LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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martes, 17 de octubre de 2017

HOWARD SHORE

Howard Shore nació en la ciudad canadiense de  Toronto el 18 de octubre de 1946. Célebre y premiado compositor, es conocido por sus bandas sonoras para grandes producciones como “El silencio de los corderos”, “Mrs. Doubtfire”, “Philadelphia”, “Ed Wood”, “Se7en”, “Dogma”, “La habitación del pánico” o “El aviador”, por la que consiguió un Globo de Oro.

En 1979 inició una larga colaboración con el director David Cronenberg con la cinta “Cromosoma 3". Años más tarde hizo lo propio con el también realizador Martin Scorsese en “Jo, qué noche”. 

El gran éxito le llegó con la trilogía de “El señor de los anillos” de Peter Jackson. En 2002 la música de “El señor de los anillos: la comunidad del anillo”, le reportó su primer Oscar. En la siguiente entrega de premios de la Academia de Hollywood su trabajo para “El señor de los anillos: las dos torres” no pudo ser valorado, debido a la prohibición de nominar unas bandas sonoras basadas en otras anteriores. En 2004 dicha norma desapareció y Shore pudo obtener su segunda estatuilla gracias a “El señor de los anillos: el retorno del rey”, a la que añadir otra por la canción del largometraje. 

En 2010 escribió la partitura de la tercera entrega de la popular serie de “Crepúsculo”, después de que Carter Burwell y Alexandre Desplat hubieran compuesto las de la primera y la segunda, respectivamente. También sustituyó a John Corigliano en la composición de la de “Edge of Darkness”, film protagonizado por Mel Gibson. Acometió asimismo su quinta colaboración con Scorsese en “La invención de Hugo” y repitió con Cronenberg en “Un método peligroso”.


Música para "El silencio de los corderos"




Música para "El señor de los anillos"



viernes, 13 de octubre de 2017

BLADE RUNNER 2049

Sin rodeos, “Blade Runner 2049” me ha gustado. Ya entré en la sala de cine con la intención de dejarme arrastrar por la estética oscura, la desoladora visión de futuro y la enorme carga melancólica que supone rendir homenaje a la cinta original. Además, a mi marcada predisposición a disfrutar con la película, se unió la innegable habilidad de Denis Villeneuve para embelesar en los aspectos visuales. No hizo falta mucho más. Me deleité con la recreación de ese porvenir devastado por la deriva incontrolada de seres humanos desnortados y huérfanos de autenticidad, mientras la soledad y el desconcierto de los protagonistas les impulsan a aferrarse a sus recuerdos y a su pasado. Todo el conjunto conforma una atmósfera absorbente que te atrapa: la lluvia permanente, los hologramas adornando las ciudades, el globo terráqueo asolado y el halo de artificialidad que envuelve cada rincón. 
La secuela de este clásico imprescindible de la Historia del Séptimo Arte es, además de una loa a su predecesora, una constante reivindicación de la nostalgia como vía para afrontar un futuro halagüeño. Tanto comprobar los efectos del paso del tiempo sobre Harrison Ford como darse de bruces con el caos al que se dirige el planeta Tierra, invitan a mirar hacia atrás con añoranza y de modo inevitable. Probablemente, quienes no hayan visto la cinta de Ridley Scott de 1982 se pierdan en el relato y naufraguen en sus sutilezas. Tal vez les suceda lo mismo a los puristas e incondicionales del mítico film, que si se empeñan en hacer comparaciones podrán completar una lista de notables defectos e inconvenientes. También yo prefiero la banda sonora original de Vangelis y el primer guion. Personalmente, hubiera recortado algo metraje en esta nueva versión. Y, sobre todo, considero que los anteriores personajes poseían mayor enjundia y complejidad. En definitiva, prefiero “Blade Runner” a “Blade Runner 2049”. Sin embargo, debo rendirme a la evidencia y alabar la calidad de la propuesta de Villeneuve, por su sugestivo trabajo artístico y su apreciable intensidad narrativa. Algunos de sus planos me parecen auténticas maravillas y varias de sus secuencias pueden calificarse de emblemáticas. 
Confieso que fui uno de los millones de personas que se echaron las manos a la cabeza al enterarse de que la segunda parte de las aventuras de Rick Deckard y los replicantes desembarcarían de nuevo en la gran pantalla. De hecho, sigo sin entender la necesidad de abordar una iniciativa tan disparatada. Pero, tras apreciar el excelente trabajo de Roger Deakins como director de fotografía, valorar la plasmación contundente del desamparo de los protagonistas y aplaudir sin reparos la capacidad del cineasta canadiense para cautivar los ojos del público, he de situarme del lado de los defensores de este valiente trabajo. 
Un cazador de replicantes conocido como Oficial K descubre en una de sus operaciones un secreto que podría cambiar el destino de la Humanidad. A medida que profundiza en él, comienza a cuestionarse su propia identidad e incluso su propia misión en el Departamento de Policía de Los Ángeles. La investigación le conducirá hasta Rick Deckard, antiguo Blade Runner retirado que no tiene ningunas ganas de que nadie le encuentre. 
Ryan Gosling, actor de moda gracias a su participación en las sobresalientes “La, La Land”, “Drive” y “Los idus de marzo”, agranda su filmografía y su leyenda con este título que, a buen seguro, ocupará un hueco en el ámbito del cine de culto. La española Ana de Armas se enfrenta a un digno papel realizando una interesante actuación y, tras su intervención en la divertida “Juego de armas”, se asienta sólidamente en la complicada industria norteamericana. Referencias indispensables del filme de los ochenta (Harrison Ford, Edward James Olmos) y otros rostros populares (Jared Leto, Robin Wright) también forman parte del reparto. 
Como reflexión final, y a pesar de lo acertado de su resultado, confío en que experimentos de este tipo dejen de emprenderse de ahora en adelante. Sobra, sin duda, la tercera parte de un icono que no tiene nada que mejorar y sobre el que tampoco cabe profundizar más.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Blade Runner 2049
Año: 2017
Duración: 163 min.
País: Estados Unidos
Director: Denis Villeneuve
Guion: Hampton Fancher, Michael Green (Historia: Hampton Fancher. Personajes: Philip K. Dick)
Música Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis

martes, 10 de octubre de 2017

30º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE «EL ÚLTIMO EMPERADOR» (30th Anniversary of the Premiere of "The Last Emperor"

Este mes de octubre se cumplen treinta años del estreno mundial de la película “El último emperador” (The Last Emperor), dirigida por Bernardo Bertolucci y protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O'Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales. 

Se trata de una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia que ganó nueve Oscars, treinta y nueve premios más y otras doce candidaturas a diversos galardones. Basado en el libro "Yo fui emperador de China", autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi, fue el primer largometraje que obtuvo permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad Prohibida. 

Cuenta la historia de Puyi, el último emperador de China, que subió al trono a los tres años y que fue adorado como un dios por quinientos millones de personas. Gobernó en la Ciudad Prohibida hasta que las fuerzas republicanas, partidarias de abolir la Corte Imperial, le encerraron entre sus murallas. Finalmente, abdicó y se convirtió durante algún tiempo en un títere del ejército japonés de ocupación en Manchuria. Más tarde tuvo lugar la revolución comunista y fue encarcelado para "limpiar" su mente de todo pensamiento capitalista. En la última etapa de su vida trabajó como jardinero en el Parque Botánico de Pekín, llevando una existencia como uno cualquiera de sus paisanos y siendo testigo del culto a Mao y de la Revolución Cultural.

La banda sonora corrió a cargo de Ryuichi Sakamoto, la fotografía, de Vittorio Storaro, y el guión, de Mark Peploe y el propio Bernardo Bertolucci. 



