LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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martes, 31 de mayo de 2016

MORGAN FREEMAN

El actor estadounidense Morgan Freeman nació en Memphis el 1 de junio de 1937. Ganador del Oscar en 2005 por “Million Dollar Baby”, ha recibido asimismo otras nominaciones a la estatuilla dorada por sus actuaciones en “El reportero de la calle 42” (1987), “Paseando a Miss Daisy” (1989), “Cadena perpetua” (1994) e “Invictus” (2009). También posee un Globo de Oro, (dos, si se tiene en cuenta el premio especial Cecil B. DeMille) y el galardón del Sindicato de Actores. 

Tras estudiar en Los Angeles Community College y desechar su primera opción de convertirse en piloto de las Fuerzas Aéreas norteamericanas -cuerpo en el que operó como mecánico en la segunda mitad de la década de los 50- decidió dedicarse a la interpretación en los años 60. Debutó en Broadway en 1968 con el musical “Hello Dolly”. Un par de años antes apareció, aunque al margen de los títulos de crédito, en “A Man Called Adam” (1966). Ya a comienzos de los años setenta inició su trayectoria televisiva en la serie “The Electric Company” (1971) y debutó en la pantalla grande con “Who Says I Can’t Ride a Rainbow” (1971), título dirigido por Edward Mann. Por aquella época trabajó principalmente en el teatro y en producciones para la televisión. 

Posteriormente, integró junto a Robert Redford el reparto de “Brubaker” (1980), encarnó antes que Denzel Washington a Malcolm X en “Death of a Prophet” (1981), coincidió con Paul Newman en “Harry e hijo” (1984), protagonizó “Escuela de rebeldes” (1989), un drama de John G. Avildsen, acompañó de nuevo a Washington en “Tiempos de gloria” (1989) de Edward Zwick y co-protagonizó la oscarizada “Paseando a Miss Daisy” (1989), por la que ganó el Globo de Oro y fue nominado por segunda vez por la Academia de Hollywood. Con anterioridad, había optado al galardón en la categoría de mejor actor secundario por su papel en “El reportero de la calle 42” (1987), junto a Christopher Reeve.

Tras la popularidad conseguida gracias a "Paseando a Miss Daisy", alcanzó el estrellato definitivo con “Seven” (1995), intriga criminal co-protagonizada por Brad Pitt y a las órdenes de David Fincher. Previamente ya había formado parte de los elencos de cintas magistrales como  “Sin perdón” (1992), western crepuscular de Clint Eastwood o “Cadena perpetua” (1994), film carcelario de Frank Darabont, que le hizo acreedor de su tercera nominación al Oscar. Más tarde rodó con Ashley Judd el thriller “El coleccionista de amantes” (1997) y “Toda la verdad” (2002), “Amistad” (1997) de Steven Spielberg, “El cazador de sueños” (2003) de Lawrence Kasdan y la ya citada “Million Dollar Baby”  (2004) de Clint Eastwood, que le proporcionó la preciada estatuilla.  

En la trilogía “Batman Begins”(2005), “El caballero oscuro” (2008) y “El caballero oscuro: La leyenda renace”, interpretó a Lucius Fox y en “Invictus” (2009), de nuevo dirigido por su amigo Eastwood sobre la adaptación del libro de John Carlin, dio vida magníficamente a Nelson Mandela, político sudafricano que combatió el apartheid en su país. 


Algunas secuencias de sus películas


"Sin perdón"





"Seven"





"Million Dollar Baby"




viernes, 27 de mayo de 2016

ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO (Alice Through the Looking Glass)

