados de su nivel profesional de antaño. Cintas como “El color del dinero”, “Nacido el cuatro de julio”, “Algunos hombres buenos”, “La tapadera”, “Collateral” o “Minority Report” (el primero) y “L.A. Confidencial”, “El dilema”, “Una mente maravillosa”, “Gladiator” o “American Gangster” (el segundo), demuestran sin duda su capacidad de llevar a cabo actuaciones muy superiores a las que nos ofrecen de un tiempo a esta parte.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film
Título original: The Mummy
Año: 2017
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Director: Alex Kurtzman
Guion: David Koepp, Christopher McQuarrie, Dylan Kussman (Historia: Jon Spaihts, Alex Kurtzman, Jenny Lumet)
Música: Brian Tyler
Fotografía: Ben Seresin
Reparto: Tom Cruise, Russell Crowe, Annabelle Wallis, Sofia Boutella, Jake Johnson, Courtney B. Vance, Marwan Kenzari, Javier Botet, Shina Shihoko Nagai, Solomon Taiwo Justified, Emily Ng, Jason Matthewson, Dylan Smith, Rez Kempton

jueves, 8 de junio de 2017

FILMADRID 2017

FILMADRID es un festival internacional de cine que nace con la determinación de descubrir senderos inéditos y novedosos dentro del paisaje cinematográfico contemporáneo, promoviendo y exhibiendo un cine de autor. En este año 2017 celebra su tercera edición.

La convocatoria es internacional y está abierta tanto a películas de ficción como de no ficción de cualquier parte del mundo, con especial interés en aquellas obras que innoven en sus planteamientos narrativos y formales, sin importar sus formatos de producción. 

Está organizado por Pasajes de Cine, asociación cultural creada para la difusión del cine internacional en Madrid. 

El certamen cuenta con dos categorías de competición. Una es la Sección Oficial y la otra se denomina Vanguardias (dedicada a películas de índole experimental y videocreación).


SECCIÓN OFICIAL

  • The Last of Us (Akher Wahed Fina), de Ala Eddine Slim 
  • A minha juventude, de Rita Quelhas 
  • The Dust Channel, de Roee Rosen 
  • Vendredi 13, de Nicolas Klotz 
  • Beduino, de Júlio Bressane 
  • Happy Happy Baby, de Jan Soldat 
  • Hermia & Helena, de Matías Piñeiro 
  • The Sun, the Sun Blinded Me (Słońce, słońce oślepiło mnie), de Anka Sasnal, Wilhelm Sasnal 
  • Antiporno (Anchiporuno), de Sion Sono 
  • Children Are Not Afraid of Death, Children Are Afraid of Ghosts (Haizi bu jupa siwang, danshi jupa mogui), de Rong Guang Rong 
  • António um dois três, de Leonardo Mouramateus 
  • Ember (Kor), de Zeki Demirkubuz 
  • EXPO LIO 92’, de María Cañas 
  • Casa Roshell, de Camila José Donoso 
  • Nuevo altar, de Velasco Broca 
  • Afternoon Clouds (Dopahar ke baadal), de Payal Kapadia 
  • Protokolle, de Jan Soldat 
  • Daydreams (L’indomptée), de Caroline Deruas 
  • Sakhisona, de Prantik Basu 
  • The Impossible Picture (Das unmögliche Bild), de Sandra Wollner 
  • Stand-by Office, de Randa Maroufi (fuera de competición)

martes, 6 de junio de 2017

LIAM NEESON

El actor Liam Neeson nació en la localidad irlandesa de Ballymena el 7 de junio de 1952.  Sus primeros pasos artísticos se remontan a 1976, cuando comenzó a actuar en el Teatro Lírico de Belfast y permaneció por un período de dos años. Consiguió su primer papel de entidad en el cine al intervenir en “Excalibur” (1981), película dirigida por John Boorman, quien admiraba el talento del actor tras descubrirle en el teatro. 
Durante los años 80 apareció en títulos como “Krull” (1983) de Peter Yates, “Motín a bordo” (1984) de Roger Donaldson, “La misión” (1986) de Roland Joffé, “La lista negra” (1988) de Buddy Van Horn, “Sospechoso” (1987) de nuevo bajo las órdenes de Peter Yates y “El hotel de los fantasmas” (1988), comedia dirigida por Neil Jordan. Con “Darkman” (1990) de Sam Raimi, Neeson fue afianzándose como protagonista en Hollywood. 

Durante la década de los 90 alcanzó el estrellato gracias a sus interpretaciones de carácter histórico, como “La lista de Schindler” (1993), “Rob Roy” (1995) y “Michael Collins” (1996). También interpretó a Qui-Gon Jinn en “La amenaza fantasma” (1999), cinta de George Lucas que daba inicio a la primera trilogía de Star Wars. Por su interpretación en “La lista de Schindler” fue nominado al Oscar y al Globo de Oro como mejor actor principal, galardón al que también optó por “Michael Collins” (aunque finalmente se alzó con la Copa Volpi en el Festival de Venecia) y “Kinsey” (2004). 

De esa etapa también caben mencionar “Resplandor en la oscuridad” (1992) de David Seltzer, “Maridos y mujeres” (1992) de Woody Allen y “Nell” (1994) de Michael Apted. Ya en el nuevo milenio participó en “K-19: The Widowmaker” (2002) de Kathryn Bigelow, “Gangs of New York” (2002” de Martin Scorsese y “Love Actually” (2003) de Richard Curtis. Asimismo, se fue decantando por el género de acción, con films como “Batman Begins” (2005) de Christopher Nolan o “Venganza (Taken)”(2008) de Pierre Morel (cuyo éxito comercial dio lugar a dos secuelas: “Venganza: Conexión Estambul” (2012) y “V3nganza” (2014). 

En el largometraje de fantasía y aventuras mitológicas “Furia de titanes” (2010) interpretó al dios Zeus, personaje que repitió en “Ira de titanes” (2012). En la adaptación de “El equipo A” (2010) encarnó al personaje de Aníbal. En el thriller “Sin identidad” (2011) del español Jaume Collet-Serra, llegó al número 1 de la taquilla estadounidense poniéndose en la piel del doctor Martin Harris, un hombre suplantado tras atravesar un proceso de coma. Con “Infierno Blanco” (2012), realizada por Joe Carnahan y ambientada en Alaska, volvió a encabezar la taquilla estadounidense, circunstancia que reiteró con “Non-Stop” (2014), de nuevo bajo la batuta de Collet-Serra, con quién colaboró otra vez en “Una noche para sobrevivir” (2015). En 2014 fue el detective Matthew Scudder, creación literaria de Lawrence Block, en el thriller “Caminando entre las tumbas” y un año antes rodó con Paul Haggis “En tercera persona” (2013), drama en el que mantenía una relación con Olivia Wilde. Entre sus últimos trabajos figura “Silencio” (2016) de Martin Scorsese, una historia de jesuitas en el Japón del siglo XVII.