Escenas de la película




viernes, 6 de octubre de 2017

LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS (The Mountain Between Us)

Aunque los cineastas de Oriente Próximo sean muy poco conocidos para el gran público, comienzan cada vez más a manifestar una importante presencia en las ceremonias de entrega de los premios más prestigiosos y de los más populares. Asghar Farhadi ya atesora dos Oscars al mejor film de habla no inglesa, además de haber estado también nominado en la categoría de mejor guion. Asimismo, Abbas Kiarostami ha sido frecuente ganador de los certámenes de Cannes y Venecia. Por su parte, Massy Tadjedin logró debutar con acierto en la pantalla grande con “Sólo una noche”, contando para ello con un plantel de célebres intérpretes y una relevante distribución internacional. Ahora es el realizador palestino con ciudadanía israelí Hany Abu-Assad quien, tras sorprender gratamente con “Paradise Now” (triplemente premiada en el Festival de Cine de Berlín de 2005) y “Omar” (galardonada en Cannes en 2013), aborda el proyecto de “La montaña entre nosotros”, una producción netamente norteamericana distribuida por una de las empresas más potentes del mercado anglosajón. 
La cinta supone una mezcla de géneros entre los que se encuentran aventura y drama, y donde la naturaleza se alza como uno de los protagonistas principales del relato. De hecho, gran parte del metraje recae en la recreación de unos parajes naturales que sirven de reclamo visual para los espectadores. Pese a contar con una narración correcta, una cuidada ambientación y una pareja de solventes actores, flota en el aire una constante y dañina sensación de incredulidad sobre varios aspectos de la relación personal que proponen, así como sobre el ritmo y la intensidad narrativa necesarios que requiere una propuesta como ésta (que incluye dosis de acción). Transmite cierta artificialidad que acaba por afectar sin remedio a la proyección. La diversidad de orígenes de los personajes principales y su aparente incompatibilidad no evoluciona de un modo adecuado hacia esa química final que, conforme avanza el metraje, tiende incluso al romance. 
En nada se asemeja a los anteriores trabajos de Abu-Assad. Aquí no existe la visión política, reivindicativa y de denuncia social que ha marcado sus éxitos de antaño. Tal vez sea ese alejamiento de su esencia lo que explique la orfandad del guion en cuanto a intensidad y verosimilitud, características habituales de sus títulos pretéritos que le han reportado la merecida fama. Aun así, y pese a que se evidencia la falta de implicación entre el creador y la obra, “La montaña entre nosotros” posee alguna virtud que merece ser resaltada y que reside principalmente en los imponentes escenarios naturales y en las dos interesantes actuaciones de la pareja protagonista. 
Un cirujano que ha de desplazarse a Baltimore para realizar una operación de urgencia y una mujer que se dirige a contraer matrimonio coinciden en el mismo aeropuerto. Ambos sufren problemas en sus respectivos vuelos, siendo esta circunstancia el único punto que les une. En vista de la situación, deciden alquilar una avioneta para llegar a sus destinos con éxito. Sin embargo, la nave sufre un accidente y termina estrellándose en unas montañas nevadas e inhóspitas. Incomunicados y con la mujer herida, se enfrentarán al reto de la supervivencia y poco a poco surgirá entre ellos una inesperada atracción. 
Idris Elba (Globo de Oro por la serie televisiva “Luther” y nominado por “Beasts of no Nation” y “Mandela: Del mito al hombre”) y Kate Winslet (actriz británica que cuenta en su haber con la estatuilla dorada por la devastadora y emocional “El lector” y con otras seis nominaciones al premio de la Academia de Hollywood) forman tan singular pareja. Ambos llevan a cabo dos interpretaciones meritorias que ayudan a mejorar el resultado final del largometraje.

Trailer en castellano


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Datos del film:
Título original: The Mountain Between Us 
Año: 2017
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Director: Hany Abu-Assad
Guion: Chris Weitz, J. Mills Goodloe (Novela: Charles Martin)
Fotografía: Mandy Walker
Reparto: Idris Elba, Kate Winslet, Dermot Mulroney, Beau Bridges

martes, 3 de octubre de 2017

SUSAN SARANDON

Susan Sarandon nació en Nueva York el 4 de octubre de 1946. Actriz y productora de teatro, cine y televisión, su verdadero apellido es Tomalin, pero lo cambió en 1968 tras casarse con el también intérprete Chris Sarandon. Pese a su posterior divorcio, lo ha seguido conservando durante el resto de su carrera. 

En la década de los setenta participó en “Primera plana” (1974), película de Billy Wilder co-protagonizada por Jack Lemmon y Walter Matthau, “El carnaval de las águilas” (1975), junto a Robert Redford, “La pequeña” (1978), del francés Louis Malle -en cuyo reparto participaba una jovencísima Brooke Shields- y, sobre todo, “The Rocky Horror Picture Show” (1975), musical realizado por Jim Sharman con Tim Curry formando parte del elenco. 

Ya en los años ochenta intervino en “Atlantic City” (1980), de nuevo a las órdenes de Malle, y que le reportó una nominación al Oscar a la mejor actriz, “El ansia” (1981), de Tony Scott, “La tempestad” (1982), del cineasta italiano Franco Amurri, “Las brujas de Eastwick” (1987), junto a Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer y Cher, “Los Búfalos de Durham” (1988), con Kevin Costner o “Una árida estación blanca” (1989), compartiendo casting con Donald Sutherland y Marlon Brando. 

Sus mayores éxitos llegaron en los noventa. Fue nominada de nuevo a la estatuilla de Hollywood de forma casi consecutiva por sus actuaciones en “Thelma y Louise” (1991), de Ridley Scott, “El aceite de la vida” (1992), de George Miller y “El cliente” (1994), film de Joel Schumacher que adapta una novela de John Grisham. El preciado galardón lo consiguió finalmente gracias a su papel en “Pena de muerte” (1995), título filmado por su compañero sentimental, Tim Robbins. De esa época son asimismo sus apariciones en “Mujercitas” (1994), de Gillian Armstrong y “Al caer el sol”, (1998) de Robert Benton. 

Posteriormente, ha rodado “A cualquier otro lugar” (2000), de Wayne Wang, “El compromiso” (2002), de Brad Silberling, “Elizabethtown” (2005), de Cameron Crowe, “Irresistible” (2006), drama psicológico en compañía de Sam Neill, “Encantada” (2007), fantasía en la que encarna a la bruja del cuento, “En el valle de Elah” (2007), donde da vida a la esposa de Tommy Lee Jones, “El fraude” (2012), como mujer de Richard Gere y “Una madre imperfecta” (2015).


Escena de "Thelma & Louise"




Escena de "Pena de muerte"



domingo, 1 de octubre de 2017

FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN 2017


La película "The Disaster Artist", del actor y director estadounidense James Franco, encabeza el palmarés del 65 Festival de Cine de San Sebastián, con la Concha de Oro a la Mejor Película. 

Los premios de Zinemaldia se han repartido de la siguiente manera: 

Concha de Oro a la Mejor Película: The Disaster Artist, de James Franco. 
Premio Especial del Jurado: Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño. 
Concha de Plata al Mejor Director: Anahí Berneri por Alanis. 
Concha de Plata al Mejor Actor: Bogdan Dumitrache por Pororoca. 
Concha de Plata a la Mejor Actriz: Sofía Gala por Alanis. 
Premio a la Mejor Fotografía: Florian Ballhaus por The Captain. 
Premio al Mejor Guión: Diego Lerman y María Meira por Una especie de familia. 
Premio Nuevos Directores: Le semeur, de Marine Francen. 
Premio del Público: Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, de Martin McDonagh. 
Premio Horizontes Latinos: Los perros, de Marcela Said. 
Premio de la Juventud: Matar a Jesús, de Laura Mor. 
Premio Cine en Construcción: Ferrugem, de Aly Muritiba. 
Premio Zabaltegi Tabakalera: Braguino, de Clément Cogitore. 
Premio "Otra mirada", de TVE: Custodia compartida, de Xavier Legrand. 
Premio Irízar del Cine Vasco: Handia. de Aitor Arregi y Jon Garaño. 
Premio del Público a la Mejor Película Europea: Custodia compartida, de Xavier Legrand. 
Premio Feroz Zinemaldia: The Disaster Artist, de James Franco. 
Premio Cooperación Española: Alanis, de Anahí Berneri. 
Premio Sebastiane: 120 pulsaciones por minuto, de Robin Campillo.

viernes, 29 de septiembre de 2017

MADRE! (Mother!)

