LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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martes, 28 de abril de 2015

DANIEL DAY-LEWIS

Daniel Day-Lewis nació en Londres el 29 de abril de 1957. Británico de nacimiento pero nacionalizado irlandés en 1993, es el único intérprete que ha ganado tres Oscar en la categoría  de mejor actor principal, además de dos Globos de Oro, cuatro premios BAFTA y tres premios SAG. Está considerado por la crítica como uno de los artistas más relevantes, no sólo de su generación sino de toda la historia del Séptimo Arte.

Su relación con el cine le viene desde la cuna. Su abuelo materno, Sir Michael Balcon, era un importante productor, su padre, Cecil Day-Lewis, era poeta de la actual soberana inglesa y su madre, Jill Balcon, es una dama del teatro de origen judio. Estudió en Greenwich (Londres) y en Sevenoaks School (Kent) y, posteriormente, en el Bristol Old Vic Theatre School.
Su carrera comenzó en 1971 con una breve aparición en la película "Sunday Bloody Sunday" , cuando aún era un adolescente, aunque su nombre no figura en los títulos de crédito del film. 

En la década de los ochenta apareció en “Gandhi” (1982), de Richard Attenborough, "Motín a bordo" (1984), de Roger Donaldson, "Mi hermosa lavandería" (1985), de Stephen Frears, "Una habitación con vistas" (1986), de James Ivory, "La insoportable levedad del ser" (1988), de Philip Kaufman o "Un señorito de Nueva York" (1988), de Pat O'Connor, aunque fue con  "Mi pie izquierdo" (1989), título dirigido por Jim Sheridan, cuando logró su primera estatuilla de Hollywood y  la fama internacional.

Tras aquel constante ritmo de trabajo,  Day Lewis apareció en pantalla en contadas ocasiones durante los años siguientes, volviendo a coincidir con Sheridan en títulos como "En el nombre del padre" (1993) o "The Boxer" (1997), y poniéndose a las órdenes de Michael Mann en "El último mohicano" (1992) -que co-protagonizó con Madeleine Stowe- y de Martin Scorsese en "La edad de la inocencia" (1993), donde compartió cartel con Michelle Pfeiffer y Winona Ryder. Repitió con Ryder en "El crisol" (1996), de Nicholas Hytner, cinta basada en una obra de su suegro Arthur Miller. Por su interpretación en "En el nombre del padre" volvió a ser nominado al Oscar, pero en aquella ocasión el premio recayó en Tom Hanks por "Philadelphia". 

Regresó a la actividad profesional con "Gangs of New York" (2002), de nuevo con Scorsese, optando una vez más al máximo galardón de la industria estadounidense, que finalmente fue a parar a las manos de Adrien Brody por su personaje de "El pianista", de Roman Polanski. Por su papel de magnate petrolífero en "There will be blood (Pozos de ambición)" (2007), de Paul Thomas Anderson, se hizo con el Oscar y con el  Globo de Oro. En "Nine" (2009), musical realizado por Rob Marshall,  dio vida a Guido Contini, un cineasta en plena crisis creativa, alter ego de Federico Fellini. También se puso en la piel del presidente norteamericano Abraham Lincoln en "Lincoln" (2012), de Steven Spielberg y gracias a este trabajo obtuvo su tercera estatuilla dorada. 

El pasado año fue nombrado Caballero del Imperio Británico por la reina Isabel II.


Escena de la película "Mi pie izquierdo"





Escena de la película "La edad de la inocencia"





Entrega del Oscar por "Lincoln"




viernes, 24 de abril de 2015

EL MAESTRO DEL AGUA (The Water Diviner)

