LA PELÍCULA DE LA SEMANA

Loading...

martes, 29 de octubre de 2013

CEREMONIA DE ENTREGA DE LOS “HOLLYWOOD FILM AWARDS"



La semana pasada se dieron a conocer los premios correspondientes a la decimoséptima edición de los “Hollywood Film Awards” celebrada en el hotel Beverly Hilton. La película triunfadora de la noche fue ‘Dallas Buyers Club’, así como sus actores Matthew McConaughey y Jared Leto. Se asistió igualmente a un nuevo éxito de la actriz Sandra Bullock por su gran trabajo en la cinta ‘Gravity’, dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón.
El momento más emotivo de la velada lo protagonizó el veterano Harrison Ford al recoger un galardón en reconocimiento de toda su carrera cinematográfica.




La lista de galardonados es la siguiente: 

Actor del año:  Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club
Actriz del año:  Sandra Bullock por Gravity 
Actor secundario del año: Jake Gyllenhaal por Prisioneros 
Actriz secundaria del año: Julia Roberts por Agosto 
Director del año: Lee Daniels por El mayordomo 
Película del año: Star Trek: Into Darkness
Efectos especiales del año: John Knoll por Pacific Rim
Productor del año: Michael De Luca por Capitan Phillips 
Guionista del año: Julie Delpy, Ethan Hawke, Richard Linklater por Antes del anochecer 
Reparto del año: Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Chris Cooper,Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Julianne Nicholson, Sam Shepard y Misty Upham por Agosto 
Película de animación del año: Dan Scanlon y  Kori Rae por Monstruos University 
Premio especial: Harrison Ford


viernes, 25 de octubre de 2013

INSIDIOUS 2


Reconozco que es muy complicado ser original dentro del género de terror. Y no me estoy refiriendo al “Thriller”, un tipo de cine específico y diferenciado, sino al que los anglosajones denominan “Horror”. Dentro de esta variante, la cinta más original, interesante y lograda de las últimas décadas es, en mi opinión, la brillante “Tesis” del director español Alejando Amenábar, una “opera prima” que se alzó como la auténtica sorpresa de aquella edición de los Premios Goya en la que obtuvo, entre otros, el de mejor película y que revitalizó un género bastante desacreditado, si bien puede considerarse la excepción que confirma la regla. Y digo esto porque el rumbo posterior ha seguido la senda de la reiteración de tópicos y de fórmulas manidas y, en buena medida, agotadas. Ocurre una circunstancia muy similar con el porno, donde el sustento del guion es tan limitado que sus autores optan por limitarse a reincidir en dar al público lo que el público demanda. Se trata de un círculo vicioso del que es muy difícil salir. Por mucho que les pese a los organizadores del Festival de Cine de Terror de Sitges (y eso que últimamente han ampliado la variedad de los largometrajes a concurso), los títulos que llegan a las salas de proyección españolas suelen ser más de lo mismo, mientras que pequeñas joyas que se exhiben en certámenes especializados y de menor difusión suelen carecer de distribuidora para los mercados nacional e internacional. 
Es verdad que de un tiempo a esta parte se ha producido un desembarco de cineastas asiáticos dispuestos a renovar el género. Así ocurre con Hideo Nakata y su versión nipona de “The Ring”, director también de la segunda parte de la versión norteamericana -“The Ring 2”, protagonizada por la actriz australiana Naomi Watts- o con James Wan, realizador nacido en Malasia en cuya filmografía figuran la primera entrega de la saga “Saw”, “Insidious” e “Insidious 2” y “Expediente Warren” (según el peculiar Quentin Tarantino, una de las diez mejores películas del año). No cabe duda de que son profesionales que han logrado atraer al público a la pantalla grande, que han conectado con esos espectadores y que, además, han obtenido un incuestionable rendimiento a su trabajo. Sin ir más lejos, esta segunda parte de “Insidious” ha costado apenas cinco millones de dólares (cuantía insignificante para la gran industria norteamericana) y ya lleva recaudados más de ciento quince en todo el mundo. 
Sin embargo, tales éxitos no pueden esconder la cruda realidad: lo que ofrecen es lo mismo de siempre y esa pretendida renovación no existe. Los cien minutos de duración se centran machaconamente en jugar con el espectador sobre la base de una historia de tonos oscuros y en abusar de las presencias espirituales del más allá y del miedo a la muerte, todo ello a través de una concatenación de escenas y personajes similares (cuando no calcados) a los de cientos de films vistos con anterioridad. Aun así, es una fórmula que, si bien manida y desgastada, funciona para mucha gente y los resultados la avalan. 
La pareja protagonista repite. Patrick Wilson ha colaborado con Wan en la citada “Expediente Warren” y también figura en los repartos de “Watchmen” y “Prometheus”. En cuanto a Rose Byrne, compagina comedias disparatadas como “La boda de mi mejor amiga” o “Todo sobre mi desmadre” con propuestas más terroríficas, como “28 semanas después” o “Señales del futuro”. La actriz Barbara Hershey, nominada al Oscar por “Retrato de una dama” y recordada por sus personajes de “Cisne negro” o “Hannah y sus hermanas”, interpreta un papel secundario.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film