En el año 2010 Tim Burton estrenó el film más taquillero de toda su carrera. Su particular adaptación de “Alicia en el país de las maravillas” recaudó más de mil millones de dólares en todo el mundo. Pese a lo elevado del presupuesto invertido (doscientos millones de dólares), el negocio para la productora fue más que evidente. Sus llamativos decorados y vestuario (obtuvo el Oscar en ambas categorías), unidos a una colorista fotografía y al siempre estrambótico y, sin embargo, atrayente universo del célebre director californiano, formaron una curiosa combinación que, si bien atrajo al público, dejó bastante fría a la crítica especializada. Esa delgada y resbaladiza frontera entre la genialidad y el esperpento, entre lo artístico y lo grotesco, entre la imaginación desbordante y la extravagancia no controlada, concitaba con igual facilidad aplausos y silbidos. 
Seis años después se estrena “Alicia a través del espejo” con la intención de repetir el éxito de recaudación y reproduciendo las virtudes y los defectos de su predecesora. Ahora James Bobin se encarga de la realización (Burton se centra en la faceta de productor), quien cuenta con alguna experiencia en el mundo de la televisión y con dos contadas apariciones en la pantalla grande a través de los personajes de “Los Muppets” en 2011 y 2014. Como era de esperar, esta segunda parte hereda lo bueno y lo malo de la primera, por lo que, seguramente, gustará a los espectadores que salieron satisfechos de “Alicia en el país de las maravillas” y decepcionará a los que en 2010 abandonaron desencantados las salas de proyección. 
En esta ocasión, la protagonista regresa otra vez a su universo mágico atravesando un espejo y allí se reencuentra con sus amigos el Conejo Blanco, Absolem, el Gato de Cheshire y el Sombrerero Loco (que no es el mismo de otros tiempos, puesto que ha perdido su “muchosidad”). Para cambiar las cosas, deberá utilizar un enigmático artilugio conocido como “cronosfera”, enfrentarse de nuevo a la Reina y detener al malvado Tiempo, antes de que se cumpla el plazo marcado por el reloj y el País de las Maravillas se convierta en un mundo estéril y sin vida. 
El espectáculo visual que ofrece la película es innegable, así como el grado de imaginación y el nivel de atracción que atañen a los personajes creados por Lewis Carroll. Por lo tanto, resultará toda una experiencia para las personas que disfruten dejándose llevar por el vivo colorido y la original y fantasiosa puesta en escena. Sin embargo, para aquellos que apreciamos un guión bien escrito, sólidamente estructurado y con el trasfondo de una historia mínimamente coherente, el despliegue de medios técnicos y la agudeza y chispa iniciales tienden a diluirse a medida que transcurren los minutos. Casi dos horas de proyección es un metraje excesivo para reservarlo exclusivamente al componente ocular. Queda, pues, la sensación de haber asistido a una impresionante exhibición de luz y sonido, donde el propio espectador debe poner de su parte para rellenar las lagunas de la narración. En definitiva, la estética y las formas son muy brillantes, la novela en la que se basa, muy interesante, pero la habilidad para conformar con todo ello un producto final a la altura de las expectativas generadas no es suficiente. 
Dentro del equipo artístico repiten la cada vez más efectiva Mia Wasikowska (joven actriz que ya ha demostrado su gran talento en títulos como “Jane Eyre” o “Stoker”), Johnny Depp (con un personaje hecho a su medida para esta etapa profesional de desenfreno y loa a los papeles estrambóticos en los que se ha especializado, lo mismo que su compañero de reparto Sacha Baron Cohen), la siempre grata Anne Hathaway y la también inclasificable Helena Bonham Carter. Junto a ellos, se encargan de poner voz a las figuras animadas Stephen Fry y el tristemente fallecido Alan Rickman.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film
Película: Alicia a través del espejo.
Título original: Alice Through the Looking Glass.
Dirección: James Bobin.
País: USA. Año: 2016. Género: Aventuras, fantástico.
Interpretación: Johnny Depp (Sombrerero Loco), Mia Wasikowska (Alicia), Helena Bonham Carter (Reina Roja), Anne Hathaway (Reina Blanca), Sacha Baron Cohen, Rhys Ifans (Zanik Hightopp).
Guion: Linda Woolverton.
Producción: Tim Burton, Joe Roth, Jennifer Todd y Suzanne Todd.
Música: Danny Elfman.

martes, 24 de mayo de 2016

IAN McKELLEN

Sir Ian Murray McKellen nació en la localidad inglesa de Burnley el 25 de mayo de 1939. Actor de teatro y cine, nominado al Oscar en dos ocasiones y ganador del Globo de Oro y del Tony, pasó la mayor parte de su infancia en la ciudad de Wigan y estudió en la Bolton School, en el área metropolitana de Manchester, para  concluir sus estudios de interpretación en la Universidad de Cambridge. 

En sus inicios profesionales se dedicó preferentemente a la actuación teatral, siendo un intérprete habitual de las obras de William Shakespeare. Durante los años 60 y 70  interpretó igualmente en televisión a diversos personajes del  famoso dramaturgo, como Macbeth o Hamlet.

Asimismo, encarnó en diferentes películas a algunas personalidades históricas tan relevantes como el poeta John Keats, el realizador gay James Whale, el novelista D. H. Lawrence, el zar Nicolás II o Adolph Hitler. 

McKellen debutó en la pantalla grande con el film “Su vida íntima” (1965), donde compartía créditos con la actriz Sandy Dennis. Su trayectoria no resultó constante hasta mediados de la década de los 90, época en la que comenzó a intervenir con mayor asiduidad en el cine, siendo sus dos personajes más importantes el de Magneto en la saga de “X-Men” y el de Gandalf en las de “El señor de los anillos” y “El Hobbit”, adaptaciones de las novelas de J. R. R. Tolkien. 

En su filmografía destacan los largometrajes “Seis grados de separación” (1993) de Fred Schepisi, “Ricardo III” (1995) de Richard Loncraine, “Restauración” (1995) de Michael Hoffman, “Verano de corrupción” (1998) de Bryan Singer y “Dioses y monstruos” (1998) de Bill Condon, por la que recibió su primera nominación a la estatuilla dorada de Hollywood. 