El reconocido actor Russell Crowe ha decidido debutar en la dirección de largometrajes con “El maestro del agua”, un ambicioso melodrama que pretende aglutinar en un solo proyecto cinematográfico diversos rasgos de los géneros bélico, dramático y romántico, así como evocar a través de su puesta en escena épocas, culturas y ambientes exóticos e incomprensibles. Aunque sólo sea por lo elevado del objetivo, merece un sincero reconocimiento y, pese a que no llegue a figurar en las listas de mejores películas que trascienden al mero entretenimiento, su resultado es más que digno y no resultará difícil dejarse llevar por esta narración vistosa y sentimental que nos ofrece el intérprete neozelandés desde el otro lado de la cámara. 
Crowe se ha ganado por derecho propio un puesto entre los actuales nombres más emblemáticos de los escenarios. Carismático y de imponente presencia en pantalla, ha llevado a cabo algunas interpretaciones memorables en títulos tan sobresalientes como “L.A. Confidential” de Curtis Hanson, “El dilema” de Michael Mann, “Gladiator” de Ridley Scott (por la que ganó un Oscar al mejor actor) o “Una mente maravillosa” de Ron Howard, además de aportaciones muy notables en los films “American Gangster”, “Red de mentiras” o “Los miserables”. Tan relevante filmografía le acredita sobradamente para ocupar la primera fila dentro de su profesión, por más que también la integren otros trabajos más mediocres e incluso fallidos. 
En este punto de su trayectoria ha apostado por la filmación de una historia conmovedora que tiene lugar en un marco más propio del cuento de “Las mil y una noches”. Ha recurrido a una fotografía efectiva, centrada mayoritariamente en los tonos cálidos, una adecuada banda sonora y una trama muy sensible, cuyo dramatismo se compensa con un amor platónico, callado e inútilmente sobrellevado a escondidas. El resultado final puede considerarse irregular y ambiguo. Es evidente su excesiva dosis de edulcorante, del que intencionadamente ha echado mano para satisfacer a un público entregado al dramatismo y esperanzado ante un final feliz. Asimismo, la parte más pretendidamente trepidante y emocionante, con escapadas a través de los montes turcos y huidas por torrentes de agua, mientras les amenazan bombardeos demasiado artificiales, resulta también claramente fallida. Aun así, el conjunto funciona, siendo emotivo pero, a la vez, intenso, con un cierto regusto a cine clásico y aderezado por una cautivadora ambientación que permite a los espectadores adentrarse en el relato con facilidad. 
Sobre el trasfondo de la devastadora batalla turca de Gallipoli, durante la Primera Guerra Mundial, un viudo granjero australiano viaja a Estambul para averiguar qué destino han corrido sus hijos, declarados desaparecidos en combate. Para ello, deberá sortear a los altos mandos de los bandos en conflicto, incapaces de entender la determinación de este padre por encontrar los cadáveres de sus descendientes en un campo plagado de minas y de cadáveres muertos. Simultáneamente, comienza a establecer una especial conexión con una hermosa lugareña que regenta el hotel en el que se hospeda y a la que persiguen sus propios fantasmas. 
Junto a Russell Crowe, que interpreta el papel protagonista, destacan Yilmaz Erdogan (premiado por el “Australian Film Institute” como mejor actor secundario) y Olga Kurylenko, bella actriz ucraniana que evidencia varias carencias a la hora de extraer el máximo jugo de su personaje pero que, pese a todo, construye junto a Crowe una hermosa historia de amor a base de miradas, silencios y tazas de café. “El maestro del agua” ha recibido, además, el premio a la mejor película australiana del año.

Trailer en castellano



Trailer en versión original



Datos del film
Película: El maestro del agua.
Título original: The water diviner.
Dirección: Russell Crowe.
Países: Australia, USA y Turquía. Año: 2014. Duración: 111 min. Género: Drama.
Interpretación: Russell Crowe (Connor), Olga Kurylenko (Ayshe), Jai Courtney (Cyril Hughes), Isabel Lucas (Natalia), Ryan Corr (Art), Damon Herriman (padre McIntyre), Megan Gale (Fatma), Yilmaz Erdogan (Hasan), Cem Yilmaz (Cemal).
Guion: Andrew Knight y Andrew Anastasios.
Producción: Troy Lum, Andrew Mason y Keith Rodger.
Música: David Hirschfelder.
Fotografía: Andrew Lesnie.
Montaje: Matt Villa.
Diseño de producción: Chris Kennedy.
Vestuario: Tess Schofield.