Película: Insidious: Capítulo 2.
Título original: Insidious: Chapter 2.
Dirección: James Wan.
País: USA. Año: 2013. Duración: 106 min. Género: Terror.
Interpretación: Patrick Wilson (Josh Lambert), Rose Byrne (Renai Lambert), Barbara Hershey (Lorraine), Lin Shaye (Elise), Ty Simpkins (Dalton).
Guion: Leigh Whannell; basado en un argumento de James Wan y Leigh Whannell.
Producción: Jason Blum y Oren Peli.
Música: Joseph Bishara.
Fotografía: John R. Leonetti.
Montaje: Kirk M. Morri.
Diseño de producción: Jennifer Spence.
Vestuario: Kristin M. Burke.

martes, 22 de octubre de 2013

PELÍCULAS PRESELECCIONADAS PARA OPTAR AL OSCAR AL MEJOR FILM DE HABLA NO INGLESA 2014 (Selected films to qualify for the Academy Award for Best Foreign Language Film 2014)


La "Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS)" ha invitado un año más -lo lleva haciendo desde 1956- a las diferentes Academias de Cine del mundo a enviar las cintas que optarán a la nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Para poder ser seleccionadas, éstas deberán haber sido estrenadas y exhibidas en sus respectivos países de origen durante siete días consecutivos entre el 1 de octubre de 2012 y el 30 de septiembre de 2013. La fecha límite para acceder a la selección finalizó el primer día del mes en curso. España estará representada por el largomentraje “15 años y un día”, dirigido por Gracia Querejeta.

El resto de títulos es el siguiente:

Alemania: Two Lives (Georg Maas)
Australia: The Rocket (Kim Mordaunt)
Austria: The Wall (Julian Pölsler)
Bulgaria: The Colour of the Chamaleon (Emil Hristov)
Chile: Gloria (Sebastián Lelio)
Finlandia: Disciple (Ulrika Bengts)
Georgia: In Bloom (Nana Ekvtimishvili y Simon Groß)
Grecia: Boy Eating the Bird’s Food (Ektoras Lygizos)
Hungría: The Notebook (János Szász)
Japón: The Great Passage (Yuya Ishii)
Latvia: Mother I Love You (Janis Nords)
Luxemburgo: Blind Spot (Cristophe Wagner)
Montenegro: Bad Destiny (Draško Đurović)
Nepal: Soongava: Dance of the Orchids (Subarna Thapa)
Nueva Zelanda: White Lies (Dana Rotberg)
República Dominicana: ¿Quién manda? (Ronni Castillo)
Rumanía: Child’s Pose (Călin Peter Netzer)
Serbia: Circles (Srdan Golubovic)
Singapur: Llo llo (Anthony Chen)
Corea del Sur: Juvenile Offender (Kang Yi-kwan)
Suecia: Eat Sleep Die (Gabriela Pichler)
Turquía: The Butterfly’s Dream (Yılmaz Erdoğan)
Venezuela: Breach in the Silence (Luís Rodríguez y Andrés Rodríguez)

Trailer del film que compite por Alemania

viernes, 18 de octubre de 2013

CAPITAN PHILLIPS (Captain Phillips)