Asistir a la proyección de la última película de Darren Aronofsky es como acudir a una feria y adentrarse en la “Casa del Terror”. Mientras estás dentro te sientes atrapado por ese miedo prefabricado y sugestionado por los trucos y la oscuridad. Te dejas llevar por la histeria colectiva y lo pasas muy bien. Sin embargo, cuando sales te das cuenta de lo ridículo ha sido todo y de que el pánico provocado era artificial y vacío de contenido. Te invade entonces una sensación de la que no te puedes librar, sustentada en la incoherencia inconfesable de haber disfrutado mientras estabas en el interior y, al mismo tiempo, acompañada de cierta vergüenza por haber presenciado en realidad un espectáculo pobre y sin sustancia. 
“Madre!” deslumbra en esa capa superficial construida sobre la estética lúgubre, los escenarios tenebrosos, el sonido inquietante y la recreación sórdida. Pero, tras ese manto externo, no hay enjundia y sí, por contra, personajes poco creíbles, intriga alocada y ausencia de trama coherente. Pese a todo, y ante tan escasos y precarios ingredientes, Aronofsky es capaz de preparar un plato sugerente en la presentación, con algunos bocados sabrosos y que no deja indiferente. Su talento y habilidad natural para resultar truculento, pasional, extremo y visceral se refleja casi en cada plano. 
Desde su debut profesional con “Pi” (en alusión al símbolo matemático), este cineasta neoyorkino ha rodado trabajos en los que plasma su particular universo, siempre peculiar, agobiante y poblado por seres que transitan entre el tormento y la extravagancia. Títulos como “Réquiem por un sueño”, “El luchador” y “Cisne negro” (su mejor trabajo hasta la fecha) integran una filmografía que rebosa energía y brillantez. Pocos directores han emprendido viajes interiores como él, desplegando tales dosis de enigma, arrebato y locura, y en “Madre!” le reconocerán sus incondicionales y saciarán sus ansias de visionar una obra diferente, puesto que es ciertamente original. 
No obstante, como ya ocurriera con “Noé”, parece que a Aronofsky no le importa perderse en sus laberintos internos, ni que los espectadores naufraguen en el temporal de sus delirios y visiones. Como artista, es fiel a sí mismo y no se deja arrastrar por modas, estereotipos o popularidad. Y, mientras siga así, yo le defenderé como creador. Cuestión distinta es que algunos de sus proyectos, como en este caso, no me convenzan. Comencé absorto y continué intrigado, pero terminé incrédulo y estupefacto, incapaz de conectar con sus traumas desordenados y sus aportaciones vanguardistas. En ese sentido, el signo de admiración del título bien podría cambiarse por otro de interrogación. 
La pareja que forman un poeta en horas bajas y su mujer viven en una aislada casa de campo. Tanto su relación como su cordura se ponen a prueba cuando reciben la visita inesperada de unos extraños. La presencia de estos improvisados invitados forzosos ayudará al escritor a recobrar su inspiración pero perturbará a su esposa por completo, haciendo añicos la convivencia del matrimonio. 
El reparto se asienta sobre cuatro consolidadas figuras de la interpretación. Jennifer Lawrence, Oscar por “El lado bueno de las cosas”, ha demostrado su brillantez en cintas como “La gran estafa americana” y “Winter´s Bone”. Sugestiona, no sólo a la cámara, sino a cualquier persona que la observe desde la butaca. Javier Bardem, también ganador de la estatuilla dorada por “No es país para viejos”, está desarrollando una sólida carrera de la que destacan sus actuaciones en “Mar adentro” y “Los lunes al sol”. Ed Harris, actor todoterreno que se halla entre mis favoritos, ha sido nominado en cuatro ocasiones al premio de la Academia de Hollywood. Me cautivó en “Las horas”, me sorprendió en “Una historia de violencia” y me impresionó en “Pollock”. Se trata de uno de esos secundarios de lujo que colma por sí solo cualquier elenco. Completa el cuarteto la mítica Michelle Pfeiffer, que en las décadas de los ochenta y noventa maravilló con sus participaciones en “La edad de la inocencia”, “Los fabulosos Baker Boys” o “La casa Rusia”. Todos ellos se encargan de iluminar la oscuridad en la que les sumerge el realizador.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Mother!
Año: 2017
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Darren Aronofsky
Guion: Darren Aronofsky
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris

martes, 26 de septiembre de 2017

GWYNETH PALTROW

Gwyneth Paltrow nació en Los Ángeles el 27 de septiembre de 1972. Actriz y cantante estadounidense, ganadora de un Oscar, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores por su interpretación en "Shakespeare in Love" (1998), desde el año 2010 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. 

Debutó en la gran pantalla con la película “Grita” (1991), dirigida por Jeffrey Hornaday y protagonizada por John Travolta. Tras aparecer en papeles secundarios en “Hook” (1991), de Steven Spielberg, “Malicia” (1993), de Harold Becker o “La señora Parker y el círculo vicioso” (1995), de Alan Rudolph, alcanzó la fama con “Seven” (1995), de David Fincher y “Emma” (1996), de Douglas McGrath. 

1998 fue un año especialmente prolífico para ella. Intervino hasta en cinco largometrajes: “Dos vidas en un instante”, de Peter Howitt, “Grandes esperanzas”, de Alfonso Cuarón, “Relación mortal”, de Jonathan Darby , “Un crimen perfecto”, de Andrew Davis y “Shakespeare in Love (Shakespeare enamorado)”, que le proporcionó numerosos premios y reconocimientos. 

Posteriormente destacó en la muy recomendable “El talento de Mr. Ripley” (1999), de Anthony Minghella, “Los Tenenbaums. Una familia de genios” (2001), de Wes Anderson y “La verdad oculta” (2005), de John Madden. 

En los últimos tiempos se ha encasillado en el papel secundario de Virginia “Pepper” Potts, la secretaria de Tony Stark (Robert Downey Jr.) en “Iron Man” (2008) y sus secuelas, “Iron Man 2” (2010) y “Iron Man 3” (2013), así como en los rodajes de otras entregas de la franquicia, como “Los vengadores” (2012) o “Spider-Man: Homecoming” (2017). Sin embargo, también ha intervenido en la interesante “Contagio” (2011), de Steven Soderbergh y en “Two Lovers” (2008), de James Gray.


Escena de "Shakespeare in Love"




Escena de "Seven"



viernes, 22 de septiembre de 2017

LA REINA VICTORIA Y ABDUL (Victoria and Abdul)