martes, 21 de abril de 2015

JACK NICHOLSON

Jack Nicholson nació en Nueva York el 22 de abril de 1937. Actor, productor, guionista y director de cine estadounidense, doce veces nominado y tres veces ganador del Oscar de la Academia de Hollywood, consiguió su primer gran éxito profesional con la cinta "Easy Ryder" (Buscando mi destino) (1969), dirigida por Dennis Hopper y coprotagonizada por el propio Hopper y  por su buen amigo Peter Fonda.
Debutó en la pantalla grande con "The Cry Baby Killer"(1959), traducida al castellano como “Grita, asesino”, largometraje producido por Roger Corman, realizado por Jus Addis e interpretado por los actores Harry Lauter y Carolyn Mitchell. Después le siguieron otras películas de Corman, como "La tienda de los horrores" (1960), "El cuervo" (1963), "El terror" (1963), "La matanza del día de San Valentín" (1967) o "El viaje" (1967), donde apareció acreditado solamente en calidad de guionista. 
La década de los setenta fue la de su consagración como intérprete. Fue nominado a la estatuilla dorada por "Mi vida es mi vida" (1970), de Bob Rafelson (ganaría George C. Scott por "Patton"), "El último deber" (1973), de Hal Ashby (el premio recaería en Jack Lemmon por "Salvad al tigre") y "Chinatown" (1975), de Roman Polanski (siendo el galardón para Art Cartney por "Harry y Tonto"), Finalmente, la obtuvo por "Alguien voló sobre el nido del cuco" (1975), la adaptación de la novela de Ken Kesey que dirigió Milos Forman. Los otros candidatos eran Walter Matthau por "La pareja chiflada", Al Pacino por "Tarde de perros", James Withmore por "Give 'em Hell, Harry!" (1975) y Maximilian Schell por "The Man in the Glass Booth". 
Optó de nuevo al máximo reconocimiento de la industria por "Rojos" (1981), de Warren Beatty (ganó como mejor actor secundario Sir John Gielgud por "Arthur"), "El honor de los Prizzi" (1985), de John Huston (el mejor actor principal fue William Hurt por "El beso de la mujer araña") y "Tallo de hierro" (1987), en compañía de Meryl Streep y a las órdenes de Héctor Babenco (Michael Douglas venció por "Wall Street").
Repitió Oscar como mejor secundario en 1983 por "La fuerza del cariño" (1983), imponiéndose a Charles Durning por "Soy o no soy", Sam Shepard por "Elegidos para la gloria", Rip Torn por "Los mejores años de mi vida" y John Litgow, su compañero de reparto en la citada "La fuerza del cariño". Curiosamente, no accedió a ningún galardón por sus títulos más populares de los ochenta: "El resplandor" (1980), de Stanley Kubrick y "El cartero siempre llama dos veces" (1981), de Bob Rafelson, donde compartía un tórrido romance con Jessica Lange,  que daba vida al mismo personaje que Lana Turner en la versión de los años 40, dirigida por Tay Garnett y con John Garfield a cargo del papel principal. 
Otros trabajos de Nicholson fueron "Se acabó el pastel" (1986), de Mike Nichols, "Las brujas de Eastwick" (1987), de George Miller, "Al filo de la noticia" (1987), de James L. Brooks o "Batman" (1989), de Tim Burton. Posteriormente integró los repartos de "Algunos hombres buenos" (1992), de Rob Reiner, "Hoffa" (1992), de Danny DeVito, "Lobo" (1994), de Mike Nichols, "Cruzando la oscuridad" (1995), de Sean Penn, "Blood and Wine" (1996), de Bob Rafelson, "Mars Attacks" (1996), de Tim Burton o "Mejor... imposible" (1997), de James L. Brooks, que le reportó su tercera estatuilla, de nuevo como actor principal, superando a  Matt Damon por "El indomable Will Hunting", Robert Duvall por "Camino al cielo (The Apostle)", Dustin Hoffman por "La cortina de humo" y a su íntimo amigo Peter Fonda por "El oro de Ulises". 
Ya en el nuevo milenio, ha destacado en “A propósito de Schmidt” (2002), de Alexander Payne e “Infiltrados” (2006), de Martin Scorsese.


Escena de la película "La fuerza del cariño"





Escena de la película "Mejor... imposible"





Escena de la película "Algunos hombres buenos"




viernes, 17 de abril de 2015

UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR (Run All Night)