Paul Greengrass es, sin ningún género de duda, el mejor realizador de cine de acción de la actualidad. Su habilidad narrativa, junto a la capacidad de plasmar la intensidad con una aureola de verosimilitud y rigor, no tiene rival. Ha demostrado sobradamente que domina las claves del drama con una gran solvencia. Dio el salto a la fama con la película “Domingo sangriento”, donde se recreaban los hechos acaecidos en Irlanda del Norte el día 30 de enero de 1972, cuando una manifestación popular terminó en un baño de sangre a consecuencia de una represión desproporcionada. La técnica del rodaje, cercana al documental, le hizo merecedora de dos premios en el Festival de Berlín, un BAFTA británico y otros reconocimientos en certámenes internacionales. En 2006 volvió de nuevo a sobrecoger, emocionar e impactar con la cinta “United 93”, reflejando en esta ocasión las vicisitudes vividas en uno de los vuelos afectados por los ataques terroristas del trágico 11 de septiembre de 2001. Este trabajo le reportó una nominación al Oscar al mejor director y varios galardones de buena parte de las Asociaciones de Críticos norteamericanos. Para entonces, su estilo preciso y contundente ya se había hecho un hueco en el mercado estadounidense.

Posteriormente, el cineasta británico recogió el testigo de una labor ya iniciada en el excelente film de acción “El caso Bourne” y logró lo que parecía imposible: mejorar la saga rodando otras dos secuelas que situaban al agente secreto en la cima de un género cinematográfico que suele ser bastante denostado por la crítica, como si se tratara de un mero subgénero para adolescentes de hormonas alteradas. Greengrass consiguió que “El ultimátum de Bourne” fuese nominada como mejor película británica de 2007 y que recogiese gracias a sus méritos técnicos tres estatuillas de Hollywood. Tales antecedentes le convierten indiscutiblemente en uno de los directores más sobresalientes de la última década y resulta obligatorio no perder de vista sus futuros proyectos profesionales. 
Ahora vuelve a mostrar sus preferencias por las historias verídicas con “Capitán Phillips”, donde relata unos hechos ocurridos en 2009 en aguas internacionales cercanas a Somalia. Allí, un buque carguero a cuyo mando estaba el capitán al que hace referencia el título, fue abordado por piratas somalíes, pasando a ser el primer barco norteamericano secuestrado en doscientos años. Los principales objetivos del largometraje se alcanzan con sobrada holgura, puesto que entretiene, ofrece altos niveles de tensión e intriga, es riguroso y verosímil, está bien interpretado y sus aspectos técnicos son destacados. El realizador reivindica una vez más el cine de acción y solicita su hueco entre los grandes géneros del Séptimo Arte. Pone de manifiesto las enormes posibilidades de este tipo de películas y lo hace, además, con un presupuesto muy inferior a la gran mayoría de superproducciones que acaparan las salas de cine, sobre todo en la época veraniega. 
El magnífico actor Tom Hanks encabeza un reparto plagado de intérpretes desconocidos. Nuevamente exhibe su gran calidad profesional, una circunstancia que empezaba a ser olvidada ya que, salvo por su papel en “La guerra de Charlie Wilson”, era necesario remontarse más de una década para encontrar otro trabajo cuyo nivel se aproximara mínimamente al que alcanzó en los años noventa.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film
Película: Capitán Phillips.
Título original: Captain Phillips.
Dirección: Paul Greengrass. 
País: USA. Año: 2013. Duración: 134 min. Género: Acción, thriller.
Interpretación: Tom Hanks (Capitán Richard Phillips), Barkhard Abdi (Muse), Catherine Keener (Andrea Phillips), Max Martini (comandante SEAL), Chris Mulkey (John Cronan), Yul Vazquez (capitán Frank Castellano), David Warshofsky (Mike Perry), Corey Johnson (Ken Quinn).
Guion: Bill Ray; basado en el libro “El deber de un capitán: piratas somalíes, SEALS de la marina y días peligrosos en el mar”, de Richard Phillips y Stephan Talty.
Producción: Scott Rudin, Dana Brunetti y Michael De Luca.
Música: Henry Jackman.
Fotografía: Barry Ackroyd.
Montaje: Christopher Rouse.
Vestuario: Mark Bridges.
Diseño de producción: Paul Kirby.
Vestuario: Mark Bridged.