Ya entrado el nuevo siglo, empezaron sus colaboraciones en “X-Men” y “El señor de los anillos”, optando nuevamente al Oscar por su trabajo en “El señor de los anillos: La comunidad del anillo” (2001) de Peter Jackson. Además, le hemos podido ver más recientemente en “El código Da Vinci” (2006) de Ron Howard o “Mr. Holmes” (2015), otra vez a las órdenes de Condon.


"Dioses y monstruos" (película completa en español)

domingo, 22 de mayo de 2016

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CANNES 2016 (The Cannes Film Festival 2016)





La 69ª edición del Festival de Cannes acaba de poner el punto y final con la lectura de su palmarés. La gran vencedora ha sido "I, Daniel Blake" de Ken Loach. Hace justo una década el director británico se hizo también con la Palma de Oro gracias a la cinta "El viento que agita la cebada". 


LISTADO DE GANADORES


Sección oficial 

– Palma de Oro: "I, Daniel Blake", de Ken Loach. 

– Gran Premio del Jurado: "Juste la fin du monde", de Xavier Dolan. 

– Premio del Jurado: "American Honey", de Andrea Arnold. 

–Mejor dirección (ex aequo): Olivier Assayas, por "Personal Shopper" y Cristian Mungiu, por "Bacalaureat". 

– Mejor actor: Shahab Hosseini, por "Forushande". 

– Mejor actriz: Jaclyn Jose, por "Ma’Rosa". 

– Mejor guión: "Forushande", de Asghar Farhadi. 

– Mejor opera prima: "Divines", de Houda Benyamina. 


Cortometrajes 

– Palma de Oro al mejor cortometraje: "Timecode", de Juanjo Jiménez.
   Mención especial: "The Girl Who Danced With The Devil" de Joao Paulo Miranda Daria. 


Palma de Oro honorífica: Jean-Pierre Léaud. 


Sección "Una cierta mirada" 

– Premio "Un certain regard": "The Happiest Day in the Life of Olli Mäki", Juho Kuosmanen. 

– Premio del Jurado: "Harmonium", de Koji Fukada. 

– Premio especial "Un certain regard": "La Tortue Rouge", de Michael Dudok De Wit. 

– Mejor dirección: Matt Ross, por "Captain Fantastic". 

– Mejor guión: Delphine y Mariel Coulin, por "Voir du Pays". 


Quincena de realizadores 

– Art Cinema Award: "Wolf and Sheep", de Shahrbanoo Sadat. 

– Label Europa Cinema: "Mercenaire", de Sacha Wolff .

– Premio SACD: "L’effet aquatique", de Sólveig Anspach. 

– Mención especial premio SACD: "Divines", de Houda Benyamina. 

– Premio Illy al mejor cortometraje: "Chasse royal", de Lise Akoka y Romane Gueret.

– Mención especial cortometraje: Zvir (The Beast), de Miroslav Sikavica. 


Semana de la Crítica 

– Gran premio Nespresso de la Semana de la Crítica: "Mimosas", de Oliver Laxe. 

– Premio Révélation France 4: "Albüm", de Mehmet Can Mertoglu. 

– Premio SACD: "Diamond Island", de Davy Chou.
– Premio Gan Foundation: "One Week and a Day", de Asaph Polonsky. 

– Premio Decouverte Sony Cinealta de cortometraje: "Prenjak", de Wregas Bhanuteja. 

– Premio Canal + de cortometraje: "Birth of a Leader," de Antoine de Bary


Cinefondation 

– Primer premio: "Anna", de Or Sinai. 
– Segundo premio: "In the Hills", de Hamid Ahmadi.
– Tercer premio (ex aequo): "A Nyalintas Nesze", de Nadja Andrasev y "La culpa, probablemente", de Michael Labarca. 


Premio FIPRESCI 

– Mejor película de la Sección oficial: "Toni Erdmann", de Maren Ade. 
– Mejor película de "Una cierta mirada": "Caini (Dogs)", de Bogdan Mirica. 
– Mejor película de la Quincena de realizadores o de la Semana de la Crítica: "Grave (Raw)", de Julia Ducornau (Semana de la Crítica).

viernes, 20 de mayo de 2016

X-MEN: APOCALIPSIS (X-Men: Apocalypse)