Escena de "La lista de Schindler"


Escena de "Batman Begins"

viernes, 2 de junio de 2017

NORMAN: EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO (Norman: The Moderate Rise and Tragic Fall of a New York Fixer)

Cuando alguien se sorprende gratamente al visionar una película donde los personajes y el guion son relevantes, es que algo extraño sucede dentro de la peculiar industria del Séptimo Arte. A día de hoy, contemplar secuencias sostenidas gracias a la interpretación de los actores, al gancho de los diálogos y a una trama coherente comienza a ser misión imposible en unas salas de exhibición controladas mayoritariamente por los grandes estudios y distribuidoras. En este orden de cosas, el casi desconocido cineasta norteamericano Joseph Cedar ha logrado sacar adelante un proyecto aparentemente sencillo, pero que alberga una complejidad superior de la prevista. Porque, a medida que transcurre la proyección, se aprecian las respectivas dosis de crítica, reflexión y mero entretenimiento que conforman esta cinta. Junto a un aire de comedia amable y hasta desenfadada, se introducen intrigas políticas, financieras y humanas, para ofrecer una visión desangelada del funcionamiento de nuestro mundo. Pero, sobre todo, es un vehículo para disfrutar del magnífico trabajo de sus actores. El elenco, plagado de caras conocidas y profesionales de peso, sostiene con firmeza el pulso narrativo y el interés de una historia con argumentos más que de sobra para resultar creíble y no desechar su autenticidad. 
Cuenta las desventuras de Norman, un hombre de negocios poco convencional y amigo de un joven político que se encuentra en un momento de declive profesional. Con el paso de los años, éste se ha convertido en un influyente líder mundial, de modo que la vida de Norman cambia repentinamente. Si dicho cambio es para bien o para mal, dependerá del concepto de éxito que tenga cada uno. 
Como en otras muchas ocasiones, el título original refleja la esencia mejor que la libre traducción para el público español, donde se ha estrenado como “Norman: El hombre que lo conseguía todo”, en vez del más ajustado “Norman: The Moderate Rise and Tragic Fall of a New York Fixer” (“Norman: el moderado ascenso y la trágica caída de un solucionador neoyorkino”). 
Se trata de una recreación del denominado “sueño americano”, aderezada con una inusual mezcla de ironía, acidez y dulzura. Es muy probable que el largometraje pase desapercibido por las carteleras, sin destacar por nada en concreto. No ofrece escenas memorables. Tampoco contiene carga filosófica alguna ni divertimento especial. No es, por tanto, un título que pueda calificarse de notable. Y, sin embargo, en su conjunto, supone una propuesta meritoria y agradable, digna de ser destacada. Por desgracia, no le han brindado la oportunidad de llegar a demasiados espectadores. En Estados Unidos dispuso únicamente de cinco pantallas grandes el fin de semana de su estreno, aumentando después a un total de trescientas, en un mercado en el que habitualmente los films pueden acaparar más de cuatro mil. En definitiva, una muestra de cine independiente y minoritario pero, al mismo tiempo, interesante, que debería contar con un mejor tratamiento por parte de distribuidores y exhibidores. 
Como ya he resaltado anteriormente, su principal valor radica en el aspecto interpretativo. El protagonista es un acertado Richard Gere, etiquetado en las décadas de los ochenta y noventa como “sex symbol” y que cuenta en su haber con numerosos éxitos de taquilla. “Oficial y Caballero”, “Cotton Club” o “Pretty Woman” le otorgaron una enorme popularidad, pero han sido sus intervenciones en “Infiel” o “Chicago” las que han avalado que es mucho más que una cara bonita. Tal vez sea excesivo considerar su labor en “Norman: El hombre que lo conseguía todo” como su mejor actuación pero, desde luego, se halla en el pódium de su filmografía. Le acompañan algunos colegas tan notables como Steve Buscemi (“Fargo”, “Reservoir Dogs”, “El gran Lebowski”, “Muerte entre las flores”), Michael Sheen (“Midnight in Paris”, “La reina”, “El desafío - Frost contra Nixon”), Charlotte Gainsbourg (“Melancolía”, “Jane Eyre” de Franco Zeffirelli) y Hank Azaria (“Amor y otras drogas”, “La pareja del año”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Norman: The Moderate Rise and Tragic Fall of a New York Fixer
Año: 2016
Duración: 117 min.
País: Estados Unidos
Director: Joseph Cedar
Guion: Joseph Cedar
Música: Jun Miyake
Fotografía: Yaron Scharf
Reparto: Richard Gere, Lior Ashkenazi, Michael Sheen, Charlotte Gainsbourg, Dan Stevens, Steve Buscemi, Jonathan Avigdori, Yehuda Almagor, Caitlin O'Connell, Hank Azaria, Harris Yulin, Miranda Bailey, Andrew Polk, Jorge Pupo, Maryann Urbano, Jay Patterson

martes, 30 de mayo de 2017

CLINT EASTWOOD

Clint Eastwood nació en San Francisco el  31 de mayo de 1930. Actor, director, productor, músico y compositor estadounidense, desde 1967 posee su propia productora, Malpaso Productions, con la que ha financiado la mayor parte de su filmografía.

Asimismo, realizó una incursión en la política, siendo elegido alcalde de la localidad californiana de Carmel, donde ejerció como tal desde 1986 hasta 1988. 

Debutó profesionalmente en 1956, aprovechando la oportunidad que le brindó Universal Pictures.  Entre sus primeros trabajos (muchos de ellos sin acreditar) figuran títulos como “Francis en la Marina” (1955) de Arthur Lubin, “Lady Godiva” (1955), también de Lubin, o “Tarántula” (1955) de Jack Arnold. En el año 1959 alcanzó la popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de la serie televisiva del Oeste “Rawhide”.

Este papel llamó la atención del realizador italiano Sergio Leone, quien con la colaboración esencial de Eastwood creó el subgénero denominado popularmente “Spaghetti Western”. Su primer proyecto conjunto fue “Por un puñado de dólares” (1964), al que siguieron “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo” (1966), tres cintas que le convirtieron en uno de los intérpretes más populares de la época. 