martes, 15 de octubre de 2013

HOMENAJE A LA PELÍCULA "LA FUERZA DEL CARIÑO" EN EL 30 ANIVERSARIO DE SU ESTRENO (Tribute to the movie "Terms of Endearment" on the 30th anniversary of it´s release)


Dentro de pocas semanas se cumplirán treinta años del estreno en Estados Unidos de “La fuerza del cariño” (“Terms of Endearment”). Se trata de una cinta dramática basada en la novela homónima de Larry McMurtry. Ganó cinco Oscars -mejor película, mejor director (James L. Brooks), mejor actor de reparto (Jack Nicholson), mejor actriz principal (Shirley MacLaine) y mejor guion adaptado (también para James L. Brooks). Obtuvo otras seis nominaciones -mejor actor de reparto (John Lithgow), mejor actriz principal (Debra Winger), mejor dirección artística, mejor música, mejor montaje y mejor sonido. 

El personaje del astronauta Garrett Breedlove, interpretado por Jack Nicholson, no aparecía en el libro original. En principio, fue creado para Burt Reynolds, quien no pudo interpretarlo por coincidirle con otro rodaje. El papel le fue ofrecido entonces a James Garner pero, tras ciertas discrepancias entre éste y el realizador, fue adjudicado finalmente a Nicholson. 
La historia gravita en torno a la relación entre una madre, Aurora, interpretada por Shirley MacLaine, y su hija Emma, a quien da vida magistralmente Debra Winger. Ambas están muy unidas, aunque poseen puntos de vista muy distintos sobre la vida. La viuda Aurora es una mujer temperamental pero de buen corazón, mientras que la joven y rebelde Emma está deseando salir de casa e independizarse. Lo malo es que para conseguirlo opta por el camino más convencional: casarse. Por su parte, su progenitora mantiene un romance otoñal con un vecino ex-astronauta. A través de los años, madre e hija siempre tratarán de hallar la manera de soportarse y alcanzar la felicidad.

Además de las citadas estatuillas de Hollywood, el largometraje recibió cuatro Globos de Oro, incluido el de mejor película, el National Board of Review a la mejor película (ex-aequo) y tres premios del Círculo de Críticos de Nueva York (mejor película, mejor actriz y mejor actor secundario), entre otros muchos galardones.


Escena de la película




Música de Michael Gore para el film




 Entrega del Oscar a la mejor actriz a Shirley MacLaine

viernes, 11 de octubre de 2013

PRISIONEROS (Prisoners)

La historia que cuenta “Prisioneros” es la de la peor pesadilla para unos padres. Su hija pequeña ha desaparecido junto a una amiga y, con el paso del tiempo, su desesperación crece al mismo ritmo que disminuyen las posibilidades de encontrarlas con vida. Semejante situación centra el hilo argumental de una cinta que se desarrolla entre los límites que el progenitor está dispuesto a rebasar con tal de recuperar a la niña y la labor del policía encargado de la investigación, que termina por obsesionarse con el caso. Esta trama, bastante habitual tanto en telefilmes como en largometrajes para la pantalla grande, suele traducirse en una reiteración de tópicos, una espiral de persecuciones sin excesivo rigor o una sucesión de escenas lacrimógenas destinadas a conmover a unos espectadores deseosos, por otra parte, de ser conmovidos. Sin embargo, en determinadas ocasiones el planteamiento del director transforma un relato manido en una narración sólida y original, revestida de un buen guión y apoyada en unas dignas interpretaciones. Así ocurrió en el debut del actor Ben Affleck detrás de las cámaras con “Adiós, pequeña, adiós”, donde, pese a contar prácticamente lo mismo, se alejaba de la sordidez típica de estas producciones. 
Algo semejante sucede en “Prisioneros”. Sin llegar a la brillantez de la opera prima de Affleck, el realizador canadiense Denis Villeneuve logra combinar de forma casi perfecta los géneros del drama y del thriller intenso, si bien le da prioridad al primero, dotando así de mayor verosimilitud a su trabajo y firmando una película notable. Villeneuve ya destacó en otros títulos rodados en su país, como “Incendies” (nominado al Oscar y al BAFTA al mejor film de habla no inglesa), demostrando su habilidad en el terreno del sufrimiento. De hecho, sigue manteniéndose fiel a su línea y tiene pendiente de estreno en España la bastante parecida “Enemy”. 
El principal problema de “Prisioneros”, junto al de su elevado metraje (casi dos horas y media muy susceptibles de ser recortadas), es el elevado listón de las grandes muestras del género cinematográfico a las que se enfrenta. Tomando como referencias “El silencio de los corderos” de Jonathan Demme o “Seven” y “Zodiac” de David Fincher, el lugar que debe ocupar el título que nos ocupa es necesariamente inferior, aunque sí superior a la media de otros estrenos similares que llegan a nuestras salas de proyección. Cabe destacar que en ningún momento la acción relega a los personajes a un segundo plano y que estos asumen el protagonismo en todo momento, dando lugar a un resultado final creíble y correcto. 
En este sentido, el equipo artístico desempeña una buena labor, desde los actores más principales, Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal (verdaderos protagonistas, dando vida al padre de la menor y al policía encargado de su localización), hasta los más secundarios, también de un gran nivel interpretativo, como Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo o Paul Dano. Juntos acumulan diecinueve candidaturas entre Oscar, BAFTA y Globos de Oro. No obstante, voy a centrarme en Paul Dano, probablemente el más desconocido pero, al mismo tiempo, el de mayor potencial de cara al futuro. Su capacidad para abordar personajes desequilibrados es comparable a la que en su día manifestara Anthony Perkins, marcado de por vida por su Norman Bates de “Psicosis”. Conviene recordar que en “Pozos de ambición”, Dano estuvo a la altura de su genial compañero de reparto, el multioscarizado Daniel Day Lewis. Estoy convencido de que nos ofrecerá magníficas e inquietantes interpretaciones en sus próximos proyectos.