La evolución que de un tiempo a esta parte presentan las adaptaciones cinematográficas de las historias de superhéroes del cómic es más que evidente. Las primeras cintas de Superman o las películas de Batman rodadas por Tim Burton poco o nada tienen que ver con las que actualmente invaden las carteleras de todo el mundo. Las tramas de aquellos largometrajes de las décadas de los 80 y 90 eran mucho menos complejas y oscuras que las de los actuales estrenos del género. Además, junto a la innegable desigualdad entre ellas debida a los avances técnicos y visuales, la ansiedad de los nuevos realizadores por desarrollar sus relatos con el trasfondo de una ambientación más tenebrosa y pesimista resulta palpable, así como su afán por introducir a sus personajes por traumáticos y complicados laberintos existenciales. Apenas existen coincidencias entre el Hombre Murciélago de Christopher Nolan y sus antecesores, como tampoco entre las versiones de cineastas como Zack Snyder (Watchmen) o los hermanos Russo (Capitán América) con otras realizadas hace ya muchos años, ya que se trata de proyectos menos infantiles y más elaborados. 
Aunque personalmente prefiero esta visión más moderna y adulta del cómic, debo reconocer que este cambio progresivo ha venido acompañado de una saturación de títulos que llegan a provocar cierto hastío. A pesar de considerarme un aficionado receptivo ante estas propuestas que mezclan aventuras y fantasía, su excesiva acumulación (varias de ellas se estrenarán en los próximos meses) me genera bastante desgana. Esta congestión de superhéroes, mutantes y demás criaturas que pueblan este peculiar universo creativo constituye un error. Sin embargo, y dados los enormes beneficios que obtienen en taquilla, los productores piensan exactamente lo contrario. 
Por lo que se refiere a la saga X-Men, Apocalipsis es su octava entrega (si se incluyen los films dedicados en exclusiva a Lobezno). También en este punto se aprecia un incremento de la calidad en relación a sus entregas iniciales. En mi opinión, “X-Men: Días del futuro pasado” (2014) es, sin duda, la mejor de todas. En este sentido, el retorno de Bryan Singer a la dirección ha sido muy beneficioso. Pero, si anteriormente logró revitalizar unas narraciones que se habían estancado, sacándoles el máximo partido, ahora intenta continuar por la misma senda, si bien lo consigue sólo en parte. “X-Men: Apocalipsis” mejora respecto a aquellos primeros títulos pero no supera al más reciente. Se evidencia de nuevo el agotamiento de los personajes y el metraje excesivo, terminando por aflorar la temida monotonía ante las imágenes que se suceden en la pantalla. No se puede negar que la realización es correcta, que algunas escenas de acción están bien logradas y que, tanto el ritmo como el estilo visual, resultan adecuados en gran medida. Sin embargo, lo que cuenta se pierde en una maraña de individuos y en una suma de secuencias deficientemente conexionadas. 
Apocalipsis, el mutante más poderoso que ha existido jamás -acumula en su ser todos los poderes de los demás miembros del grupo X- despierta después de invernar durante miles de años. El mundo que encuentra no le gusta, de modo que recluta a un equipo de colaboradores encabezado por Magneto para acabar con la Humanidad y crear un nuevo orden mundial. El Profesor X, con la ayuda de Mística, formará a su vez otro grupo de jóvenes mutantes con el fin de detener a este enemigo sobrevenido, el mayor al que se han enfrentado hasta la fecha. 
El equipo artístico está integrado por actores habituales de las anteriores entregas, como Michael Fassbender (uno de los intérpretes de probada progresión profesional de la actualidad, como ya demostró en “Un método peligroso”, “Shame”, “12 años de esclavitud” o “Macbeth”), James McAvoy (más irregular que el alemán, pero asimismo con relevantes actuaciones en “El último rey de Escocia” o “Expiación”) y Jennifer Lawrence (cuya fulgurante y meteórica carrera incluye numerosos premios y proyectos de calidad). Se incorpora al elenco Oscar Isaac, cuyo extraordinario papel en la excelente “El año más violento” merece ser destacado.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Película: X-Men: Apocalipsis.
Título original: X-Men: Apocalypse.
Dirección y guion: Bryan Singer.
País: USA. Año: 2016. Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico.
Interpretación: Jennifer Lawrence (Mística), Michael Fassbender (Magneto), Rose Byrne (Moira), Evan Peters (Quicksilver), Oscar Isaac (En Sabah Nur / Apocalipsis), James McAvoy (Charles Xavier), Kodi Smit-McPhee (Rondador Nocturno), Tye Sheridan (Cíclope), Nicholas Hoult (Bestia), Sophie Turner (Jean Grey / Phoenix), Alexandra Shipp (Tormenta), Olivia Munn (Psylocke).

martes, 17 de mayo de 2016

FRANK CAPRA

El célebre director estadounidense de origen italiano Frank Capra nació en Sicilia el 18 de mayo de 1897 y falleció en California el 3 de septiembre de 1991. Ganador de tres estatuillas doradas, filmó algunas de las películas más populares de las décadas de los 30 y los 40. 

La primera de ambas sería la más valorada de su carrera profesional y a ella pertenecen obras maestras como  “Sucedió una noche” (1934), protagonizada por Clark Gable y Claudette Colbert. Supuso para el realizador un reconocimiento por parte de la Academia de Hollywood, que otorgó cinco Oscars a la cinta: película, director, actor (Clark Gable), actriz (Claudette Colbert) y guión adaptado (que firmó Robert Riskin, coartífice de los mejores títulos de Capra). 