El realizador español Jaume Collet-Serra comienza a ser una presencia habitual en las carteleras norteamericanas. Tras debutar con la floja cinta de terror “La casa de cera”, publicitada al máximo en base a la participación en ella de la artificial millonaria Paris Hilton, continuó su línea ascendente en las taquillas con “La huérfana” y, sobre todo, con “Sin identidad” y “Sin escalas”, protagonizadas ambas por el actor Liam Neeson y que recaudaron a nivel mundial ciento treinta y doscientos veinte millones de dólares, respectivamente. En virtud de esos éxitos previos, se repite por tercera vez el tándem entre director y actor con el estreno de “Una noche para sobrevivir”. 
Es indudable la clara preferencia de Collet-Serra por la acción, un género muy complicado para destacar, puesto que la utilización de tópicos y estereotipos para narrar las historias es moneda común. En este nuevo proyecto se percibe su esfuerzo por dotarlo de mayor originalidad y por otorgar a alguno de los personajes una relevancia superior. Así, a su habitual tendencia por la recreación de ambientes tensos y angustiosos, añade ahora tenues pinceladas de creatividad visual por medio de movimientos de cámara más elaborados, a la que suma un contenido más relevante del papel protagonista. Por lo tanto, se puede concluir que su labor profesional es superior en esta última cinta que en sus antecesoras y que, en general, alcanza los objetivos básicos de una cinta convencional de acción. 
Rodada en un escenario nocturno y opresor, supone sin duda un punto de inflexión positivo en la evolución artística del cineasta catalán. Sin embargo, tanto sus esfuerzos como los de su elenco chocan con un guion de desarrollo plano y construido sobre diálogos insulsos que impide el adecuado desarrollo del largometraje. Es entretenido, posee un ritmo ágil y su acción, al llevarse a cabo en pocas horas, resulta trepidante, de modo que satisfará a los aficionados de este tipo de cine pero no al sector de público más exigente. Paradójicamente, a pesar del incremento en el nivel de calidad, los resultados de taquilla pueden tacharse de decepcionantes. De un presupuesto inicial de cincuenta millones de dólares, apenas ha recaudado la mitad en el mercado norteamericano, quedando a la espera de la respuesta en el resto de países para constatar si la inversión será o no recuperada. 
Cuenta la historia de un veterano sicario, conocido como “El Cavatumbas”, muy atormentado a causa de una vida dedicada al crimen. Para su desgracia, su hijo se ve envuelto en la misma atmósfera delictiva, debiendo escoger entre el clan criminal al que pertenece y su propia familia, desatendida durante demasiados años. 
Liam Neeson encabeza el reparto y endereza su errática trayectoria de los últimos tiempos. Después de una época dorada en la que reunió sus más destacadas interpretaciones en títulos como “La lista de Schindler” (por la que recibió una nominación al Oscar), “Michael Collins” o “Kingsley”, dio el salto al cine de acción con la sobresaliente “Batman Begins”. Pero, posteriormente, comenzó a enlazar films menores como “El equipo A” o “Ira de titanes”. Junto a “Caminando entre tumbas”, esta “Una noche para sobrevivir” le devuelve a un puesto de privilegio en el escalafón que nunca debió perder. Le acompañan en el equipo artístico algunos intérpretes brillantes, aunque con papeles pocos aptos para el lucimiento. El magnético y siempre efectivo Ed Harris merece un guión radicalmente distinto a éste con el que poder exhibir su inmenso potencial. Y sucede lo mismo con Nick Nolte, cuya aparición ni siquiera consta en los créditos finales, si bien esa circunstancia no impide que los amantes del Séptimo Arte le reconozcan con facilidad.

Trailer en castellano



Trailer en versión original



Datos del film
Una noche para sobrevivir.
Título original: Run All Night.
Dirección: Jaume Collet-Serra. País: USA. Año: 2015. Duración: 114 min. Género: Acción, thriller.
Interpretación: Liam Neeson (Jimmy), Joel Kinnaman (Mike), Ed Harris (Shawn), Vincent D’Onofrio (Detective Harding), Genesis Rodriguez (Gabriela), Common (Andrew), Boyd Holbrook (Danny).
Guion: Brad Ingelsby.
Producción: Roy Lee, Michael Tadross y Brooklyn Weaver.
Música: Junkie XL.


miércoles, 15 de abril de 2015

18º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El 17 de abril arranca la 18º edición del Festival de Cine de Málaga, diez días de plena dedicación a la cinematografía nacional. 

El certamen andaluz ha desvelado las primeras cifras de participación y repercusión económica. Una vez recopilados los datos relativos al 2014, se ha puesto de manifiesto un importante incremento en la recaudación de la taquilla.  que pasa de 88.746 euros recaudados en 2013 a 111.837 euros ingresados un año después, lo que representa una diferencia de 23.091 euros y un incremento comparativo del 26%. 

Según sus responsables, este evento ha supuesto para la ciudad andaluza una relevante inversión económica en los distintos sectores productivos y de servicios. La contratación de empresas, profesionales y personal eventual se cifra en 340.000 euros, mientras que la de servicios para la producción (módulos, carpas, audiovisuales, etc.) alcanza los 400.000 euros. Los servicios hoteleros y de restauración se cifran en 256.000 euros, mientras que los vinculados a la comunicación e imagen se estiman alrededor de 196.000 euros. 