A finales de la década de los sesenta se unió a otro de sus maestros, Don Siegel, filmando “La jungla humana” (1968), “Dos mulas y una mujer” (1969), “Harry el sucio” (1971), “El seductor” (1971) y “Fuga de Alcatraz” (1979). Así, el policía Harry Callahan se convirtió en otro de sus "alter ego" más reconocidos y exitosos. Tras “Harry el sucio” llegaron “Harry el fuerte” (1973) de Ted Post, “Harry el ejecutor” (1976) de James Fargo y Allen E. Smith, “Impacto súbito” (1983), dirigida por él mismo y, finalmente, “La lista negra” (1988) de Buddy Van Horn.

En 1971, tras integrar los repartos del musical “La leyenda de la ciudad sin nombre” (1969) de Joshua Logan y “Los violentos de Kelly” (1970) de Brian G. Hutton, dio el salto a la dirección debutando con la muy estimable “Escalofrío en la noche” (1971), a la que siguieron “Infierno de cobardes” (1972), “El fuera de la ley” (1976) y “Ruta suicida” (1977).

En su faceta como realizador comenzó a cosechar aplausos, merced a los largometrajes “Cazador blanco, corazón negro” (1990) y, sobre todo, “Bird” (1988), biopic del músico de jazz Charlie Parker. Sin embargo, su mayor logro llegaría de la mano de “Sin perdón” (1992), western crepuscular con el que ganó el Oscar al mejor director y otro galardón más en la categoría de mejor película, además de ser nominado como mejor actor. Destacan igualmente “En la línea de fuego” (1993) de Wolfgang Petersen, “Un mundo perfecto” (1993), “Los puentes de Madison” (1995), “Medianoche en el jardín del bien y del mal” (1997), “Space Cowboys” (2000), “Mystic River” (2003) y “Million Dollar Baby” (2004), todas ellas bajo su dirección. 

Por “Mystic River” optó a la estatuilla al mejor director, que ganó (junto con el Globo de Oro) por “Million Dollar Baby”, galardonada además como mejor película. En “Banderas de nuestros padres” (2006) y “Cartas desde Iwo Jima” (2006) ofreció dos versiones distintas de una misma batalla, que tuvo lugar en una dicha isla japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. Su prolífica carrera detrás de la cámara continuó con cintas tan diversas como el thriller psicológico “El intercambio” (2008), con Angelina Jolie, o el drama urbano “Gran Torino” (2008), pasando por “Invictus” (2009), con Morgan Freeman dando vida al activista Nelson Mandela, la historia sobrenatural de “Más allá de la vida” (2010), con Matt Damon al frente del elenco, o “J. Edgar” (2011), perfil biográfico del director del FBI J. Edgar Hoover, con Leonardo DiCaprio como estrella. 

Más tarde se embarcó en los rodajes de “Jersey Boys” (2014), una visión del grupo pop Four Seasons y “El francotirador” (2014), historia real del soldado Chris Kyle, encarnado por Bradley Cooper. Dos años después volvió a elegir a otro héroe popular, el piloto aéreo Chesley “Sully” Sullenberger (en la piel de Tom Hanks) para "Sully", film en el que aborda un accidente aéreo sobre el río Hudson de Nueva York en enero de 2009.

Escena de "Sin perdón"




Escena de "En la línea de fuego"




Escena de "Million Dollar Baby"



lunes, 29 de mayo de 2017

PALMARÉS DE LA 70 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES (Cannes Film Festival)



El 70 Festival de Cannes ha tocado a su fin con el anuncio del palmarés de la Sección Oficial, que dio a conocer el jurado presidido por el cineasta español Pedro Almodóvar. 

La Palma de Oro ha recaido en la película «The Square», de Ruben Östlund. 

La directora Sofia Coppola y los actores Joaquin Phoenix y Nicole Kidman han sido algunos de los protagonistas de esta última jornada del certamen.



LISTADO COMPLETO DE GALARDONES


-Palma de Oro: «The Square», de Ruben Östlund.
-Gran Premio del Jurado: «120 battements par minute», de Robin Campillo.
-Premio Especial del 70 Festival de Cannes: Nicole Kidman.
-Mejor director: Sofia Coppola, por «La seducción».
-Mejor actriz: Diane Kruger, por «In the Fade».
-Mejor actor: Joaquin Phoenix, por «You Were Never Really Here».
-Premio del Jurado: «Nelyubov» («Loveless»), de Andrey Zvyagintsev.
-Mejor guion: («ex aequo») Yorgos Lanthimos por «The Killing of a Sacred Deer» y Lynne Ramsay por «You Were Never Really Here».
-Mejor cortometraje: «Xiao cheng er Yue» («A Gentle Night»), de Qiu Yang. 
-Mención especial: «Katto» («The Ceiling»), de Teppo Airaksinen.
-Cámara de Oro a la mejor ópera prima: «Jeune Femme», de Léonor Serraille.



viernes, 26 de mayo de 2017

PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR (Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales)