El interesante aunque, en ocasiones, irregular realizador británico Stephen Frears está evolucionando notablemente con el paso del tiempo en su modo de entender el cine. Poco o nada queda de aquel cineasta que, a mediados de los ochenta, sorprendía por su originalidad y su visión artística arriesgada y transgresora. Títulos como “Mi hermosa lavandería”, “Ábrete de orejas” y “Sammy y Rosie se lo montan” dieron a conocer a un creador sin ataduras, dispuesto a desmenuzar la realidad que quería transmitir. Gustase o no, se mantenía fiel a un estilo personal y honesto. Lejos queda ya el director que encandiló sobremanera con la sobresaliente “Las amistades peligrosas”. La frescura de “Alta fidelidad” o el gancho de “Los timadores” pertenecen a otras décadas, casi a otra época, y en el presente milenio Frears se ha convertido en un artista más académico en las formas, más conservador en los planteamientos y mucho más moderado en los impulsos. Aunque trabajos como “La reina” o “Philomena” poseen atractivos y ofrecen grandes interpretaciones, parece haber perdido gran dosis de su instinto para plasmar de manera sugerente las tramas, los conflictos y la complejidad de los personajes. Tal vez sea como consecuencia de cumplir años, pero sus recreaciones resultan más convencionales y, por ello, su trayectoria se resiente. 
La de “La reina Victoria y Abdul” es una hermosa historia, plena de preciosos paisajes, suntuosos decorados, música evocadora y guion bienintencionado. Ahí radica su principal mérito y, asimismo, su mayor demérito. La intensidad narrativa, la utilización del enfrentamiento, el dramatismo como expresión y la ironía ácida como arma cómica han dado paso a una recreación que reside sobre la comodidad del argumento y sobre unos personajes planos, del gusto de los académicos. Por lo tanto, cosechará algunos seguidores devotos, otros detractores acérrimos y una legión de espectadores indiferentes que reconocerán a partes iguales sus virtudes y sus defectos. Gustará sin duda a los aficionados a los melodramas tradicionales, gracias a su ornamentación, vestuario, colorido y toque de bondad. Por el contrario, quienes consideran los rasgos anteriores como una edulcorada sobredosis de dulzura y moralina estarán mirando al reloj desde mitad de la proyección, anhelando su final. Cuestión de gustos. Al público que demanda más contenido y más mordiente en un largometraje, le resultará insulso y anodino. Sin embargo, los incondicionales de las adaptaciones impecablemente presentadas lo considerarán sensible y tierno. En cualquier caso, se trata de un proyecto agradable que contiene secuencias muy conmovedoras. 
Lo mejor de “La reina Victoria y Abdul” tiene un nombre: Judi Dench. Esta extraordinaria actriz, ganadora de un Oscar por su actuación en “Shakespeare in Love“ y nominada en otras seis ocasiones (“Su Majestad Mrs. Brown”, “Chocolat”, “Iris”, “Mrs. Henderson presenta”, “Diario de un escándalo” y la ya citada “Philomena”) interpreta a la perfección su papel, aporta credibilidad al conjunto y lleva sobre sus hombros todo el peso de la película. Incluso aquellos que no aplaudan el film deberán rendirse a la evidencia de la capacidad artística de esta legendaria intérprete que, a sus ochenta y dos años, continúa dando lecciones magistrales y es capaz de eclipsar al resto del reparto. 
Personalmente, me queda cierto regusto amargo ante la tendencia permanente de limitarse a embelesar con la majestuosidad de la realeza británica, sus palacios y sus rituales a la hora del té. Y, si bien la campaña publicitaria del film insiste en que está basado en un hecho real, cabe preguntarse si realmente los sucedidos ocurrieron tal y como se cuentan o se nos trasladan a través de una versión en exceso blanda y virtuosa.

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Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Victoria and Abdul
Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Reino Unido
Director: Stephen Frears
Guion: Lee Hall (Novela: Shrabani Basu)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Judi Dench, Eddie Izzard, Adeel Akhtar, Tim Pigott-Smith, Ali Fazal

martes, 19 de septiembre de 2017

FIMUCITÉ 2017

La undécima edición del evento musical cinematográfico Fimucité se celebrará un año más en la isla de Tenerife, en esta ocasión entre los días 22 y 30 de septiembre y en cuatro sedes diferentes:
-El Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos  (Arona), donde tendrá lugar su inauguración.
- El Teatro Leal de La Laguna.
- El Teatro Guimerá de Santa Cruz.
-El Auditorio capitalino Adán Martín, que acogerá las principales funciones.

Fimucité XXI estará dedicado, principalmente, a la temática de espada y brujería, además de abordar los géneros de aventuras y terror –con una arriesgada y estimulante propuesta que combina la proyección de "El Más Allá" (Lucio Fulci, 1981) con la interpretación en directo del Composer’s Cut de la música de la película, compuesta por Fabio Frizzi, y una sección dedicada al cine español. 

Asimismo se celebrará el quinto Fimucinema, un certamen que pretende estrechar aún más la relación que Fimucité ha establecido entre la música y Séptimo Arte y que le convierte en un festival único, tanto en Canarias como en el resto de España.


PROGRAMA COMPLETO


22 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio Infanta Leonor. Los Cristianos (Arona) 
"EL MÁS ALLÁ" (Lucio Fulci, 1981) – Composer’s Cut 
La "Fabio Frizzi & F2F Band interpretará una versión del compositor de la música que apareció finalmente en el montaje de "El Más Allá" mientras esta película de terror italiana sea proyectada. Concierto no apto para menores por el contenido del film.

23 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:00 y 22:00 horas (doble función) 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
TARANTINO UNCHAINED 
Concierto que recorrerá toda la filmografía de Quentin Tarantino, desde las canciones más clásicas de "Pulp Fiction" (1994) hasta sus últimos títulos, como "Django desencadenado" (2012) o "Death Proof" (2007). 

24 de septiembre de 2017 
Domingo: 19:30 horas
Lugar: Teatro Leal. La Laguna 
TODO SOBRE ALMODÓVAR 
Concierto centrado en la figura del cineasta Pedro Almodóvar y su cine. Esther Ovejero será la voz principal. 

27 de septiembre de 2017 
Miércoles: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
ESPAÑA SONORA
La Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife ofrecerá un repertorio basado en música compuesta para el cine español, tanto reciente como clásico. 

28 de septiembre de 2017 
Jueves: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
GUERREROS DE LA GRAN PANTALLA 
Uno de los momentos más intensos del festival llegará con esta sesión dedicada al cine histórico y de aventuras, donde se hará un recorrido por el cine actual y por el cine más clásico. La Joven Orquesta Sinfónica Fimucité interpretará temas de películas como -Gladiator- (Ridley Scott, 2000) [música compuesta por Hans Zimmer] -El Cid- (Anthony Mann, 1961) [música compuesta por Miklós Rózsa] -Braveheart- (Mel Gibson, 1995) [música compuesta por James Horner] y -Ben-Hur- (William Wyler, 1959) [música compuesta por Miklós Rózsa]. 

29 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
ESPADA Y BRUJERÍA: CRÓNICAS SINFÓNICAS DE UNA ERA LEGENDARIA
En el día más señalado de la presente edición de Fimucité, la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará música de algunas de las películas más famosas del subgénero de "Espada y Brujería", como -Conan, el destructor- (Richard Fleischer, 1984) o -Los Inmortales- (Russell Mulcahy, 1986), con música de Basil Poledouris y Michael Kamen, y canciones de Queen, respectivamente. Además, se presentarán mundialmente temas de largometrajes como -Excalibur- (John Boorman, 1981), cuya banda sonora corrió a cargo de Trevor Jones. 

30 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:30 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
GALERÍA NOCTURNA DE STEPHEN KING 
La despedida de Fimucité 2017 la llevará a cabo la Orquesta Sinfónica de Tenerife, que interpretará música de las adaptaciones cinematográficas de las novelas del famoso autor norteamericano, uno de los maestros modernos del género de terror en la literatura. 