Las películas de la Sección Oficial que optan a galardón son las siguientes:  


“A cambio de nada” de Daniel Guzmán 

“Aprendiendo a conducir” de Isabel Coixet  (fuera de concurso) (VOSE) 

“Asesinos inocentes” de Gonzalo Bendala 

“Cómo sobrevivir a una despedida” de Manuela Moreno 

“El país del miedo” de Francisco Espada 

“Hablar” de Joaquín Oristrell 

“La deuda” de Barney Elliott  (fuera de concurso) (VOSE) 

“Los exiliados románticos” de Jonás Trueba 

“Los héroes del mal” de Zoe Berriatua 

“Matar el tiempo”de Antonio Hernández  (VOSE)

"Requisitos para ser una persona normal” de Leticia Dolera 

“Sólo química”de Alfonso Albacete  (fuera de concurso)

“Sexo fácil, películas tristes” de Alejo Flah 

“Techo y comida” de Juan Miguel del Castillo 

“Tiempo sin aire” de Andrés Luque Pérez y Samuel Martín Mateo

Trailer del film "A cambio de nada"


lunes, 13 de abril de 2015

FESTIVAL DE CINE DE TRIBECA 2015 (Tribeca Film Festival 2015)

Tribeca, el festival cinematográfico más relevante de la ciudad de Nueva York, pone este martes sus entradas a la venta con un variado menú en el que se homenajeará a los Monty Python, se estrenarán en Estados Unidos los últimos filmes de Ken Loach y Claudia Llosa, y se podrá disfrutar de la revisión de 'Uno de los nuestros', de Martin Scorsese, en la ceremonia de clausura.

El famoso certamen creado por el actor Robert De Niro extenderá su alfombra roja del 15 al 26 de abril para reactivar la economía y el turismo del popular barrio de la Gran Manzana que le da nombre, y que quedó tristemente ensombrecido como consecuencia del atentado contra las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001. El propio De Niro formará parte de la programación de esta edición, al reunirse nuevamente con Martin Scorsese y Joe Pesci en la celebración del veinticinco aniversario de la citada "Uno de los nuestros", probablemente el último clásico del género negro. 

También se cumplen los cuarenta años de la cinta de los Monty Python 'Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y sus locos seguidores', que se incluirá en un ciclo retrospectivo del popular grupo británico y en el estreno de un documental sobre esta formación cómica, cuyos cinco miembros supervivientes acudirán a un evento especial en el Beacon Thetre el 24 de abril. 

En la presente edición, el ejército de fans de 'La guerra de las galaxias' luchará por asistir a la entrevista que el presentador televisivo Stephen Colbert realizará al cineasta George Lucas, mientras que otro gurú de la ciencia ficción, Christopher Nolan, responderá el día 20 a las preguntas de Bennet Miller.  

Entre los estrenos propiamente dichos, figuran 'The Adderall Diaries' con James Franco, 'Franny' con Richard Gerecon, 'Good Kill' con Ethan Hawke, 'Anesthesia' con Kristen Stewart y Glenn Close y 'Bleeding Heart' con Jessica Biel. La lista correspondiente a las películas "de autor" está integrada por los últimos trabajos de prestigiosos realizadores, como el británico Ken Loach, los italianos Hermanos Taviani y el turcoalemán Fatih Akin.

Fuera ya de competición, destaca la presencia latina de 'El cinco', del argentino Adrián Biniez, 'Aloft', de la peruana nominada al Oscar Claudia Llosa y 'Lucifer', coproducción mexicano belga.

Trailer del film "Good Kill"