Ha llegado a las carteleras la quinta entrega de la saga “Piratas del Caribe”. Y, como sucede con esas mareas de los océanos sobre los que surcan los barcos que protagonizan cada película, las aventuras del capitán Jack Sparrow avanzan y retroceden cada cierto tiempo. Van y vienen con una frecuencia casi puntual, aunque buena parte de las señas de identidad de esta franquicia se baten ya en retirada, en marea baja. Después de los tres primeros títulos rodados bajo las órdenes de Gore Verbinski (cineasta muy apropiado para el estilo desenfadado del proyecto), y tras la aportación de un más desubicado Rob Marshall, ahora es la pareja de noruegos formada por Joachim Rønning y Espen Sandberg la que se coloca detrás de la cámara. Los personajes otrora protagonistas, interpretados por Keira Knightley y Orlando Bloom, así como la genial banda sonora compuesta por Hans Zimmer, parecen estar también de repliegue dentro de un serial cinematográfico que está cayendo en la misma trampa de muchas producciones: la de la reiteración y la prolongación basadas tan sólo en las expectativas de la recaudación. 
He manifestado en numerosas ocasiones que la primera cinta -estrenada en 2003- me pareció divertida, ágil, entretenida y con un punto artístico envalentonado y meritorio. La segunda, cuatro años más tarde, me produjo similares sensaciones, pero en un lapso de tiempo más reducido en cuanto al metraje total. La tercera y la cuarta suponían, en mi opinión, malas copias con escasas ideas y demasiado afán por copiar y reincidir en lo anterior, de modo que me dispuse a enfrentarme a las primeras secuencias de la quinta con pocas esperanzas y muchas reticencias. 
Por alguna razón que desconozco, su título en España es “La venganza de Salazar”, si bien en la versión original figura “Dead Men Tell No Tales”, algo así como “Los hombres muertos no cuentan cuentos”, metáfora (intencionada o no) de lo que les está sucediendo a estos largometrajes que conforman el bloque de “Piratas del Caribe”. Ya no nos cuentan cuentos ni historias, porque todo está más que dicho. Se imitan a apabullarnos visualmente y a explotar el filón de los efectos especiales. Parten de la errónea teoría de que, a fuerza de deslumbrarnos con los prodigios de la técnica, no nos daremos cuenta de los vacíos del guion y del agotamiento de los personajes. Ello, unido al tirón de las buenas referencias de anteriores entregas, se les antoja suficiente argumento para que el público pase por taquilla y les haga obtener importantes ingresos económicos. 
No obstante, para ser justos, es preciso reconocer que algunas secuencias están muy bien rodadas y respetan el estilo característico que tantos triunfos deparó a esta fórmula. Aun así, carece de una auténtica trama, de diálogos ácidos y de la necesaria creatividad artística para resistir las casi dos horas y cuarto que dura la proyección. Al final, por más que quieran parapetarse tras las elevadas cifras de inversión, se nota que la verdadera finalidad no es otra que alargar el éxito de la saga, más que continuar exprimiéndole jugo al relato. 
En esta ocasión, Jack Sparrow se enfrenta a un grupo de piratas-fantasma comandados por el terrorífico capitán Salazar, recién evadido del Triángulo de las Bermudas. Su única posibilidad para salir con vida es encontrar el legendario Tridente de Poseidón, un poderoso artefacto que otorga a su poseedor el control de los mares. 
Repiten dentro del elenco Johnny Depp, Geoffrey Rush y, en un discreto y limitado segundo plano, Orlando Bloom y Keira Knightley. Esta vez el fichaje estrella es el español Javier Bardem, que interpreta al malvado Salazar. También se suman al reparto la británica Kaya Scodelario (que debutó en el cine en 2009 con la interesante “Moon”, de Duncan Jones) y la iraní Golshifteh Farahani (“Red de mentiras”, “Paterson”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales
Año: 2017
Duración: 129 minutos.
País: Estados Unidos
Director: Joachim Rønning, Espen Sandberg
Guion: Jeff Nathanson (Personajes: Ted Elliott, Terry Rossio Stuart Beattie, Jay Wolpert)
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Johnny Depp, Javier Bardem, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites, Kaya Scodelario, Keira Knightley, Kevin McNally, David Wenham, Stephen Graham, Adam Brown, Golshifteh Farahani, Martin Klebba, Goran D. Kleut, Jessica Green, Paul McCartney

martes, 23 de mayo de 2017

KRISTIN SCOTT THOMAS

La actriz británica Kristin Scott Thomas nació en Cornualles el 24 de mayo de 1960, aunque lleva varios años afincada en Francia. Debutó profesionalmente en la serie televisiva “La hija de Mistral”, protagonizada por Stefanie Powers, Lee Remick y Stacy Keach. Su primera incursión en la pantalla grande tuvo lugar en la cinta  “Under the Cherry Moon” (1986), realizada por el músico prematuramente fallecido Prince. 

En 1992 participó en “Lunas de hiel”, a las órdenes de Roman Polanski y dos años después alcanzó fama mundial gracias al éxito de “Cuatro bodas y un funeral” (1994), cinta dirigida por Mike Newell, que fue nominada al Oscar a mejor película y mejor guión original y por cuya interpretación logró un BAFTA a la mejor actriz de reparto. Posteriormente, actuó en "Ángeles & insectos” (1995), de Philip Haas y “Misión: Imposible” (1996), de Brian de Palma. 

En ese 1996 interpretó el papel más importante de su carrera en la extraordinaria “El paciente inglés”, de Anthony Minghella, que le supuso optar a la estatuilla dorada de Hollywood, al Globo de Oro y, de nuevo, al BAFTA. El largometraje obtuvo nueve Oscar y está considerado uno de los mejores títulos de los últimos tiempos. 

Intervino después en “El hombre que susurraba a los caballos” (1998), de Robert Redford, “Caprichos del destino” , de Sydney Pollack y “El misterio de la villa” (2000), otra vez a las órdenes de Philip Haas. 

Ya en el nuevo milenio ha formado parte de los elencos de “Gosford Park” (2001), de Robert Altman, “Arséne Lupin” (2004), de Jean-Paul Salomé, “Secretos de familia” (2005), de Niall Johnson, “Una familia con clase” (2008), de Stephan Elliott o “La pesca de salmón en Yemen” (2011), de Lasse Hallström.


Escena de "El paciente inglés"




Escena de "El hombre que susurraba a los caballos"



viernes, 19 de mayo de 2017

DÉJAME SALIR (Get Out)