Sin olvidar otros largometrajes como “El secreto de vivir” (1936) -que le reportó su segundo Oscar a la mejor dirección-, “Caballero sin espada” (1939) o “Juan Nadie” (1941), es preciso destacar un film que condensa las más valiosas esencias de su cinematografía y que estaba destinado a convertirse en un clásico de la comedia americana: “Vive como quieras” (1938).  A la alegría por su tercera estatuilla se añadió la satisfacción de obtener también el galardón a la mejor película de aquel año. 

Como otros grandes cineastas de la época, Frank Capra puso su talento al servicio de su país durante la Segunda Guerra Mundial, realizando diversos documentales para el Ejército de los Estados Unidos. Reincorporado a su profesión una vez finalizada la contienda, se dedicó a rodar, entre otras, “Arsénico por compasión” (1944) y, sobre todo, “¡Qué bello es vivir!” (1946) que, si bien en su momento no obtuvo el éxito esperado, se ha convertido con el paso del tiempo en uno de los clásicos más exhibidos y recordados de la historia del Séptimo Arte.

Sin embargo, con la llegada de los años cincuenta su fórmula comenzó a dar muestras de agotamiento, lo que provocó su retirada con la que sería su última película, “Un gángster para un milagro” (1961). En 1982 recibió el homenaje del American Film Institute por el conjunto de su filmografía y tres años más tarde fue honrado por el todo Hollywood en un acto que reunió a un elevado número de personalidades del cine, la cultura y la política.


A continuación, algunas secuencias de sus películas


"Arsénico por compasión"




"¡Qué bello es vivir!" (versión original)




"Caballero sin espada" (versión original)





lunes, 16 de mayo de 2016

30 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "LA MISIÓN" (30th anniversary of the premiere of "The Mission")

Este mes de mayo se cumple el trigésimo aniversario del estreno de "La misión", película británica dirigida por Roland Joffé e interpretada en sus papeles principales por Robert De Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally y Aidan Quinn. Ganadora de varios premios internacionales, se estrenó en la edición del Festival de Cannes correspondiente al año 1986. 

El largometraje presenta como telón de fondo el Tratado de Madrid (1750) suscrito entre España y Portugal, por el que se dirimió momentáneamente la disputa por la colonia del Sacramento —en la desembocadura de Río de la Plata— y la lucha entre las monarquías absolutas europeas y el poder detentado por la Iglesia, centrado en la Compañía de Jesús. Los jesuitas ejercían una gran influencia en los ámbitos cultural, económico y (en alguna medida) político, agudizada esta última por la cuestión de su cuarto voto religioso a favor de la figura del Pontífice. Por aquel entonces, los reyes católicos europeos observaban a la figura papal más como un príncipe soberano que como un pastor de almas, de modo que los miembros de la Congregación fundada por San Ignacio de Loyola eran vistos como representantes de un estado dentro de sus dominios. 

La cinta realiza un magistral uso de la música de Ennio Morricone desde el momento en que la interpretación de un oboe en mitad de la selva se transforma en el elemento que lleva a los indígenas a aceptar la prédica del religioso. Los lugareños se transformarán posteriormente en diestros artesanos de instrumentos musicales y, como forma de demostrar los avances en su nivel de civilización, interpretarán sus cantos corales a la comisión internacional. Tras un dramático final, el epílogo muestra una impactante escena en la que un grupo de niños salvajes cargan un instrumento musical en su canoa, como símbolo de la herencia recibida de los jesuitas.

El film ganó el Oscar a la mejor fotografía y fue nominado en otras seis categorías  (película, director, banda sonora, dirección artística, montaje y vestuario). Se alzó igualmente con la Palma de Oro de Cannes, con tres BAFTA británicos (actor secundario -Ray McAnally-, montaje -Jim Clark- y música -Ennio Morricone-, con el David de Donatello al mejor productor extranjero -Fernando Ghia y David Puttnam- y con los Globos de Oro a la mejor banda sonora de Morricone y al mejor guión (Robert Bolt).

Algunas escenas de la película












viernes, 13 de mayo de 2016

LA BRUJA (The VVitch: A New-England Folktale)


En el universo del Séptimo Arte, las películas de terror suelen considerarse parte de un subgénero cinematográfico degradado y, salvo contadas excepciones, la calidad que presentan es escasa. Por el contrario, en ellas abundan las escenas sangrientas gratuitas y exageradas, los tópicos repetitivos y las recreaciones burdas. Aun así, de cuando en cuando algún título consigue escapar de la vulgaridad y sobresalir entre los demás. Hace exactamente un año llegó a nuestras pantallas “It Follows”, un film que revitalizó esta denostada modalidad de cine, cosechando numerosos premios e incluso logrando varias nominaciones a los Independent Spirit Awards y diversas menciones de la National Board of Review, circunstancia muy inusual en este género que los norteamericanos denominan “Horror”. Ahora desembarca en la cartelera “La bruja”, un largometraje que también se ha paseado por numerosos certámenes sorprendiendo al público y alzándose con algunos galardones en festivales como los de Sundance, Londres o Austin. 
En mi opinión, su éxito radica en la sencillez ya que, como sucedía con “It Follows”, está filmado y narrado con una aparente simplicidad, sin complejas escenas, ni grandes efectos especiales, ni permanentes sobredosis de sangre y violencia. Hasta el ritmo y la trama se encuentran en las antípodas de la mayoría de muestras similares que aspiran a provocar intriga y terror. Y, tal vez por ello, no termine de gustar demasiado a ese público incondicional de la acción centrada en un montaje frenético y en unos personajes cuya furia se refleja en una sucesión de secuencias escabrosas. Con independencia de la época en la que se desarrolla el relato, se trata de una cinta concebida con audacia pero amparada en una técnica, aunque efectiva, más bien retro. Pero ya por el mero hecho de nadar a contracorriente y proponer un trabajo novedoso merece sin duda el elogio y el aplauso. 