sábado, 11 de abril de 2015

FELICES 140

En estos “Felices 140”, la realizadora y guionista Gracia Querejeta demuestra una vez más su condición de magnífica cineasta que moldea personajes y situaciones para componer una filmografía inteligente, reflexiva y entretenida. “Una estación de paso”, “El último viaje de Robert Rylands”, “Héctor”, “Siete mesas de billar francés”, “15 años y un día” y este último estreno componen una envidiable hoja de servicios que pone de manifiesto su indudable talento artístico. Con este título rodado en la isla de Tenerife da toda una lección tras la cámara y se permite el lujo de combinar con acierto y soltura la comedia, el drama y hasta el thriller (a pinceladas), de un modo lo suficientemente hábil como para no caer en tópicos habituales y fórmulas manidas. 
La cinta bien podría considerarse una obra de teatro filmada sobre un grupo de amigos, amantes y familiares en la que, posteriormente, se nos invite a replantearnos el significado de tales conceptos. Asimismo, encajaría en la idea de un tratado filosófico sobre la condición humana y su naturaleza animal de lobo para sí mismo. La calidad profesional de la hija del desaparecido productor vasco Elías Querejeta reside en su capacidad de combinar escenas cómicas y situaciones dramáticas con diálogos brillantes, alcanzando con ello un elevado nivel de entretenimiento. Su propuesta no es pedante, rebuscada ni elitista. Tampoco pretende darnos lecciones. Es simplemente buen cine rodado con inteligencia y creatividad. Un verdadero regalo dentro de una cartelera que normalmente se ahoga en la mediocridad. 
Presenta la historia de Elia, una veterinaria que, para celebrar su 40 aniversario, reúne en una espléndida casa rural de Tenerife a sus seres más queridos, al tiempo que aprovecha para confesarles una impactante noticia: ella es la única ganadora de los 140 millones de bote del Euromillón. A dicha circunstancia y en ese escenario se irán añadiendo los problemas personales de todos y cada uno de los invitados, generándose de inmediato un torbellino de emociones que desembocarán en un huracán de intereses, recelos y enfrentamientos de impredecible final. 
Junto al excelente guion, escrito conjuntamente con Antonio Mercero, la principal baza del film radica en un impecable reparto encabezado por la siempre sobresaliente Maribel Verdú, musa de la directora. Todos sus integrantes (muchos de ellos con premios Goya en sus vitrinas) realizan un trabajo digno de reconocimiento, aunque la mayor complejidad y sutileza de los personajes femeninos reportan un lucimiento superior a las actrices Marian Álvarez, Nora Navas y Paula Cancio. En cualquier caso, tanto Antonio de la Torre como Eduard Fernández, Ginés García-Millán y el joven Marcos Ruiz abordan con sus papeles una réplica muy elogiable, retratando un universo psicológico y sociológico que suscitará en el público un intenso debate al final de la proyección. 
La maravillosa isla de Tenerife, como un personaje más de la historia, cobra una protagonismo especial. En los títulos de crédito finales se homenajea a este excelente plató natural que, sin duda alguna, seguirá acogiendo en el futuro nuevas aventuras cinematográficas, gracias a las ventajas fiscales de las que goza el Archipiélago canario en este concreto sector del Séptimo Arte.

Trailer



Datos del film
Película: Felices 140.
Dirección: Gracia Querejeta. P
aís: España. Año: 2015. Duración: 98 min. Género: Drama.
Interpretación: Maribel Verdú (Elia), Antonio de la Torre (Juan), Eduard Fernández (Ramón), Nora Navas (Martina), Marian Álvarez (Cati), Alex O’Dogherty (Polo), Ginés García Millán (Mario), Paula Cancio (Claudia).
Guion: Gracia Querejeta y Antonio Mercero.
Producción: Gerardo Herrero.
Música: Federico Jusid.
Fotografía: Juan Carlos Gómez.