Casi todos los años llega a las carteleras una película de exiguo presupuesto que termina resultando un gran éxito de taquilla. En este 2017, esa cinta es “Déjame salir”, que ya lleva recaudados más de ciento setenta y cinco millones de dólares en el mercado norteamericano y más de doscientos a nivel mundial, partiendo de una mínima inversión de apenas cuatro. Semejante rentabilidad sin parangón ha resultado una auténtica sorpresa. Se trata de un film de terror poco convencional que también transita por los terrenos de la comicidad y la reflexión social y que, cuando menos, merece ver reconocida esa acertada combinación entre las reglas básicas del género y unas ciertas dosis de originalidad. De este modo, apoyándose en algunos principios esenciales pero, al mismo tiempo, aportando inventiva, “Déjame salir” ha encandilado al público. 
Jordan Peele, un joven cómico neoyorkino muy conocido en el medio televisivo, debuta detrás de la cámara con un título con el que pretende aportar su visión personal sobre el espinoso tema de los conflictos interraciales en los Estados Unidos. El realizador, de madre blanca y padre negro, sorprende a unos espectadores que, frente a sus expectativas de ver una película de terror al uso, reciben una ácida crítica, aderezada con toques de humor. El resultado, siendo difícil de clasificar, puede calificarse, como mínimo, de original, todo un logro en estos tiempos en los que las reiteraciones y repeticiones figuran en el ADN de la inmensa mayoría de estrenos. 
C
uenta la historia de un joven afroamericano que visita a la acomodada familia de su novia blanca, aceptando la invitación de pasar con sus padres un fin de semana en el campo. En un principio, el comportamiento de sus futuros suegros, así como el del resto de sus amigos y vecinos, le resulta "demasiado" complaciente. Sin embargo, a medida que transcurren las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevarán a desvelar una verdad inimaginable. 
Cabe indicar que la modesta propuesta de “Déjame salir” no está a la altura de los grandes títulos centrados en la cuestión racial. “Adivina quien viene esta noche”, “Arde Mississippi”, “Crash”, “12 años de esclavitud”, “Malcolm X”, “En el calor de la noche” o la más reciente “Fences” son mejores propuestas en todos los sentidos. Seguramente Peele tampoco aspiraba a rodar un referente cinematográfico ni un trabajo que supusiera un punto de inflexión en tan controvertida problemática. Pero su desparpajo, unido a su afán por el entretenimiento y a su habilidad para colar en determinados planos algunos reproches agudos y otras apuestas experimentales, terminan por resultar efectivos. El joven director, pese a ofertar un producto catalogado con la etiqueta de un cine “B” para adolescentes, ofrece en realidad una obra construida con libertad y sin ataduras, algo alocada pero igualmente interesante. 
En definitiva, una película audaz cuya engañosa apariencia de albergar un miedo intrascendente acaba, gracias a su atrevimiento y arrojo, por sorprender y agradar. Lo cierto es que, por más años, décadas y siglos que transcurran, la tensión racial en Norteamérica mantiene cicatrices visibles que no terminan de curar. Está claro que “Déjame salir” tampoco va a resolver este conflicto, pero tal vez logre a través de risas, sustos y sorpresas que una parte del público reflexione acerca de la permanencia de tan grave lacra. 
Los actores Daniel Kaluuya -con presencia habitual en televisión y en la notable “Sicario”- y Allison Williams -popular por la serie “Girls”- asumen los papeles protagonistas. En intervenciones secundarias les acompañan Catherine Keener (nominada al Oscar por “Capote” y “Cómo ser John Malkovich”) y Bradley Whitford (muy conocido por la mítica “El ala oeste de la Casa Blanca” y por sus apariciones en “Al encuentro de Mr. Banks” y “Esencia de mujer”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film
Título original: Get Out
Año: 2017
Duración: 103 min.
País: Estados Unidos
Director: Jordan Peele
Guion: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams, Catherine Keener, Betty Gabriel, Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens

martes, 16 de mayo de 2017

DENNIS HOPPER

Dennis Hopper nació el 17 de mayo de 1936 y falleció el 29 de mayo de 2010. Actor y director estadounidense, saltó a la fama al dirigir y actuar junto a Peter Fonda en la película de culto "Easy Rider" (1969). Pero Hopper también fue muy reconocido como fotógrafo, pintor y poeta. Sus exposiciones (sobre todo, en la galería de Monika Mohr en Hamburgo y en la Ace Gallery de Los Ángeles) fueron visitadas por miles de personas. 

Comenzó en el mundo del cine ligado a James Dean, interpretando sendos papeles en “Rebelde sin causa” (1955) y “Gigante” (1956).

Intervino en el medio televisivo en más de ciento cuarenta episodios de series como “Bonanza”, “The Twilight Zone”, “The Defenders” o “The Big Valley”. 

En la gran pantalla participó en “La leyenda del indomable” (1967) de Stuart Rosenberg, “Cometieron dos errores” (1968) de Ted Post o “Valor de ley” (1969) de Henry Hathaway. Sin embargo, fue con la citada “Easy Rider. Buscando mi destino” (1969) cuando alcanzó su mayor éxito, llegando a estar nominado al Oscar al mejor guion original. 

En los años setenta realizó “The Last Movie” (1971) y actuó en “El amigo americano” (1977) de Wim Wenders. Finalizó dicha década interviniendo en “Apocalypse Now” (1979) de Francis Ford Coppola. Ya en los ochenta repitió con Coppola en “La ley de la calle” (1983), continuando con “Terciopelo azul” (1986) de David Lynch, “Hoosiers: más que ídolos” (1986) de David Anspaugh o “El caso de la viuda negra” (1987) de Bob Rafelson. 

Ya en los noventa participó en “Extraño vínculo de sangre” (1991) de Sean Penn, “Amor a quemarropa” (1993) de Tony Scott y “Speed” de Jan de Bont, uno de sus más grandes hitos en taquilla.



Escena de "Easy Rider"





Escena de "Apocalypse Now"


lunes, 15 de mayo de 2017

70 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES (The Cannes International Film Festival 2017)

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes se celebrará entre los próximos días 17 y 28 de mayo y el cineasta Pedro Almodóvar presidirá el Jurado de la Sección Oficial. Él será la única presencia española del certamen, al no haber títulos a competición entre los 49 presentados, procedentes de 29 países diferentes, 9 de ellos óperas primas y hasta 12 dirigidas por mujeres.

La actriz Nicole Kidman será una de las protagonistas del evento, ya que participa en tres películas, dirigidas por Sofia Coppola, Yorgos Lanthimos y John Cameron Mitchell, respectivamente. 

Michelle Haneke, Todd Haynes, Hazanavicius, Sangsoo, Naomi Kawase, Yorgos Lanthimos, François Ozon, Sofia Coppola, Noah Baumbach o Fatih Akin serán algunos de los realizadores que aspirarán con sus últimos trabajos a la prestigiosa Palma de Oro.

Arnaud Desplechin será el encargado de inaugurar la cita con 'Les fantômës d'Ismaël', cinta protagonizada por Marion Cotillard, Louis Garrel y Charlotte Gaingsbourg. Fuera de competición o en pases especiales se podrán visionar los nuevos largometrajes de Takashi Miike, Jane Campion o Vanessa Redgrave. También tendrá lugar la presentación como directora de Kristen Stewart con su cortometraje 'Come Swim' y el pase de los dos primeros episodios de la esperada nueva temporada de 'Twin Peaks', de David Lynch. 


PROGRAMACIÓN AL COMPLETO


INAUGURACIÓN 

- 'Les fantômes d'Ismaël', de Arnaud Desplechin. 


COMPETICIÓN OFICIAL 

- 'In the Fade', de Fatih Akin. 
- 'The Meyerowitz Stories', de Noah Baumbach. 
- 'Okja', de Bong Joon-Ho. 
- '120 battements par minute', de Robin Campillo. 
- 'The Beguiled', de Sofia Coppola. 
- 'Rodin', de Jacques Doillon. 
- 'Happy End', de Michael Haneke. 
- 'Wonderstruck', de Todd Haynes. 
- 'Le redotable', de Michel Hazanavicius. 
- 'The Day After', de Hong Sangsoo. 
- 'Radiance', de Naomi Kawase. 
- 'The Killing of a Sacred Deer', de Yorgos Lanthimos. 
- 'A Gentle Creature', de Sergei Loznitsa. 
- 'Jupiter's Moon, de Kórnel Mandruczó. 
- 'L'amant double', de François Ozon. 
- 'You Were Never Really Here', de Lynne Ramsay. 
- 'Good Time', de Benny Safdie y Josh Safdie. 
- 'Loveless', de Andrey Zvyahintsev. 