En la Nueva Inglaterra del siglo XVII, una familia de granjeros es repudiada por la Iglesia de su comunidad, viéndose abocada a huir de su pueblo y establecerse en pleno bosque. El matrimonio y sus cinco hijos inician de ese modo una nueva etapa en el recóndito paraje donde, al poco tiempo, evidencian que habita una fuerza malvada y sobrenatural. Comenzarán entonces una serie de fenómenos inexplicables de cuyo origen los propios padres acusan a una de sus hijas, a la que califican de bruja. Finalmente la situación se descontrola, poniéndose a prueba la férrea fe de los tradicionales progenitores y la lealtad y el afecto que une a todos los miembros del clan. 
Esta propuesta recuerda en ocasiones a otras, como “El bosque” de M. Night Shyamalan, pero lo cierto es que su indiscutible originalidad termina por proporcionar numerosos momentos perturbadores e inquietantes. Su joven director, el debutante Robert Eggers, exhibe maneras de cineasta hábil y eficaz, firmando una obra muy por encima de la media de un género que habitualmente peca de un abuso en la oferta de vísceras y de dolor físico. Recurriendo a un espacio opresivo, con escasos recursos, un metraje muy ajustado y un casting muy reducido, completa un producto más que digno que hace presagiar un esperanzador futuro profesional. De hecho, pese a su raquítico presupuesto de apenas tres millones de dólares, los espectadores han respondido en taquilla y se han recaudado más de veinticinco tan sólo en el mercado norteamericano, antes de comenzar su carrera comercial a nivel internacional. 
Todos los actores que forman parte del elenco son desconocidos, destacando entre ellos su protagonista Anya Taylor-Joy, que da vida a la adolescente acusada de brujería, y Ralph Ineson, que ha actuado en papeles secundarios en “Guardianes de la galaxia” y en las dos entregas de “Harry Potter y las reliquias de la muerte”.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film:
Película: La bruja
Título original: The Witch: A New-England Folktale.
Dirección y guion: Robert Eggers.
Países: Canadá y USA. Año: 2015. Duración: 90 min. Género: Terror.
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw.
Música: Mark Korven.

martes, 10 de mayo de 2016

FESTIVAL DE CANNES 2016 (The Cannes International Film Festival 2016)

La actriz estadounidense Kirsten Dunst y el actor canadiense Donald Sutherland serán dos de los ocho miembros del jurado de la competición oficial de la 69ª edición del Festival de Cine de Cannes, que presidirá el director, guionista y productor australiano George Miller -autor de la saga "Mad Max", cuya cuarta entrega (Mad Max: Furia en la carretera) se preestrenó fuera de competición el pasado año- y que se celebrará entre los días 11 y 22 de mayo.

Dunst obtuvo el premio de interpretación en este certamen en 2011 con "Melancolía", de Lars Von Trier. A su lado estarán también el cineasta húngaro László Nemes (Gran Premio del Jurado en 2015 por su opera prima "El hijo de Saúl", que recibió asimismo el reciente Oscar al mejor film de habla no inglesa). El realizador francés Arnaud Desplechin, la actriz, directora y productora italiana Valeria Golino, el actor danés Mads Mikkelsen, la productora iraní Katayoon Shahabi y la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis completan el grupo. 




APERTURA

Café Society - Woody Allen.



COMPETICIÓN OFICIAL

Toni Erdmann - Maren Ade (Alemania).

Julieta - Pedro Almodóvar (España).

American Honey - Andrea Arnold (Reino Unido).

Personal Shopper - Olivier Assayas (Francia).

La fille inconnue - Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica).

Juste la fin du monde - Xavier Dolan (Canadá).

Ma loute - Bruno Dumont (Francia).

Mal de pierres - Nicole Garcia (Francia).

Rester vertical - Alain Guiraudie (Francia).

Paterson - Jim Jarmusch (Estados Unidos).

Aquarius - Kleber Filho Mendonça (Brasil).

I, Daniel Blake - Ken Loach (Reino Unido).

Ma' Rosa - Brillante Mendoza (Filipinas).