viernes, 10 de abril de 2015

MORTDECAI

Contrariamente a lo que pudiera pensarse, hacer reír es muy difícil, sobre todo si se aspira a lograrlo de un modo inteligente. Si, además, a dicha pretensión se añade la de rodar una cinta de acción ágil, la complejidad se multiplica. Por esa razón, son escasos los largometrajes que, aunando ambas características, resulten recomendables. Tampoco pueden faltar un guion mordaz y divertido, un cineasta brillante y unos actores dotados de gracia. Pues bien, nada de lo anterior existe en “Mortdecai”, presunta comedia que aspira a parecer trepidante y que se pierde por el camino, al no lograr ninguna de esas metas. Se limita a provocar muecas en vez de sonrisas y su idea de la intriga sucumbe ante una concatenación de tramas y escenas absurdas. 
Su director, David Koepp, saltó a la fama como notable guionista de “La muerte os sienta tan bien”, “Atrapado por su pasado”, “La habitación del pánico” y las primeras entregas de las sagas de “Misión imposible” y “Spiderman”. Sin embargo, en su labor detrás de las cámaras, ya con seis títulos a sus espaldas, nunca ha logrado destacar. En este terreno pierde la habilidad demostrada con la pluma y filma sin un estilo propio que avale su talento como realizador. De hecho, cuando ha apostado por el thriller (“El último escalón”, “La ventana secreta”, “Sin frenos”) no ha conseguido trascender a la mera corrección técnica y a la utilización de los tópicos de dicho género. 
Charles Mortdecai es un distinguido comerciante de arte, caracterizado por su bribonería y labia en el ámbito de las ventas. Con ese talento innato para embaucar a los demás, tratará de conseguir una obra muy deseada por mor de la leyenda que le acompaña: se rumorea que la pintura lleva inscrito un número secreto de acceso a una millonaria cuenta bancaria del ejército nazi. Pero hacerse con ella no le resultará a Mortdecai tan sencillo como pensaba, ya que antes habrá de enfrentarse a un grupo de rusos, a un terrorista internacional y al mismísimo MI5. 
La combinación entre humor y acción es torpe, hilvanada en una trama mal narrada y formada por una mezcolanza de clichés, trucos y sketches que conforman una mediocridad cada vez más habitual en la industria cinematográfica. La sensación que queda al abandonar la sala de proyección es la de que solamente han disfrutado con este trabajo el cineasta y sus intérpretes. Y hasta de eso hay dudas. 
Pese a los relevantes nombres que integran el reparto, ninguno realiza una interpretación aceptable, y no por demérito suyo sino por la ausencia total de contenido en sus papeles. Johnny Depp, otrora icono de un tipo de cine e, incluso, de una generación, se alza como protagonista absoluto del film. Comenzó su trayectoria artística enlazando proyectos interesantes con títulos míticos. “Platoon”, “Eduardo Manostijeras” o “Ed Wood” pertenecen a aquella época de esplendor. Posteriormente, ha obtenido sonoros triunfos en taquilla y ha firmado algún que otro trabajo digno de elogio, pero es evidente que su luz se apaga irremediablemente. Quien fuera referente de un cine fantástico, imaginativo, novedoso y emotivo se está convirtiendo en un caricatura de sí mismo y ya se le conoce más por sus aventuras sentimentales que por sus virtudes delante de la cámara. 
Le acompañan Gwyneth Paltrow (cuyos papeles relevantes se miden igualmente con cuentagotas), Paul Bettany y Ewan McGregor. Hasta la fecha, todos ellos habían demostrado sobradamente su valía pero, en esta ocasión, han errado con este proyecto tan fallido para la crítica como para el público y que en Estados Unidos ha recaudado tan sólo siete de los sesenta millones de dólares de su presupuesto.

Trailer en castellano



Trailer en versión original



Datos del film
Película: Mortdecai.
Dirección: David Koepp.
País: USA. Año: 2015. Género: Comedia negra.
Interpretación: Johnny Depp, Ewan McGregor, Gwyneth Paltrow, Olivia Munn, Paul Bettany, Jeff Goldblum, Oliver Platt, Aubrey Plaza.
Guion: Eric Aronson; basado en la novela de Kyril Bonfiglioli.
Producción: Christi Dembrowski, Johnny Depp y Andrew Lazar.


martes, 7 de abril de 2015

PATRICIA ARQUETTE

La actriz norteamericana Patricia Arquette nació en Chicago el 8 de abril de 1968. Reciente ganadora del Oscar a la mejor interpretación femenina en un papel de reparto, el Globo de Oro y el BAFTA por "Boyhood", pertenece a una nutrida saga de intérpretes. Es hija del actor Lewis Arquette y de la escritora Mardinignsshi Arquette, nieta del intérprete Cliff Arquette y hermana de Rosanna, David, Richmond y Alexis, que también se dedican a la escena.

Su carrera profesional, espoleada por su famosa hermana Rosanna, comenzó a mediados de los ochenta, cuando participó en "Pretty Smart" (1986) y en la tercera parte de "Pesadilla en Elm Street" (1987).“Extraño vínculo de sangre” (1991) de Sean Penn, "Amor a quemarropa" (1994) de Tony Scott, "Ed Wood" (1994) de Tim Burton o "Carretera perdida" (1997) de David Lynch fueron algunos de sus títulos más populares con los que alcanzó el estrellato. 

Superada la década de los noventa, se centró con éxito en la serie televisiva “Medium” y, aunque seguía interviniendo en proyectos para la gran pantalla, estos eran prescindibles y de escasa repercusión, hasta que llegó “Boyhood” (2014) de Richard Linklater, Drama rodado a lo largo de doce años -en 39 días de rodaje desde 2002 a 2013-, cuenta la vida de Mason (Ellar Coltrane) desde que es un niño de seis años hasta que llega a la juventud, etapas pobladas de  cambios, mudanzas, controversias, primeros amores, primeras desilusiones y, en general, todas las circunstancias que conforman una vida. Arquette ejerce de madre del protagonista. 