UN CERTAIN REGARD 

- 'Barbara', de Mathieu Amalric. 
- 'La novia del desierto', de Cecilia Atan y Valeria Pivato. 
- 'Closeness', de Kantemir Balagov.
- 'Beauty and the Dogs', de Kaouther Ben Hania. 
- 'L'atèlier', de Laurent Cantet. 
- 'Fortunata', de Sergio Castellito. 
- 'Las hijas de abril', de Michel Franco. 
- 'Western', de Valeska Grisebach. 
- 'Directions', de Stephan Komandarev. 
- 'Out', de Gyorgy Kristof. 
- 'Before We Vanish', de Kiyoshi Kurosawa. 
- 'The Nature of Time', de Karim Moussaoui. 
- 'Dregs', de Mohammad Rasoulof. 
- 'Jeune femme', de Léonor Serraille. 
- 'Wind River', de Taylor Sheridan. 
- 'After the War', de Annarita Zambrano. 


FUERA DE COMPETICIÓN 

- 'Blade of the Inmortal', de Takashi Miike. 
- 'How to Talk to Girls at Parties', de John Cameron Mitchell. 
- 'Visages, villages', de Agnès Varda. 


PASES ESPECIALES

- 'An inconvenient sequel', de Bonni Cohen y Jon Shenk. 
- '12 jours', de Raymond Depardon. 
- 'They', de Anahita Ghazvinizadeh. 
- 'Clair's Camera', de Hong Sangsoo. 
- 'Promised Land', de Eugene Jarecki. 
- 'Napalm', de Claude Lanzmann. 
- 'Demons in Paradise', de Jude Ratman. 
- 'Sea Sorrow', de Vanessa Redgrave. 


EVENTOS

- 'Top of the Lake: China Girl', de Jane Campion y Ariel Kleiman. 
- 'Come Swim', de Kristen Stewart. 
- '24 Frames', de Abbas Kiorastami. 
- 'Twin Peaks', de David Lynch (dos primeros episodios).

viernes, 12 de mayo de 2017

ALIEN: COVENANT

Llevo ya demasiado tiempo quejándome de la escasa imaginación e inventiva de buena parte de los cineastas actuales, como también de la poca valentía y capacidad de riesgo que manifiestan demasiados productores. Cada semana llega a nuestras pantallas una segunda, tercera o sucesiva parte de un proyecto anterior. O una precuela. O un “spin off”. Los personajes se repiten, las situaciones se reiteran, las fórmulas se esquilman y, casi siempre, las propuestas supuestamente novedosas se parecen demasiado a lo ya visto en infinidad de ocasiones. Si hace escasas fechas se estrenó “Life” y ya entonces comentaba su parecido con “Alien: el octavo pasajero”, ahora es el turno de la secuela de la precuela de “Alien”, continuación de “Prometheus” (ideada como un relato anterior a la célebre cinta que en 1979 sorprendió y entusiasmó a los espectadores de todo el mundo). 
Lo cierto es que la cinta es correcta. Técnicamente, impecable. Ágil en el montaje. Intensa en la narración. Sin embargo, al menos para quienes hemos visionado la saga completa de “Alien”, carece de bazas para la sorpresa. Un número considerable de estos proyectos terminan triunfando, bien por la fuerza de la nostalgia de los aficionados hacia sus antecesoras -que les impulsa a intentar revivir lo bien que lo pasaron cuando las vieron por aquel entonces-, bien por la ignorancia de unas nuevas generaciones que no han visto tanto cine y califican de innovador y moderno lo que, en realidad, es reiterativo y clásico. La escena en la que el monstruo sale del cuerpo de uno de los tripulantes de la nave alcanzó la consideración de secuencia cumbre del género cuando se rodó a finales de los setenta y se contempló por vez primera. Pero que, casi cuatro décadas después, se recurra de nuevo a ella, sólo demuestra la maestría de la original y la carencia de recursos propios de sus sucesoras. 
Vaya por delante que, con un presupuesto de ciento cincuenta millones de dólares y un director tan solvente como Ridley Scott detrás de la cámara, no faltan méritos dignos de destacar. Es impactante desde el punto de vista visual. Los efectos especiales son excelentes. Como muestra del género de terror es efectiva y, en general, la filmación demuestra estar sostenida por profesionales competentes. Como contribución añadida, aporta más sangre, más violencia y más miedo. Su virulencia resulta más acorde con los tiempos que corren y, pese a sus más de dos horas de duración, no presenta un desnivel significativo en cuanto al ritmo. Sin embargo, no cuenta nada nuevo, ni aporta nada diferente del resto. Por ello, prefiero sinceramente ver de nuevo a Sigourney Weaver, John Hurt, Tom Skerritt y Veronica Cartwright, a pesar de que disponían de peores medios y una estética más anticuada. Al menos, su apuesta desprendía imaginación y creatividad, percibiéndose como una eclosión artística. Por tanto, si aquí el objetivo era superarse, no se ha conseguido. 
Utilizando una icónica frase de “Alien: el octavo pasajero” pronunciada por el actor Ian Holm a sus compañeros de aeronave, ante su propósito de acabar con el alienígena: “No tenéis ninguna posibilidad pero... contáis con mi simpatía”. Es la idea que resume perfectamente mi opinión. El equipo cuenta con mi simpatía por los buenos ratos que me han proporcionado pero, si aspiraban a reinventarse, no lo han conseguido. 
Relata la malograda aventura de la tripulación de la nave “Covenant” rumbo a un remoto planeta al otro lado de la galaxia. Descubren lo que creen un paraíso inexplorado que, en realidad, resulta ser un mundo oscuro y hostil cuyo único habitante es un “sintético” llamado David, superviviente de la malograda expedición de “Prometheus”. 
Entre los actores que integran el reparto destaca Michael Fassbender (por otra parte, lo más destacado de la citada “Prometheus”). El alemán es un intérprete extraordinario que cuenta en su haber con sobresalientes actuaciones. Sus trabajos en “Shame”, “Jane Eyre” de Cary Joji Fukunaga, “Un método peligroso”, “Steve Jobs” o “Macbeth” de Justin Kurzel dan la medida de su innegable talento. Le acompañan Katherine Waterston (“Animales fantásticos y dónde encontrarlos”), Billy Crudup (“Casi famosos”, “Big Fish”) y Carmen Ejogo (“Selma”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Alien: Covenant
Año: 2017
Duración: 123 min.
País: Estados Unidos
Director: Ridley Scott
Guion: John Logan, Dante Harper (Historia: Jack Paglen, Michael Green)
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Katherine Waterston, Michael Fassbender, Demián Bichir, Danny McBride, Noomi Rapace, Billy Crudup, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, James Franco

martes, 9 de mayo de 2017

DAVID O. SELZNICK

David O. Selznick nació en Pittsburgh el 10 de mayo de 1902 y falleció en Hollywood el 22 de junio de 1965. Fue uno de los productores más insignes de la Era Dorada de la Meca del Cine.