Bacalaureat - Cristian Mungiu (Rumanía).

Loving - Jeff Nichols (Estados Unidos).

Agassi- Park Chan-Wook (Corea del Sur).

The Last Face - Sean Penn (Estados Unidos).

Sieranevada - Cristi Puiu (Rumanía).

Elle - Paul Verhoeven (Holanda).

The Neon Demon - Nicolas Winding Refn (Dinamarca).




Sección UNA CIERTA MIRADA

Varoonegi - Behnam Behzadi (Irán).

Apprentice - Boo Junfeng (Singapur).

Voir du pays- Delphine y Muriel Coulin (Francia). 

La danseuse - Stéphanie Di Gusto (Francia).

Eshtebak - Mohamed Diab (Egipto).

La tortue rouge - Michael Dudok de Wit (Holanda).

Fuchi ni tatsu - Fukada Kôji (Japón).

Omor shakhsiya - Maha Haj (Israel).

Me'ever laharim vehagvaot - Eran Kolirin (Israel). 

After the storm - Hirokazu Kore-Eda (Japón).

Hymyilevä mies - Juho Kuosmanen (Finlandia).

La larga noche de Francisco Sanctis - Francisco Márquez y Andrea Testa (Argentina).

Caini - Bogdan Mirica (Rumanía).

Pericle il nero - Stefano Mordini (Italia). 

The Transfiguration - Michael O'Shea (Estados Unidos).

Captain Fantastic - Matt Ross (Estados Unidos).

Uchenik - Kirill Serebrennikov (Rusia).


FUERA DE COMPETICIÓN


The Nice Guys - Shane Black (Estados Unidos). 

Money Monster - Jodie Foster (Estados Unidos).

Goksung - Na Hong-Jin (Corea del Sur).

The BFG - Steven Spielberg (Estados Unidos).




SESIONES DE MEDIANOCHE


 Gimme Danger - Jim Jarmusch (Estados Unidos). 

Bu-san-haeng - Yeon Sang-Ho (Corea del Sur).


SESIONES ESPECIALES  


L'ultima spiaggia - Thanos Anastopoulos (Grecia) y Davide Del Degan (Italia).

Hissein Habré, une tragédie tchadienne - Mahamat-Saleh Haroun (Chad).

Exil - Rithy Panh (Camboya).

La muerte de Luis XIV - Albert Serra (España).

Le cancre - Paul Vecchiali (Francia).

viernes, 6 de mayo de 2016

TRIPLE 9

El director australiano John Hillcoat se ha especializado en trasladar a imágenes unas historias intensas en las que la violencia, ya sea explícita o implícita, cobra un protagonismo indiscutible. Comenzó a destacar profesionalmente en 2005 gracias a “La propuesta”, un western interpretado por actores tan notables como Guy Pearce, Emily Watson y John Hurt, y que cosechó varios premios. Cuatro años después se embarcó en la adaptación de la novela “La carretera”, del premio Pulitzer Cormac McCarthy, contando en aquella ocasión con Viggo Mortensen y Charlize Theron al frente del reparto. Su último estreno, “Sin ley”, tuvo lugar en 2012, disponiendo de otro elenco de lujo formado por Jessica Chastain, Gary Oldman y Tom Hardy. Podría muy bien considerarse que estos tres títulos forman una trilogía no oficial sobre la violencia inherente a la condición humana y sobre la lucha de hombres buenos en escenarios de caos y crueldad. Los citados largometrajes están rodados con sobriedad y eficacia y muestran de modo meritorio un instinto muy poco habitual a la hora de abordar los conflictos y la ferocidad humana. 
Hillcoat presenta ahora “Triple 9”, su enésima visión de un ambiente anormalmente brusco y salvaje que vuelve a disfrazar de cotidianeidad. Como si pretendiera rendir un homenaje a una frágil y hermosa flor que crece en un vertedero rodeada de maleza, el cineasta insiste en su moraleja del ser humano que hace lo correcto, pese a estar envuelto en una atmósfera irrespirable de odio y marginalidad. En mi opinión, se ha excedido hasta el extremo traduciendo en imágenes esta recreación, mostrando un grado de hostilidad verbal y física tan desproporcionada que puede provocar el rechazo de un público incapaz de soportar semejante nivel de dureza. 
Cuenta la historia de una banda de criminales y policías corruptos a quienes está chantajeando la mafia rusa, obligándoles a llevar a cabo un atraco sumamente peligroso, el mayor jamás realizado hasta la fecha. Con dicho fin, traman un complicado plan para asesinar a un oficial de la propia Policía y activar así la denominada “Alerta 999”, un código policial interno que supone la movilización inmediata del Cuerpo para ayudar a un compañero herido. De ese modo, lograrán que una gran parte de los efectivos acuda a esa determinada ubicación mientras ellos dan el golpe en otro lugar. Por supuesto, no todo sale como estaba previsto, generándose una espiral de muertes incontrolables y de traiciones viscerales. 
Si bien el nivel de intensidad y de acción es correcto, la recreación de un mundo sórdido resulta acertada y los perfiles de los personajes están bien dibujados, el film manifiesta tres claros inconvenientes. El primero, que desarrolla tramas muy gastadas sin aportar ninguna novedad. El segundo, que el papel femenino de la jefa mafiosa del bando ruso resulta muy poco creíble. Y el tercero, que un considerable número de espectadores se sentirá saturado por el exceso de maldad y opresión (inadecuada sobredosis que termina por dejar un amargo sabor de boca). 
Cabe de nuevo destacar la excelente labor del equipo artístico, formado por rostros populares de probado talento que ayudan a incrementar la calidad del producto final. Tanto Casey Affleck (actor versátil, magnífico en su papel) como Anthony Mackie (en cartelera con “Capitán América: Civil War”) sobresalen en sus trabajos. Un peldaño por debajo se hallan Chiwetel Ejiofor (“12 años de esclavitud”, “American Gangster”) y Woody Harrelson (“El escándalo de Harry Flint”, “No es país para viejos”). Quien, sorprendentemente, desentona -ya que ella nunca suele hacerlo- es Kate Winslet, cuya interpretación de cabecilla de la delincuencia rusa no queda bien plasmada. Por último, la cada vez más famosa Gal Gadot (en esta ocasión, sin el traje de Wonder Woman), asume un papel secundario.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film
Película: Triple 9.
Dirección: John Hillcoat.
País: USA. Año: 2016. Género: Drama, thriller.
Interpretación: Aaron Paul, Kate Winslet, Norman Reedus, Gal Gadot, Michael B. Jordan, Teresa Palmer, Casey Affleck, Woody Harrelson, Chiwetel Ejiofor, Anthony Mackie, Clifton Collins Jr.
Guion: Matt Cook.