viernes, 15 de septiembre de 2017

DETROIT

El problema racial en los Estados Unidos es algo más que una herida sin cicatrizar del todo. Se trata de una hemorragia que, en pleno siglo XXI, no ha dejado de sangrar y sigue generando una fuente de resquemores, resentimientos y odios latentes en la sociedad norteamericana. Ese conflicto impregna buena parte de su cultura y, por supuesto, también el Séptimo Arte cuenta con multitud de títulos memorables que, en mayor o menor medida, denuncian la discriminación, el racismo y el enfrentamiento ciudadano. “Adivina quién viene esta noche”, “Arde Mississippi”, “Crash”, “12 años de esclavitud”, “Malcolm X”, “En el calor de la noche” o la más reciente “Fences” son algunos ejemplos de cómo el cine se ha visto compelido a abordar el cisma que, a lo largo de la historia estadounidense, separa y divide a las personas a causa del color de su piel. 
Por lo que respecta a la cineasta Kathryn Bigelow, pasará a la Historia por ser la primera mujer ganadora de un Oscar a la mejor dirección. Esta valiente y audaz californiana posee un talento natural para dotar de intensidad y ritmo a sus películas. Incluso cuando rodaba largometrajes de menor calado político e inferior trascendencia cinematográfica destacaba sobre la mayoría de propuestas similares. Personalmente me gustaron “Le llaman Bodhi” y “Días extraños” (cinta, en mi opinión, minusvalorada injustamente) y, aunque en su filmografía figuren trabajos prescindibles, destacan otros como “En tierra hostil” o “La noche más oscura”, muestras más que evidentes de un estilo potente, vehemente y sin remilgos. 
Ahora traslada a la gran pantalla unos hechos reales con el fin de denunciar la situación por la que atraviesa la ciudadanía afroamericana de su país. En el verano de 1967, la Policía llevó a cabo una redada en un local clandestino regentado mayoritariamente por miembros de la comunidad negra. Dicha incursión policial acabó con la muerte de tres hombres afroamericanos y la brutal paliza a otros siete y a dos mujeres de raza blanca. Aquellos sucesos desencadenaron unos violentos disturbios raciales que asolaron la ciudad norteamericana de Detroit y que se saldaron con decenas de fallecidos y numerosos daños materiales. Constituyó uno de los levantamientos ciudadanos más importantes de la historia de los Estados Unidos. 
Pese a estar ambientada en la década de los sesenta, no resulta difícil remover su trama y su acertada recreación de una sociedad violenta a otra época. Dura en su planteamiento y visceral en su forma de ser plasmada, transmite con éxito la pasión que encierra y una especial habilidad para el dinamismo narrativo. Supone una apuesta atrevida y una oportunidad aprovechada para advertir sobre los problemas de convivencia que persisten todavía a día de hoy. Tal vez sea ese claro propósito educativo y acusador el único rasgo que pudiera considerarse un inconveniente, ya que le resta agudeza a la hora de exprimir a personajes y situaciones. Encaja más en el formato de una lección para ser aprendida que en el de una obra para ser disfrutada y eso se percibe a medida que avanza su excesivo metraje. El realismo es de tal magnitud que impide cualquier rastro de recreación artística. En ese sentido, puede criticarse cierto déficit creativo, estético y personal. No obstante, su visión es sumamente aconsejable desde el punto de vista docente, en aras a realizar un análisis reflexivo de nuestro mundo, que dista mucho de avanzar como es debido en materias como los Derechos Humanos y la tolerancia. 
Formando parte de un elenco que se pone en su conjunto al servicio de la credibilidad del relato, destacan los actores John Boyega (“Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza”), Will Poulter (“El renacido”) y Anthony Mackie (“En tierra hostil”, “Million Dollar Baby”).

Trailer en castellano



Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Detroit
Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Estados Unidos
Director: Kathryn Bigelow
Guion: Mark Boal
Música: James Newton Howard
Fotografía: Barry Ackroyd Reparto John Boyega, Jack Reynor, Hannah Murray, Anthony Mackie, Will Poulter, Jacob Latimore, Jason Mitchell, Kaitlyn Dever

miércoles, 13 de septiembre de 2017

ANDREW LINCOLN

Andrew Lincoln nació en Londres el 14 de septiembre de 1973. Actor de cine y televisión, asistió a la Escuela de Beechen Cliff, donde consiguió su primer papel dando vida a Jack Dawkins (Dodger) en una versión de la obra “Oliver”. Pasó un verano en el National Youth Theatre londinense y comenzó a interesarse en firme por la interpretación. Tras terminar la etapa escolar, continuó sus estudios en la Real Academia de Arte Dramático. 

Durante unos años trabajó haciendo anuncios publicitarios y como narrador para documentales. Alcanzó la fama gracias a la popular serie británica “This Life”, en el papel de Edgar "Egg" Cook, antes de alcanzar el estrellato en la comedia dramática "Teachers" (de la que dirigió dos episodios de la tercera temporada). En abril de 2010 fue elegido para interpretar a Rick Grimes, el protagonista de la adaptación de cómics de “The Walking Dead”. 

En la pantalla grande ha intervenido en la exitosa cinta “Love Actually” (2003), de Richard Curtis, “El intruso” (2004), de Roger Michell, “Los seductores” (2010), de Pascal Chaumeil o “Pago justo” (2010), de Nigel Cole. 

Estuvo nominado a un BAFTA como mejor director novel por su trabajo en la citada “Teachers”. Ha ganado en dos ocasiones el premio “Saturn Awards” que concede la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, USA, por su labor en “The Walking Dead”.


Escena de "Love Actually"




Película "Los seductores"



domingo, 10 de septiembre de 2017

PALMARÉS FESTIVAL DE CINE DE VENECIA (Biennale di Venezia 2017)



La pasada noche tuvo lugar la entrada de galardones de la 74ª edición de la prestigiosa Mostra de Venecia. El jurado, presidido por la actriz norteamericana Annette Bening y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, han elegido la película de Guillermo del Toro, 'La forma del agua', como la mejor de la Sección Oficial. 


PALMARÉS COMPLETO


SECCIÓN OFICIAL

- León de Oro a la mejor película: 'La forma del agua', de Guillermo del Toro. 
- León de Plata al mejor director: Xavier Legrand, por 'Jusqu'à la garde'. 
- Gran Premio del Jurado: 'Foxtrot', de Samuel Maoz. 
- Copa Volpi al mejor actor: Kamel el Basha por 'The Insult'. 
- Copa Volpi a la mejor actriz: Charlotte Rampling por 'Hannah'. 
- Mejor guión: Martin McDonagh por 'Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri'. 
- Premio especial del Jurado: 'Sweet Country', de Warwick Thornton. 
- Premio Marcelo Mastroianni al intérprete emergente: Charlie Plummer por 'Lean on Pette', de Andrew Haigh. 


SECCIÓN ORIZZONTI

- Mejor película: 'Nico, 1988', de Susanna Nicchiarelli. 
- Mejor director: Vahid Jalilvand por 'No Date, no Signature'. 
- Premio del Jurado: 'Caniba', de Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor. 
- Mejor actriz: Lyna Khoudri, por 'Les bienheureux'. 
- Mejor actor: Navid Mohammadzadeh, por 'No Date, no Signature'. 
- Mejor guión: Dominique Welinski y René Ballesteros por 'Los versos del olvido'. 
- Mejor cortometraje: 'Gros Chagrin', de Céline Devaux. 
- Premio Luigi de Laurentiis a la mejor opera prima: 'Jusqu'à la garde', de Xavier Legrand.