Conocido y reconocido por haber sido el promotor de la cinta “Lo que el viento se llevó” (1939), una de las más populares de la Historia del Séptimo Arte y que le hizo ganar un Oscar a la mejor película, obtuvo además el Premio Irving G. Thalberg aquel mismo año y se alzó con una  segunda estatuilla consecutiva gracias al largometraje de Alfred Hitchcock “Rebeca” (1940). 

Su filmografía está plagada de grandes títulos, como “David Copperfield” (1935), “Anna Karenina (1935)”, “Ha nacido una estrella (1937)”, “Recuerda” (1945) y “Duelo al sol” (1946). 

Su figura fue aclamada y temida al mismo tiempo. Solía tener fama de interferir en el proceso creativo. Hitchcock fue uno de los cineastas que mayor resentimiento le guardó, separándose de él tras el rodaje de "Recuerda".

Batalló también con Carol Reed durante la producción de “El tercer hombre” cortándola severamente en su versión norteamericana. Quizás el más famoso ejemplo de sus injerencias tuvo lugar en “Camino a la tierra”, realizada por Powell y Pressburger y protagonizada por su esposa Jennifer Jones. A Selznick le disgustó tanto el resultado final que cortó casi una tercera parte del metraje para su lanzamiento en Estados Unidos y le cambió el nombre por “Corazón salvaje”.


Escena de "Lo que el viento se llevó" 




Película "Recuerda"



viernes, 5 de mayo de 2017

GUARDIANES DE LA GALAXIA Volumen 2 (Guardians of the Galaxy Vol. 2)

En el año 2014 la película “Guardianes de la galaxia” resultó un rotundo éxito, recaudando más de setecientos setenta millones de dólares a nivel mundial y ofreciendo una visión alternativa del género de superhéroes. Su propuesta, mucho más cómica y desenfadada, conectó indiscutiblemente con el público. Consistía en una peculiar oferta que mezclaba el ambiente galáctico y futurista con cierto aire “retro”. Se podría afirmar que representaba un homenaje al estilo “ochentero” y, simultáneamente, apostaba por la concatenación de asombrosas secuencias de peleas imposibles. El resultado final fue ciertamente divertido ya que, una vez que el espectador era consciente de que no podía tomarse la cinta en serio, se centraba en disfrutar de los personajes, las situaciones desternillantes y unos diálogos repletos de humor. Las luchas y persecuciones espaciales eran, pues, secundarias, y la narración se mantenía ágil y con gracia, condiciones más que suficientes para dos horas de regocijo con un largometraje nada pretencioso y sí muy efectivo. 
Impulsada por el triunfo y animada por el deseo de repetir sustanciales cifras en la taquilla, llega tres años después a las carteleras su segunda parte, que incide en idénticas virtudes y defectos. Tal vez la única salvedad radica en que, como es lógico, la capacidad de sorpresa de su antecesora ya no existe, habida cuenta que las personas acuden a la proyección sabedoras de su estilo macarra, guasón e irreverente. Esta circunstancia supone, sin duda, la pérdida de una baza importante. Sin embargo, conserva el montaje dinámico, la trama liviana y el permanente toque jocoso, requisitos más que de sobra para amenizar ciento veinte minutos. 
Gran parte del equipo técnico y artístico interviene de nuevo en el film. James Gunn vuelve a ponerse al frente de la dirección y se hace cargo del guion, mientras que Kevin Feige reincide como productor. Su meta es insistir en el concepto inicial y, dado que la primera incursión les salió razonablemente bien, es lógico que recurran a las mismas piezas clave. Quizá su único riesgo consista en que terminen muriendo de gloria y, como en tantos otros casos, su ansia por la reincidencia les conduzca a repetir insistentemente la misma fórmula. De hecho, tal y como era de prever, “Guardianes de la galaxia volumen 3” está en camino y, aunque me agrada la proposición, no descarto que, con el paso del tiempo y secuela tras secuela, acabe por mostrarse previsible y cansina, lo cual sería una lástima. 
La trama se sustenta de nuevo sobre el singular héroe Peter Quill, conocido asimismo como Star-Lord, que vuelve a embarcarse en un viaje intergaláctico por todo el universo junto a un heterogéneo y pintoresco equipo de acompañantes, a cuál más extraño y singular. Clara muestra del cine de aventuras, puede que dentro del universo de la Marvel no alcance el mismo grado de protagonismo que sus héroes más carismáticos. Aun así, es justo resaltar que no se trata de un comic secundario y que su repercusión le faculta a ocupar un hueco en la primera línea de sus producciones. Por lo tanto, debe reconocerse el mérito de embarcarse en una secuela y no naufragar en el intento. Se percibe el esfuerzo por mantener la esencia y los grandes logros de su predecesora, y todo ello sin renunciar a esa meritoria extravagancia. En buena medida, no deja de ser una autoparodia cuyo tono de descaro y desparpajo consigue arrancar la sonrisa, incluso la risa, en varias de sus escenas. 
Los actores Chris Pratt (“Jurassic World”, “Passengers”), Zoe Saldana (“Avatar”, “Star Trek”), Michael Rooker (“Máximo riesgo”, “El coleccionista de huesos”) y, en papeles secundarios, Sylvester Stallone o Kurt Russell, integran el reparto. Asimismo, Bradley Cooper y Vin Diesel prestan sus voces en la versión original.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film
Título original: Guardians of the Galaxy Vol. 2
Año: 2017
Duración: 137 min.
País: Estados Unidos
Director: James Gunn
Guion: James Gunn (Cómic: Dan Abnett, Andy Lanning)
Música: Tyler Bates
Fotografía: Henry Braham
Reparto: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Kurt Russell, Michael Rooker, Karen Gillan, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan, Sylvester Stallone

martes, 2 de mayo de 2017

35º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "BLADE RUNNER" (35th anniversary of the premiere of "Blade Runner")

Estos días se cumplen treinta y cinco años del estreno de “Blade Runner”, cinta estadounidense de ciencia ficción dirigida por Ridley Scott. Pese a su fría acogida cuando llegó a las salas de proyección, está considerada actualmente una película de culto y una de las obras más emblemáticas del Séptimo Arte.