martes, 3 de mayo de 2016

25 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "THELMA & LOUISE" (25th anniversary of the premiere of "Thelma & Louise")

Se cumple este mes el vigésimo quinto aniversario del estreno de "Thelma y Louise", road movie de 1991, ideada y escrita por Callie Khouri, y dirigida por Ridley Scott, con Geena Davis interpretando el papel de Thelma y Susan Sarandon, el de Louise. Les acompañan en el reparto Harvey Keitel -el detective que investiga los crímenes de las dos fugitivas-, Michael Madsen -el novio de Louise-, Christopher McDonald -el marido de Thelma- y Brad Pitt -el ladrón que engaña a las dos mujeres- en su primer trabajo relevante en Hollywood. 

Se estrenó en el Festival de Cannes del citado año y desembarcó posteriormente en las salas de proyección de Estados Unidos. La cinta obtuvo seis nominaciones a los Oscar -incluyendo director, actrices principales y guión original (que finalmente consiguió)-. Optó asimismo a cuatro Globos de Oro, entre ellos el de mejor película. 

Thelma (Geena Davis) es ama de casa. Su filosofía consiste en dejar las cosas como están. En realidad, su vida no está mal, aunque resulta terriblemente aburrida y nada gratificante. Darryl, su marido, detestable y machista, la trata como a una niña más que como a una esposa. Louise (Susan Sarandon) es camarera y cree que cada uno tiene lo que se busca. Lleva una vida enloquecida y frustrante y su novio, Jimmy, es de los que no quieren asumir compromisos. Las dos mujeres, cansadas de la situación en la que viven, deciden "liarse la manta a la cabeza" y tomarse unas improvisadas vacaciones. Pero desde la primera noche de libertad, su destino se presenta complicado y tumultuoso. 

La cinta se convirtió en poco tiempo en un largometraje de culto, pasando a la Historia del Séptimo Arte como una muestra emblemática e inclasificable que mezcla diversos géneros. El Ford Thunderbird de 1966 verde descapotable de Louise ocupa un lugar importante en el relato. Es el coche que les permite viajar el fin de semana a las montañas y también el que les lleva a su fatal desenlace. Su última escena sorprende por la ruptura que representa en relación con el «final feliz» habitual. En la persecución, una vez habiendo perdido momentáneamente de vista los coches de Policía, Louise detiene el vehículo al borde del Gran Cañón del Colorado, ante un precipicio. De pronto, aparece un helicóptero desde el fondo del desfiladero, mientras que las Fuerzas del Orden obstaculizan su retirada, apuntándolas con sus fusiles y dándoles la orden de rendirse. En ese momento, tiene lugar el siguiente diálogo:

Thelma: Oye, Louise, no nos dejemos coger. 
Louise: ¿Qué quieres decir con eso? 
Thelma: ¡Sigamos adelante! 
Louise: ¿Pero qué dices? 
Thelma (indicando la dirección del cañón): ¡Vamos! 
Louise (esbozando una sonrisa): ¿Estás segura? 
Thelma: ¡Sí! 
Thelma: Sí... 

Louise besa a Thelma y arranca el coche.


Escenas de la película