Trailer en castellano



Trailer en versión original

Datos del film
Película: Prisioneros.
Título original: Prisoners.
Dirección: Denis Villeneuve.
País: USA. Año: 2013. Género: Drama, thriller.
Interpretación: Jake Gyllenhaal, Hugh Jackman, Paul Dano, Melissa Leo, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard.
Guion: Aaron Guzikowski.
Producción: Kira Davis, Broderick Johnson, Adam Kolbrenner, Andrew A. Kosove y Robyn Meisinger.
Fotografía: Roger Deakins.
Diseño de producción: Patrice Vermette   

lunes, 7 de octubre de 2013

GRAVITY

Uno de los personajes del largometraje “El club de la lucha”, con problemas para conciliar el sueño, pronunciaba la siguiente frase: "Cuando se padece de insomnio, nada parece real. Las cosas se distancian. Todo parece la copia de una copia de otra copia". Pues bien, a mí me invade una sensación muy parecida a medida que veo las películas que llegan a nuestras pantallas. Todas terminan por parecerse entre sí, como si fueran copias de otras copias. Así, los géneros de acción y de terror tienden a seguir unas fórmulas prefijadas, a utilizar unas técnicas comunes, a contar la misma historia con idéntico resultado. Pero ante una tesitura tan desoladora aparece de pronto un realizador mejicano dispuesto a revitalizar dichos géneros, además del de ciencia ficción, a base de brillantez y de originalidad, dando una necesaria vuelta de tuerca al séptimo arte y demostrando que existen otros caminos y, además, mejores. 
La filmografía de Alfonso Cuarón es singular e interesante. Responsable de la cinta familiar “La princesita”, del drama romántico “Grandes esperanzas”, de la más compleja de encasillar “Y tu mamá también” (por la que recibió una nominación al Oscar como guionista), de la entrega de Harry Potter “El prisionero de Azkaban” y de la apocalíptica “Hijos de los hombres”, es un cineasta que no se encasilla y que posee recursos de sobra para enfrentarse a estilos y a temáticas bien diversos. En otras palabras, que no cuenta siempre la misma historia. Ahora, siete años después de su último trabajo detrás la cámara, presenta “Gravity”, en mi opinión su mejor obra. 
Partiendo de la más absoluta sencillez (dos únicos personajes en el espacio infinito) es capaz de plasmar la soledad, el miedo, la superación, el afán de supervivencia, la pequeñez y la inmensidad. Se trata de una misión espacial en la que, durante una reparación fuera de la nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son una doctora en su primera misión y un veterano profesional a punto de retirarse. Completamente solos, intentarán retornar al planeta Tierra. Gracias a una magnífica fotografía, “Gravity” alcanza momentos de gran intensidad. Ignoro si las heroicidades traducidas a imágenes reflejan errores científicos que ponen el guión en entredicho. Tal vez sí, pero para quienes carecemos de conocimientos profundos sobre los viajes espaciales, esos supuestos fallos nos pasan inadvertidos y nos limitamos a disfrutar de un gran relato, novedoso y pleno de contenido. 
El film se ha aupado al número uno de la taquilla norteamericana desde el mismo fin de semana de su estreno y lo lógico es que, transcurridos algunos meses, acapare las listas de nominados a los diferentes certámenes cinematográficos en varias de sus categorías más relevantes. Los dos protagonistas exclusivos son George Clooney y Sandra Bullock, aunque en los títulos de crédito figura asimismo el excelente actor Ed Harris, encargado de dar voz a otro personaje que no aparece en pantalla y que, obviamente, solo se puede apreciar en la versión original. Tanto uno como otra desempeñan su trabajo con corrección. Ella incluso logra una interpretación más completa y de mayor complejidad que la de “The Blind Side”, titulada aquí “Un sueño posible” y por la que obtuvo en 2010 la estatuilla de Hollywood a la mejor actriz principal.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film
Película: Gravity.
Dirección: Alfonso Cuarón.
País: USA. Año: 2013. Duración: 90 min. Género: Ciencia-ficción.
Interpretación: Sandra Bullock (Dra. Ryan Stone), George Clooney (Matt Kowalsky).
Guion: Alfonso Cuarón y Jonás Cuarón.
Producción: Alfonso Cuarón y David Heyman.
Música: Steven Price.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Mark Sanger y Alfonso Cuarón.
Diseño de producción: Andy Nicholson.
Vestuario: Jany Temime.