Escena de "Boyhood"




Entrega del Oscar de Hollywood




jueves, 2 de abril de 2015

INSURGENTE (Insurgent)

En la divertida comedia “Atrapado en el tiempo”, un insensible e histriónico Bill Murray se desquiciaba al revivir constantemente la misma jornada del calendario. Siempre se despertaba el dos de febrero, denominado en los Estados Unidos “Día de la Marmota”, lo que le condenaba a repetir situaciones idénticas una y otra vez. Algo similar nos ocurre a los amantes del cine al acercarnos semana tras semana a comprobar las novedades de la cartelera. La baja creatividad de los estudios, unida a la falta de valentía de los distribuidores y exhibidores, supone que, en demasiadas ocasiones, se limiten a repetir los éxitos del pasado en forma de segundas, terceras e infinitas partes, secuelas, precuelas y sagas que no acaban jamás. Pero ya es el colmo cuando unas supuestas nuevas películas no son más que evidentes intentos de “pseudo-plagio” de otras a base de reiterar situaciones, tramas, conflictos, personajes y narraciones. Puede que hayan cambiado de título y de reparto, pero el ansia innegable de reproducir el trabajo ajeno permanece. 
Por lo tanto, los estrenos que acaparan las salas de proyección en pleno comienzo de la Semana Santa son la séptima entrega de “Fast and Furious” y la segunda de “Divergente” que, a su vez, es una semi-imitación de “Los juegos del hambre”. No obstante, el hecho de que esa evidente falta de originalidad provenga de los libros en que se basan, no impide llegar a la conclusión de que productoras y distribuidoras están obligando a los espectadores a ver siempre el mismo producto, puesto que copan con sus títulos todos los cines del país. 
Ahora se estrena “Insurgente”, continuación de “Divergente” y cuya tercera parte, como viene siendo habitual en los últimos tiempos, ya está en marcha y convenientemente troceada en dos, como ya ocurriera con “Crepúsculo”, “Harry Potter” o la propia “Los juegos del hambre”. Esta práctica no pasaría de ser anecdótica si no fuera porque está monopolizando el mercado cinematográfico y privando al público de la imprescindible variedad de propuestas, relegando un considerable número de obras al olvido en un almacén. Es su eterno y decepcionante “Día de la Marmota”. 
Paradójicamente, se supone que la moraleja que se encierra en “Divergente” es una llamada de atención frente a la tentación de evitar la diversidad. De hecho, la heroína de la historia, Tris, y su compañero, Cuatro, se convierten en fugitivos al no aceptar las reglas de una sociedad que divide a las personas en categorías y que persigue a quienes no se someten a dicho encasillamiento. Con cierto trasfondo de crítica política, nos coloca ante un relato y unos personajes planos, envueltos en un escenario futurista y apocalíptico, y trata sin éxito de cubrir sus notables lagunas narrativas y artísticas con efectos especiales. Desgraciadamente, no desarrolla correctamente el escaso potencial heredado de su antecesora, limitándose a ofrecer una espiral de secuencias ágiles que entretienen a ratos pero que no bastan para mantener el interés durante las dos horas de metraje. 
Shailene Woodley, que cuajó una interesante aparición en “Los descendientes” y logró una repercusión notable con “Bajo la misma estrella”, es la actriz protagonista. Suena como intérprete de la próxima cinta que está rodando el cineasta Oliver Stone sobre el célebre espía norteamericano Edward Snowden amén de, por supuesto, el resto de largometrajes de esta trilogía que se alargará hasta la tetralogía. Sorprende negativamente la presencia de dos pesos pesados de la interpretación como Kate Winslet y Naomi Watts, a cargo de unos papeles que les impiden demostrar su verdadera capacidad y su incuestionable talento.

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Datos del films
Película: La serie Divergente: Insurgente.
Título original: The Divergent series: Insurgent.
Dirección: Robert Schwentke.
País: USA. Año: 2015. Duración: 119 min. Género: Ciencia-ficción.
Interpretación: Shailene Woodley (Beatrice ‘Tris’ Prior), Theo James (Cuatro), Ansel Elgort (Caleb), Kate Winslet (Jeanine), Jai Courtney (Eric), Milles Teller (Peter), Naomi Watts (Evelyn), Maggie Q (Tori), Octavia Spencer (Johanna), Zoë Kravitz (Christina), Ray Stevenson (Marcus), Mekhi Phifer (Max), Ben Lamb (Edward), Keiynan Lonsdale (Uriah), Jonny Weston (Edgar), Daniel Dae Kim (Jack Kang), Emjay Anthony (Hector), Ashley Judd (Natalie), Suki Waterhouse (Marlene).
Guion: Brian Duffield y Akiva Goldsman; basado en la novela homónima de Veronica Roth.
Producción: Lucy Fisher, Pouya Shahbazian y Douglas Wick