viernes, 8 de septiembre de 2017

IT

Aunque no soy un gran aficionado al género de terror, reconozco que me ha gustado la moderna adaptación cinematográfica que el cineasta argentino Andy Muschietti ha realizado de la célebre obra de Stephen King “It”. He de confesar que mi principal reclamo para ver la película era la participación de Cary Fukunaga como guionista. Este versátil director, productor, fotógrafo y escritor me ganó por completo con su sugerente e intensa revisión del clásico de la literatura universal “Jane Eyre”, interpretado por unos acertados Mia Wasikowska y Michael Fassbender. Desde entonces, cada vez que su nombre figura en un proyecto, incluyo éste en mi lista de visiones obligadas. Esperaba, pues, disfrutar de una correcta ambientación y de una filmación efectiva al servicio de esa imaginación morbosa con la que se suele difundir el suspense propio de este tipo producciones. Sin embargo, “It” ha ido aún más allá, ofreciendo una ecléctica visión que combina la recreación moderna con cierto aire “retro”, lo que otorga un plus al conjunto de la obra. 
En cierta medida, esta versión parece heredera de la popular serie “Stranger Things” y, debido al singular protagonismo que asumen los niños y a la recreación de los lazos de amistad entre ellos, presenta influencias de “Super 8” de J.J. Abrams y, por razones obvias, de “Cuenta conmigo” de Rob Reiner. Por ello, parafraseando el título del largometraje de Chuck Russell de finales de los ochenta, en este caso el terror sí tiene forma, una forma heterodoxa por su voluntaria tendencia a la mezcla de estilos visuales y narrativos que trascienden al horror de la trama que se quiere contar. En 2013 Muschietti ya había rodado junto a la excelente actriz Jessica Chastain “Mamá”, otro experimento terrorífico aunque mucho más convencional y obediente con los cánones y reglas de los manuales más clásicos de esta peculiar modalidad cinematográfica. Por eso ese anterior trabajo puede considerarse prescindible, mientras que el actual será recordado con el paso de los años. 
Se trata de un relato muy conocido de King, un autor especializado en mitificar sus ideas perversas. De hecho, una miniserie televisiva convirtió también en imágenes las páginas de dicha novela. Son los años ochenta. En un pequeño pueblo del estado de Maine, una panda de siete niños conocidos como 'El club de los perdedores' se enfrenta a sus problemas cotidianos con otros chicos de la escuela. Esa rutina, marcada por su condición de marginados, se verá alterada por una oleada de extrañas muertes que provocarán el pánico entre los habitantes del pueblo. Los chavales decidirán buscar al asesino, pero sus descubrimientos les harán entender que se enfrentan a algo más perverso que a un simple delincuente.
Nos hallamos ante una cinta que hará las delicias de los incondicionales del género, pero que también ofrecerá atractivos a esos espectadores no tan proclives a pasar miedo en una sala de proyección. El prolífico currículum del famoso escritor ha dado lugar a multitud de films, algunos de dudosa calidad y, en ese sentido, yo sitúo a “It” entre los mejores, sin duda muy superior al reciente estreno de “La torre oscura”, por ejemplo. De hecho, creo que hay que remontarse a “Eclipse total” (1995), de Taylor Hackford, para encontrar otro trabajo tan sugerente basado en un texto del archiconocido novelista norteamericano. 
El elenco de intérpretes es en su mayor parte desconocido. A Jaeden Lieberher le vimos fugazmente en “Aloha”, de Cameron Crowe. Jeremy Ray Taylor participó en “Ant-Man”. Finn Wolfhard actuó en la televisiva “Stranger Things” y Wyatt Oleff intervino en “Guardianes de la galaxia”. Por último, Bill Skarsgård visitó recientemente la cartelera con “Atómica” y rodó algunas secuencias de la acertada “Anna Karenina”, de Joe Wright. Juntos forman un compacto y creíble grupo juvenil al servicio de algo más que una simple película de terror.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: It
Año: 2017
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos
Director: Andrés Muschietti
Guion: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman (Libro: Stephen King)
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Chung-hoon Chung
Reparto: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert

martes, 5 de septiembre de 2017

20 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE «L.A. CONFIDENTIAL»

La película «L.A. Confidential» se estrenó comercialmente en  Estados Unidos el 19 de septiembre de 1997. Por lo tanto se cumple en estos días su vigésimo aniversario. Fue dirigida por Curtis Hanson, quien también participó en la elaboración del guión junto a Brian Helgeland, basándose para ello en la novela homónima de James Ellroy. Estuvo protagonizada por los actores Guy Pearce, Kevin Spacey, Russell Crowe, Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito. 

En 2015, la cinta fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso estadounidense y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Obtuvo dos Oscars (mejor actriz secundaria para Kim Basinger y mejor guion adaptado para los citados Hanson y Helgeland) y recibió además otras siete nominaciones (película, director, fotografía, dirección artística, sonido, banda sonora y montaje).

Brilló asimismo en la edición de los Globos de Oro, en la que partía con cinco candidaturas (película dramática, director, guión, banda sonora y actriz secundaria), alzándose nuevamente Kim Basinger con el galardón por su actuación. 

La historia se desarrolla en la ciudad californiana de Los Ángeles durante la década de los cincuenta. El agente Ed Exley es un hombre que cree ciegamente en la justicia y a quien no le importa arruinar la vida de otros policías si se prueba que hicieron algo incorrecto. Este rasgo le genera el odio de la mayoría de los miembros de su departamento. Bud White es más brusco en el desempeño de su trabajo y se obsesiona con los sujetos que maltratan a las mujeres. Por su parte, Jack Vincennes ejerce como detective de narcóticos pero su verdadera vocación se centra en el mundo del espectáculo. Tras un asesinato en un café, comienza a revelarse una red de engaños y traiciones dentro de las fuerzas del orden. 

Se trata, sin duda, de una de las mejores muestras de cine negro y policiaco de los últimos tiempos,   así como de uno de los mejores títulos rodados en los años noventa.


Escenas de la película





viernes, 1 de septiembre de 2017

BARRY SEAL: EL TRAFICANTE (American Made)

Doug Liman es un interesante cineasta que ha realizado obras sobresalientes (“El caso Bourne”) y notables (“Caza a la espía”) y que, en general, domina con soltura el género de acción (“Al filo del mañana”), incluso cuando lo combina con un desenfadado toque cómico (“Sr. y Sra. Smith”). Aunque cuente en su haber con algún título claramente prescindible, se ha ganado a pulso un nombre dentro de la industria del Séptimo Arte, de tal manera que su participación en un proyecto supone aval suficiente para prestarle atención. Ahora estrena “Barry Seal: El traficante”, nueva incursión en esa modalidad que mezcla la recreación humorística con la intensidad narrativa de la aventura y que ya abordó en el largometraje citado anteriormente y protagonizado por la otrora pareja sentimental formada por Angelina Jolie y Brad Pitt. Lo cierto es que el producto final resulta entretenido y efectivo, en el sentido de dejarse llevar por un relato sostenido sobre la comicidad y el ritmo ágil. 
Del mismo modo que Steven Spielberg narró con un tono divertido y una brillantez indiscutible la historia real del estafador Frank W. Abagnale en “Atrápame si puedes”, Liman, con menor genialidad pero suficiente habilidad, aborda la biografía de Barry Seal, un expiloto reconvertido en importante narcotraficante del cartel de Medellín que acabó siendo reclutado por la CIA y por el Departamento de Inteligencia de la DEA. Pese a que se hayan adaptado convenientemente unos hechos ciertos para presentarlos ante el público con un envoltorio osado y gracioso, el resultado final funciona. Los espectadores se darán cuenta de esa voluntaria tergiversación destinada a lograr un toque más descarado y comercial de la cinta, pero a buen seguro la perdonarán, ya que recibirán a cambio un pasatiempo amable y entretenido. 
Tal y como ocurría en “Sr. y Sra. Smith” (sus primeros veinte minutos me parecen geniales, si bien dan paso después a una proyección más irregular), en sus casi dos horas de duración hay lugar para todo. Se percibe tanto la superficialidad del tratamiento de la trama como la innegable efectividad de la mezcla entre acción y diversión. Si uno renuncia a encontrar las pegas y se limita a disfrutar del dinamismo del metraje y de la narración desenvuelta, termina por pasar un buen rato. Sin ser en absoluto su mejor trabajo, Liman continúa sumando como profesional. 
Desde luego, Tom Cruise no es Brad Pitt (éste posee una mayor capacidad para dotar a su personaje de ese toque gamberro pero adorable) pero, tras una década concatenando malas interpretaciones en proyectos mediocres, por fin afronta una interpretación mínimamente acertada. Creo que Cruise es un buen actor y parte de su filmografía lo acredita sin discusión. Sin embargo, desde la ya lejana “Leones por corderos” había entrado en una espiral de actuaciones centradas en dar una imagen de héroe de acción que le estaban arrastrando al desastre. Por fin aquí se ha decantado por un papel más elaborado, aunque alejado aún de su mejor nivel. Por desgracia, da la sensación de no ser consciente de su deriva, habida cuenta que sus próximos estrenos serán la sexta entrega de “Misión imposible” y la continuación de “Top Gun”. 
Me gustaría recuperar al intérprete de “El color del dinero”, “Rain man”, “Nacido el 4 de julio”, “Algunos hombres buenos” o “Collateral” pero, engullido por el terrible agujero negro de la falta de creatividad, sigue rodando secuelas y optando por perfiles destinados a actores quince años más jóvenes que él. Una lástima.