viernes, 4 de octubre de 2013

EL MAYORDOMO (Lee Daniels' The Butler)

La discriminación racial en Estados Unidos es una de esas heridas que, en mi opinión, no han terminado de cicatrizar, pese a que el paso del tiempo parezca indicar lo contrario. Ya decía Albert Einstein que "es más fácil desintegrar un átomo que un prejuicio", por lo que esos fantasmas del pasado, en parte, del presente y, seguramente y por desgracia, del futuro (similares a los que imaginó Charles Dickens hace más de ciento cincuenta años) se presentan con cierta frecuencia en la cultura norteamericana en general y en su cine en particular. Mientras veía determinadas escenas de “El mayordomo”, no podía evitar que pasaran por mi mente otras de “Arde Mississippi” o de la más reciente “Criadas y señoras”, dos modelos muy diferentes de abordar esta sensible y peliaguda cuestión. En este caso, el prisma utilizado también difiere. Si la primera cinta era un thriller policiaco y la segunda una comedia melodramática, en “El mayordomo” predomina el drama biográfico. 
Traslada a la pantalla la historia real de Cecil Gaines, un hombre de color que sirvió como mayordomo jefe de la Casa Blanca a ocho Presidentes de los Estados Unidos, desde 1952 a 1986, por lo que pudo apreciar la evolución social, política y racial norteamericana tanto desde la residencia presidencial como desde los barrios más modestos que frecuentaba como ciudadano. Se trata, por tanto, de un interesante largometraje, tanto por lo que cuenta como por cómo lo cuenta y, sobre todo, por el magnífico ejercicio interpretativo de su extenso elenco de actores. Los grandes aficionados al Séptimo Arte disfrutarán de un casting de lujo integrado por caras conocidas, en su mayor parte a cargo de pequeños papeles, pero logrando en conjunto un resultado brillante. 
En el apartado masculino, tanto Forest Whitaker como Terrence Howard y Cuba Gooding Jr. poseen estatuillas o nominaciones y demuestran una habilidad frente a la cámara digna de mención. A ellos se unen otros muchos, formando una mezcla de lo más singular, desde el músico Lenny Kravitz a actores más asociados al género de comedia, como Robin Williams o John Cusack. 
En el femenino, la estrella televisiva Oprah Winfrey, hasta la fecha sin apenas intervenciones en la pantalla grande, da vida a su personaje de forma memorable, al frente de otro ramillete de figuras destacadas como Vanessa Redgrave, Jane Fonda o la cantante Mariah Carey. No es aventurado afirmar que varios de ellos figurarán en las listas de nominados a los próximos Oscars y Globos de Oro. 
No obstante, cabe señalar que el ritmo del film languidece a ratos y que el intento de que cada personaje disfrute de su particular momento de lucimiento provoca que la narración no siempre resulte coherente y se enrede en un estilo dramático que, en ocasiones, le impide brillar como debiera. Por lo que respecta a su realizador, Lee Daniels, se dio a conocer con “Precious”, otra tragedia centrada en la marginalidad. En ella trasladaba una visión de las miserias humanas por medio de la recreación de un universo angustioso y opresor que llegaba a contagiar al espectador, de tal manera que, aun reconociendo sus méritos, era imposible abandonar la sala de proyección con un buen sabor de boca, tan llena como estaba de la amargura transmitida por Daniels. Ahora, el público tendrá más opciones de disfrutar con este visionado pero será igualmente inevitable que perciba parte de ese denso universo de pesadumbre en el que se mueve su director. En cualquier caso, tras varias semanas viendo malas películas, por fin he contemplado cine de calidad. Y lo echaba de menos.