Optó al Oscar a los efectos visuales y a la dirección artística. En la ceremonia de los Globos de Oro fue Vangelis -compositor de su banda sonora- quien obtuvo una nominación por su excelente trabajo. Con el tiempo, el film se ha visto encumbrado a la categoría de título imprescindible, figurando en el listado del American Film Intitute entre los diez mejores largometrajes de la Historia  del cine dentro del género de la “ciencia ficción”. 

Su guión está basado en la novela de Philip K. Dick “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”, publicada en el año 1968 y fue escrito por Hampton Fancher y David Webb Peoples. El reparto está formado por los actores Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy. 

El relato describe un futuro en el que, mediante la ingeniería genética, se fabrican humanos artificiales a los que se denomina «replicantes», que son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias exteriores» de la Tierra. Dichos replicantes son fabricados por Tyrell Corporation con la intención de que resulten «más humanos que los humanos», especialmente los modelos «Nexus-6». Se asemejan físicamente a aquellos, aunque poseen una mayor agilidad y fuerza física. Sin embargo, carecen de empatía y de similar respuesta emocional.

Son declarados ilegales en la Tierra tras un sangriento motín ocurrido en Marte, donde trabajaban sometidos a la esclavitud. Un cuerpo especial de la Policía, denominado “Blade Runners”, deberá encargarse de identificar, rastrear y matar («retirar», en el vocabulario interno) a los fugitivos que todavía se encuentran en nuestro planeta.

Escenas de la película





viernes, 28 de abril de 2017

LA EXCEPCIÓN A LA REGLA (Rules Don't Apply)

Con ochenta años recién cumplidos y más de cincuenta y cinco de ellos dedicados al Séptimo Arte, Warren Beatty tan sólo ha dirigido cinco películas, además completamente diferentes entre sí. La comedia romántica y fantasiosa “El cielo puede esperar”, el drama histórico “Rojos”, la adaptación del héroe del cómic “Dick Tracy”, la sátira política “Bulworth” y, ahora, este melodrama costumbrista, ecléctico y con toques de humor que lleva por título “La excepción a la regla”. En ese ramillete de propuestas tan dispares siempre es posible encontrar algunos puntos de interés. Unas son mejores que otras, pero todas comparten la característica común de la calidad. Tan versátil como efectivo, Beatty ha recibido a lo largo de su carrera artística trece nominaciones a los Oscar en las categorías de productor, director (por la que obtuvo la citada estatuilla), actor y guionista. De hecho, de todas sus facetas profesionales, la que desarrolla detrás de la cámara es, sin duda alguna, la más interesante y, pese a sus afamadas interpretaciones en cintas como “Esplendor en la hierba”, “Bonnie and Clyde” y “Shampoo”, destaca sobre todo en el campo de la realización. 
Mientras veía “La excepción a la regla”, recordaba con insistencia el largometraje de Barry Levinson “Bugsy” (1991), una muestra de clase y destreza, aunque también de cierta indefinición a la hora de contar la historia, lo que impide calificarlo de sobresaliente. En el presente estreno, las interpretaciones, la ambientación e, incluso, el gancho del relato resultan notables. Sin embargo, salta de forma abrupta e inconexa del estilo cómico al dramático, del biopic histórico a la ficción inventada, del elemento clásico y nostálgico a la creación más libre y anárquica, haciendo que, pese a que se vea con agrado y suponga una delicia para los sentidos, el resultado final se resienta. 
Se basa en el personaje del icónico magnate Howard Hughes, ya llevado a la gran pantalla con gran éxito y sublime maestría por el tándem que forman el director Martin Scorsese y el actor Leonardo Di Caprio. En el lujoso mundo del dicho empresario cinematográfico existe una regla que no debe romperse: ninguno de sus trabajadores puede mantener relaciones íntimas con las actrices contratadas. Ante esta tesitura, una joven y atractiva baptista llega desde una pequeña población del Medio Oeste estadounidense a la ciudad de Los Ángeles para ponerse a las órdenes del extravagante multimillonario. Allí conocerá al chófer de su nuevo jefe, que apenas lleva dos semanas en el puesto y resulta ser también una persona muy religiosa. La inmediata atracción mutua pondrá sus convicciones a prueba. 
Warren Beatty firma un trabajo extraño, capaz de cautivar al público con algunas de sus escenas y reflejando un toque de nostalgia que lo convierte en entrañable. Las interpretaciones son destacadas y la mezcla de elegancia clásica y de visión crítica, interesante. Pero tantas virtudes no tapan otros tantos defectos. El propio artista desentona dando vida a un pícaro seductor cincuentón. Además, las accidentadas transformaciones de la narración y sus repentinos giros desde un humor socarrón a un drama intenso, y de este a un tierno romance, terminan por desdibujar la historia. Aun así, no supone un borrón en su filmografía y, gracias a su experiencia, logra certificar un producto digno.
Junto a él integran el elenco un conjunto de maravillosos intérpretes. Como secundarios de lujo figuran Ed Harris, Martin Sheen, Annette Bening, Paul Sorvino, Alec Baldwin y Matthew Broderick. No obstante, la verdadera pareja protagonista está formada por la joven Lily Collins -que debutó en 2009 con “Un sueño posible” y a la que hemos visto en la versión de “Blancanieves” de Julia Roberts y en “Los imprevistos del amor”- y Alden Ehrenreich, que participó en “Blue Jasmine”, de Woody Allen y en “¡Ave, César!”, de los hermanos Ethan y Joel Cohen.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film
Título original: Rules Don't Apply
Año: 2016
Duración: 126 min.
País: Estados Unidos
Director: Warren Beatty
Guion: Warren Beatty (Historia: Warren Beatty, Bo Goldman)
Fotografía: Caleb Deschanel
Reparto: Alden Ehrenreich, Lily Collins, Warren Beatty, Haley Bennett, Candice Bergen, Martin Sheen, Taissa Farmiga, Alec Baldwin, Matthew Broderick, Ed Harris, Annette Bening, Oliver Platt, Amy Madigan, Steve Coogan, Patrick Fischler, Caitlin Carver