Trailer en castellano


Trailer en versión original



martes, 29 de agosto de 2017

74 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA (Biennale di Venezia 2017)

El Festival de Cine de Venecia se celebrará entre los próximos días 30 de agosto y 9 de septiembre. Los cineastas estadounidenses George Clooney y Darren Aronofsky competirán en esta 74 edición con “Suburbicon” y “Mother!”, respectivamente. En su cinta, Clooney cuenta con un reparto compuesto por Matt Damon, Julianne Moore, Noah Jupe y Oscar Isaac, mientras que el film de Aronofsky está protagonizado por Jennifer Lawrence y Javier Bardem. 

En la Sección Oficial de este año competirán por el León de Oro, el máximo galardón del certamen veneciano, un total de 21 películas, entre ellas “The Shape of Water”, del mexicano Guillermo del Toro, cuyo elenco encabezan los actores Sally Hawkins y Michael Shannon. 



SECCIÓN OFICIAL 

'Human Flow,' de Ai Weiwei 
'Mother!', de Darren Aronofsky 
'Suburbicon', de George Clooney 
'La forma del agua', de Guillermo del Toro 
'L'insulte', de Ziad Doueiri 
'La villa', de Robert Guédigian 
'Lean on Pete', Andrew Haigh 
'Mektoub, my love: Canto uno', de Abdellatif Kechiche 
'Sandome no satsuji', de Kirozaku Koreeda 
'Jusqu'à la garde', de Xavier Legrand 
'Amore e malavita', de los hermanos Manetti 
'Foxtrot', de Samuel Maoz 
'Three Billboards Outside Ebbing, Missouri', de Martin McDonagh 
'Downsizing', de Alexander Payne 
'Jia Nian Hua', de Vivian Qu 
'Una familia', de Sebastiano Riso 
'First Reformed', de Paul Schrader 
'Sweet Country', de Warwick Thornton 
'The Leisure Seeker', de Paolo Virzi 
'Ex Libris: New York Public Library', de Frederick Wiseman 


EVENTOS ESPECIALES 

'Casa d'altri', de Gianni Amelio 
'Michael Jackson's Thriller 3D' de John Landis 
'Making of Michael Jackson's Thriller', de Jerry Kramer 


FUERA DE COMPETICIÓN 

'Our Souls at Night', de Ritesh Batra 
'Il signor Rotpeper', de Marina 
'La reina Victoria y Abdul', de Stephen Frears 
'La mélodie', de Rachid Hami 
'Outrage Coda', de Takeshi Kitano 
'Loving Pablo', de Fernando León de Aranoa 
'Diva!', de Francesco Patierno 
'Le fidèle', de Michaël R. Roskam 
'Il colore nascosto delle cose', de Silvio Soldini 
'The Private Life of a Modern Woman', de James Toback 
'Brawl in Cell Block 99', de S. Craig Zahler
'Wormwood', de Errol Morris 
'Zama', de Lucrecia Martel 
'Cuba and the Cameraman'. de Jon Alpert 
'My Generation', de David Batty 
'The Devil and Father Amorth', de William Friedkin 
'Ryuichi Sakamoto: Coda', de Stephen Nomura Schible 
'Jim & Andy: The Great Beyond', de Chris Smith 
'This is Congo', de Daniel McCabe 
'Piazza Vittorio', de Abel Ferrara


SECCIÓN ORIZZONTI 

'Napadid Shodan', de Ali Asgari 
'Espèces menacées',de Gilles Bourdos 
'The Rape of Recy Taylor', de Nancy Buirski 
'Canibal', de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel 
'Les bienheureux', de Sofia Djama 
'Marvin', de Anne Fontaine 
'Invisible', de Pablo Giorgelli 
'Brutti e cattivi', de Cósimo Gómez 
'The Testament', de Amichai Greenberg 
'Ha Ben Dod', de Tzahi Grad 
'Bedoune tarikh, bedoune emza', de Vahid Jalilvand 
'Los versos del olvido', de Alireza Khatami 
'La nuit ou j´ai nagé', de Damien Manivel y Kohei Igarashi 
'Krieg', de Rick Ostermann 
'West of Sunshine', de Jason Raftopoulos 
'Undir trénu', de Hafsteinn Gunnar Sigurdsson 
'La vita in comune', de Edoardo Winspeare 
'Gatta cenerentola', de Alessandro Rak, Ivan Cappielo, Marino Guarneri y Dario Sansone 


CINEMA NEL GIARDINO 
'Manuel', de Dario Albertini 
'Controfigura', de Rä di Martino 
'Woodshock', de Kate Mulleavy y Laura Mulleavy 
'Nato a casal di principe', de Bruno Oliviero 
'Suburra, la serie', Michele Placido, Andrea Molaioli y Giuseppe Capotondi 
'Tueurs', de François Troukens y Kean-François Hensgens

martes, 15 de agosto de 2017

JAMES CAMERON

James Cameron nació en la ciudad canadiense de Ontario el 16 de agosto de 1954. Director, guionista y productor de cine, ha sido galardonado con tres Oscar y cuatro Globos de Oro, así como nominado a seis premios BAFTA. Trabajó como camionero y mecánico hasta que, inspirado por el cineasta Stanley Kubrick, comenzó a rodar cortometrajes en la década de los 70. “Xenogenesis” (1978), corto de ciencia-ficción co-dirigido con Randall Frakes, fue su primera incursión en la gran pantalla y ya en 1981 estrenó su primer largometraje, “Piraña 2”. 

Con “Terminator” (1984), film de ciencia-ficción en el que Arnold Schwarzenegger daba vida a un cyborg en una historia de saltos en el tiempo, Cameron alcanzó el éxito internacional y compartió créditos con la también guionista y productora Gale Anne Hurd, que se convertiría en su esposa en 1985.

Más tarde realizó “Aliens” (1986), secuela de la popular “Alien, el octavo pasajero” de Ridley Scott y “Abyss” (1989), aventura submarina protagonizada por Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio. Posteriormente, filmó “Terminator 2” (1991), de nuevo con Schwarzenegger, con quien volvería a colaborar en “Mentiras arriesgadas” (1994). 

En 1997 se encargó del rodaje de “Titanic”, superproducción basada en el desastre marítimo del famoso trasatlántico, para la que contó con los actores Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. La cinta cosechó un rotundo éxito comercial en todo el mundo, logrando once estatuillas de Hollywood, entre ellas las de mejor película y mejor director. Doce años después afrontó el proyecto de “Avatar” (2009), otra muestra del género de ciencia-ficción con Sam Worthington al frente del reparto y por la que Cameron aspiró de nuevo al Oscar en la categoría de  mejor dirección.


Escena de "Terminator 2"




Escena de "Abyss"



martes, 1 de agosto de 2017

PETER O´TOOLE

Peter O'Toole nació el día el 2 de agosto de 1932 y falleció en Londres el 14 de diciembre de 2013. Su lugar de nacimiento es objeto de controversia. Según algunas fuentes, habría venido al mundo en Connemara (Condado de Galway, Irlanda), mientras que otras apuntan a la ciudad inglesa de Leeds. Actor con ocho nominaciones a los Oscar (que se le concedió a título honorífico en el año  2003), debutó en la pantalla grande en 1960 con “Kidnapped” (Secuestrado), película de Robert Stevenson en la que compartió cartel con Peter Finch.

Su trabajo revelación llegó con “Lawrence de Arabia” (1962), superproducción de David Lean en la que interpretó a T. E. Lawrence. Por este film recibió su primera candidatura a la estatuilla dorada de Hollywood. De esa misma época sobresalió en “Becket” (1964), junto a Richard Burton. Encarnó al rey Enrique II y volvió a optar al Oscar. Curiosamente, fue también candidato al mismo premio interpretando al citado monarca en “El león en invierno” (1968), acompañado de Katharine Hepburn. Se hizo acreedor de una cuarta nominación por su interpretación de Arthur Chipping en el drama musical “Adiós, Mr. Chips” (1969), de Herbert Ross. 

Otros títulos reseñables que O’Toole protagonizó durante la década de los sesenta son “¿Qué tal, Pussycat?” (1965), de Clive Donner con guion de Woody Allen, “Cómo robar un millón y…” (1966), la parodia Bond “Casino Royale” (1967) o el thriller ambientado en la Segunda Guerra Mundial “La noche de los Generales” (1967), en compañía de su amigo Omar Sharif. 