Trailer en castellano:

Trailer en versión original:

Datos del film:

Película: El mayordomo.
Título original: The butler.
Dirección: Lee Daniels.
País: USA. Año: 2013. Género: Drama.
Interpretación: Forest Whitaker (Cecil Gaines), Oprah Winfrey, David Oyelowo, Alex Pettyfer, Alan Rickman, Jane Fonda, John Cusack, Oprah Winfrey, Cuba Gooding Jr., Terrence Howard, Lenny Kravitz, Robin Williams (presidente Dwight D. Eisenhower), Liev Schreiber (Lyndon B. Johnson).
Guion: Lee Daniels y Danny Strong; basado en un artículo de Wil Haygood.
Producción: Ed Cathell III y Pam Williams.

martes, 1 de octubre de 2013

HOMENAJE A LA PELÍCULA "EL PIANO" EN EL VIGÉSIMO ANIVERSARIO DE SU ESTRENO (Tribute to the movie "The Piano" on the 20th anniversary of its release)


Este mes de octubre se conmemora el 20º aniversario del estreno en Norteamérica de la película “El Piano” (The Piano), escrita y dirigida por Jane Campion y protagonizada por Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y Anna Paquin. La banda sonora de Michael Nyman se convirtió en un éxito de ventas y Hunter, además de tocar las piezas de sus escenas, también dio clases del instrumento a Paquin, su hija en la ficción. 

"El Piano" cuenta la historia de Ada McGrath (Holly Hunter), cuyo padre la vende en matrimonio a Alistair Stewart (Sam Neill) y la envía junto con su pequeña hija Flora (Anna Paquin) y su piano a vivir con él a Nueva Zelanda. Ada no ha dicho una palabra desde hace años, sustituyendo su voz por la música del piano, mientras que la niña le sirve de traductora en su comunicación a través del lenguaje de signos. Cuando ambas llegan a su nuevo destino, son abandonadas junto con sus pertenencias por la tripulación del barco en el que han llegado desde Escocia. Su recién estrenado marido obliga a Ada a abandonar el instrumento en la playa, siendo posteriormente adquirido por George Baines (Harvey Keitel), vecino de Stewart y entusiasta de la música del teclado. Al principio le pide a la mujer que le dé clases para, seguidamente, sellar un trato por el que ella podrá tocar el piano siempre y cuando él pueda tocarla a ella. A partir de aquí, comienza una relación entre los dos que marcará el devenir de la historia. 
El largometraje es una coproducción entre Nueva Zelanda, Australia y Francia. Holly Hunter recibió el premio a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes, mientras que la película obtuvo la Palma de Oro, ex-aequo con "Adiós a mi concubina" de Chen Kaige. En la 66ª entrega de los Premios Oscar se alzó con ocho candidaturas que se tradujeron en tres estatuillas: mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guion original.

El film es una joya que merece ser vista en repetidas ocasiones y que le hace acreedor de este homenaje en el vigésimo aniversario de su estreno.


Algunas de las escenas de la película