En los años 70 aspiró nuevamente al Oscar por “La clase dirigente” (1972), sátira dirigida por Peter Medak. Aún le esperaban dos candidaturas más al prestigioso premio de la Academia. La primera, por “Profesión: el especialista” (1980), comedia dramática a las órdenes de Richard Rush y la segunda por “Mi año favorito” (1982), otra comedia de Richard Benjamin. Participó también en los rodajes de “El último Emperador” (1987), de Bernardo Bertolucci y de “El hotel de los fantasmas” (1988), fantasía cómica dirigida por Neil Jordan. Finalmente, en 2006 asumió su última candidatura al Oscar por “Venus”, de Roger Michell.


Escena de "Lawrence de Arabia"





Escena de "Adios, Mr. Chips"



viernes, 28 de julio de 2017

DUNKERQUE (Dunkirk)

No soy un gran aficionado al cine bélico. Su temática me produce una desazón que ahonda en el desapego hacia la especie humana. No obstante, existen películas del género que considero imprescindibles: “Black Hawk derribado”, de Ridley Scott, las dos obras magnas de Steven Spielberg (“Salvar al soldado Ryan” y “La lista de Schindler”) o “Enemigo a las puertas”, de Jean-Jacques Annaud, serían algunas de ellas. A partir de ahora, en el pódium de ese listado que recopila lo mejor de tan singular modalidad, habrá que hacerle un sitio a “Dunkerque”, excepcional largometraje que refleja a la perfección las miserias y heroicidades que acompañan a los seres humanos y que supone, además, una lección magistral sobre cómo narrar una historia desde un punto de vista artístico y cinematográfico. 
Considero a Christopher Nolan una figura señera de nuestro tiempo que ocupa por méritos propios un espacio en la Historia del Séptimo Arte. Su particular estilo, su constante intensidad narrativa, su valentía y originalidad a la hora de profundizar en las oscuridades del alma humana, su capacidad para entretener, su habilidad para usar el aspecto visual y convertirlo en una herramienta que da una nueva perspectiva a la trama y la trascendencia filosófica y hasta onírica de la mayoría de sus escenas le elevan al Olimpo de cineastas visionarios y fuera de serie. Ha sido capaz de revolucionar la ciencia ficción tanto con “Interstellar” como con “Origen”, sobresalientes trabajos que marcan un antes y un después dentro del citado género. Su trilogía sobre “Batman”, con Christian Bale como protagonista, alzó las películas de superhéroes a unos niveles de calidad insólitos hasta aquel momento. Con la sórdida, extraña y asombrosa “Memento”, diecisiete años atrás, ya logró su primera nominación al Oscar. 
Ahora, con “Dunkerque”, demuestra que ni se encasilla ni se acomoda. Muy al contrario, explora nuevos temas pero permaneciendo fiel a su esencia. Sin duda, es un genio. Sin embargo, conviene indicar que aquellos espectadores que no toleren las prolongadas secuencias sobre la guerra, con la desesperación y deshumanización que conlleva, la cinta les podrá resultar un tanto indigesta. La violencia y la crueldad no son sencillas de visionar. Acostumbrados a la aparición en todo tipo de pantallas de peleas, ensañamiento y ferocidad como mera fórmula de entretenimiento (incluso, en ocasiones, para proporcionar una visión distorsionada de la diversión), esta recreación del miedo, la brutalidad y la muerte como parte de nuestra naturaleza y de nuestra Historia nos conmueve y nos avergüenza, aunque, por otro lado, nos recuerda también el sacrificio, la entrega, la vocación de servicio y el heroísmo de determinadas personas. Por lo tanto, no se trata solamente de una plasmación de acontecimientos reales que no deben ser olvidados, sino de una sólida, hábil y certera reproducción de imágenes y sonidos que conectan directamente con el cine entendido como lo que es en realidad: un arte. 
En plena Segunda Guerra Mundial, cientos de miles de británicos y de tropas aliadas se encuentran rodeados por las fuerzas enemigas en la ciudad francesa de Dunkerque. Atrapados en la playa con el mar a sus espaldas, se enfrentan a un destino aciago con el ejército enemigo cada vez más cerca. A finales de mayo de 1940 se pone en marcha una complicada operación de evacuación que permitirá el rescate de unos trescientos mil soldados, aunque muchos de ellos perderán la vida en el intento. Presentado como un largometraje coral que ofrece la batalla y el rescate desde tierra, mar y aire, es imposible no conmoverse y no sentirse removido por dentro, en mi opinión un logro nada sencillo. 
Entre los actores que forman parte del elenco no hay ninguno que pueda ser considerado como principal. Destacan Mark Rylance (Oscar por “El puente de los espías”), Tom Hardy (“El renacido”, “Origen”, “El caballero oscuro: La leyenda renace”), Cillian Murphy (“Batman Begins”, “El viento que agita la cebada”) y Kenneth Branagh (más memorable por sus inicios como director). Junto a ellos, figuran otros jóvenes intérpretes desconocidos, como Fionn Whitehead y Aneurin Barnard.

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Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Dunkirk
Año: 2017
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos
Director: Christopher Nolan
Guion: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel

martes, 25 de julio de 2017

STANLEY KUBRICK

Stanley Kubrick nació en Nueva York el 26 de julio de 1928 y falleció en la localidad británica de St Albans el 7 de marzo de 1999. Director de cine, guionista, productor y fotógrafo, es considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Debutó como realizador con una serie de documentales rodados a comienzos de los años cincuenta, los cortos “Day of the Fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The Seafarers” (1953). Su primer trabajo de ficción fue “Fear and Desire” (1953), drama bélico de bajo presupuesto en el que aparecía como actor su posteriormente colega Paul Mazursky. 

Más tarde rodaría “Atraco perfecto” (1956), cinta protagonizada por Sterling Hayden y Coleen Gray. El film antibélico “Senderos de gloria” (1957) adaptaba una novela de Humphrey Cobb y le puso en contacto por primera vez con Kirk Douglas, quien demandó la presencia de Kubrick para sustituir a Anthony Mann en “Espartaco” (1960), fenomenal peplum basado en la obra de Howard Fast. Por esta película recibió una nominación a los Globos de Oro en la categoría de mejor director, candidatura que volvió a lograr con “Lolita” (1962), adaptación del texto homónimo del autor ruso Vladimir Nobokov, quien también asumiría facetas de guionista y optaría al Oscar de Hollywood. Encabezaron el reparto James Mason -como el profesor Humbert Humbert- y Sue Lyon, en el papel de Lolita. 

“¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú” (1964) era una sátira sobre la guerra fría por la que Kubrick fue candidato a la estatuilla dorada. Cuatro años después  retornó a la gran pantalla con uno de sus proyectos más ambiciosos, “2001: Una odisea del espacio” (1968), en colaboración con el escritor Arthur C. Clarke, que pivotaba en uno de sus relatos, titulado “El centinela”. Curiosamente, se alzó con el Oscar a los mejores efectos especiales. 

En “La naranja mecánica” (1971) se basó en el libro de Anthony Burgess y su siguiente trabajo le retrotrajo a la Inglaterra del siglo XVIII gracias a William Makepeace Thackeray y su “Barry Lyndon” (1975), con Ryan O’Neal al frente del reparto. En la década de los ochenta estrenó dos largometrajes, “El resplandor” (1980), muestra de terror de Stephen King con Jack Nicholson como estrella, y “La chaqueta metálica” (1987), donde volvía a recalcar sus postulados contrarios al belicismo desarrollando la acción en la Guerra del Vietnam y con la que fue nominado de nuevo como mejor guionista.  

Tras muchos años de reclusión, terminó realizando “Eyes Wide Shut” (1999), drama psicológico protagonizado por la pareja Tom Cruise–Nicole Kidman, que llegó a las carteleras después de su fallecimiento a la edad de 70 años. 


Escena de "Espartaco"




Escena de "Eyes Wide Shut"