LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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viernes, 30 de diciembre de 2011

EL TOPO (Tinker Tailor Soldier Spy)



El escritor inglés John Le Carré ha logrado una gran repercusión con las adaptaciones cinematográficas de sus novelas de intriga y espionaje, pese a no haber obtenido con ellas tanto éxito de recaudación como sus colegas Tom Clancy –gracias a su protagonista Jack Ryan en La caza del Octubre Rojo o Juego de patriotas- o John Grisham -con La tapadera o El informe Pelícano-. No obstante, lo cierto es que posee una habilidad especial para dibujar personajes de interés e imaginar situaciones que, además del entretenimiento exigible al género, trasciende a la mera narrativa de espionaje y le consagra como uno de los autores más afamados y respetados del universo literario. Esa mayor trascendencia también se refleja en la transición de sus novelas a la gran pantalla, convertidas por lo general en excelentes producciones. Incluso las que en su día fueron calificadas negativamente por la crítica escondían razones más que suficientes para adquirir una entrada. Buen ejemplo es La casa Rusia, un film que no gustó demasiado pero que se justificaba plenamente tanto por la excelente interpretación de Michelle Pfeiffer -nominada al Globo de Oro por dicho papel- como por la maravillosa banda sonora del ya fallecido Jerry Goldsmith. Han sido otros títulos como El jardinero fiel los que le han elevado a la categoría de gran creador de historias.
Ahora, el cineasta sueco Tomas Alfredson, que encandiló a numerosos críticos profesionales con su versión europea de Déjame entrar, aborda una nueva adaptación de Le Carré en la que una vez más se acentúa el realismo, alejándose del arquetipo tradicional del cine de espías. No existen escenas de acción, ni jóvenes y atractivos agentes con smoking pidiendo Martinis en compañía de mujeres espectaculares. Es, por así decirlo, la antítesis del patrón de los servicios secretos y los complots internacionales, de modo que se gana en dramatismo y los actores pueden llevar a cabo actuaciones sobrias y verosímiles. Sin embargo, el estilo de filmación de El topo resulta excesivamente lento y pausado y supone que la proyección, aunque nunca traspase la peligrosa frontera del tedio, en ocasiones se acerque peligrosamente a él y se eche de menos un mayor nivel de intensidad y una dosis de emoción superior. En cualquier caso, es un largometraje bien ambientado y magníficamente interpretado, por lo que probablemente será del agrado de los amantes del drama político.
Su excepcional reparto está encabezado por Gary Oldman, cuyo trabajo en esta película ha sido premiado por el Círculo de Críticos Cinematográficos de San Francisco. Junto a él se encuentran Colin Firth, último ganador del Oscar al mejor actor por su papel en El discurso del rey, John Hurt, doblemente nominado a la estatuilla de Hollywood por El expreso de medianoche y El hombre elefante y Toby Jones, a quien veremos en breve en la muy interesante My Week with Marilyn. En definitiva, un casting de lujo.

jueves, 22 de diciembre de 2011

THE ARTIST



Si en 2009 alguien hubiese aventurado que, apenas dos años después, la considerada como mejor película por el Círculo de Críticos de Nueva York, la más nominada para los Globos de Oro y una de las máximas favoritas para los Oscar era una producción rodada en blanco y negro, muda y realizada a imagen y semejanza de los clásicos pre sonoros de los años veinte, habría sido tildado de loco. Pero el futuro suele ser impredecible y, contra todo pronóstico, The Artist no sólo ha logrado los reconocimientos señalados anteriormente sino que su director ha sido reconocido como el mejor, además de por la asociación neoyorkina ya mencionada, por las de Washington y Boston. También su protagonista ha recibido el premio de interpretación en Festival de Cannes. En definitiva, se trata de un film que allá donde va provoca admiración y cosecha alabanzas.
Desde luego, embarcarse en un rodaje de estas características es muy meritorio. Me hubiera gustado ver las caras que su joven realizador y guionista francés tuvo que soportar cuando intentaba conseguir la financiación de tan peculiar proyecto. De entrada, Michel Hazanavicius demuestra valentía y creatividad, características que, en la actual industria cinematográfica, se encuentran en vías de extinción. El hecho es que su resultado final rebosa talento narrativo gracias a una magnífica ambientación y a un vestuario y una fotografía muy logrados que ofrecen al espectador la posibilidad de saborear nuevamente aquella forma clásica de filmar.
Planteada como si fuera una película de Buster Keaton, tanto los fotogramas donde se escriben los textos como las gesticulaciones desproporcionadas de los actores al interpretarlos, nos retrotraen a otra época, a otro mundo, a otro cine. Y todo ello, además, contando una historia emotiva y llena de interés que incluye algunos planos verdaderamente geniales. Concebida como un homenaje a los clásicos, su llegada a la cartelera ha supuesto un soplo de aire fresco y un derroche de imaginación que sólo cabe aplaudir. Y no es que yo sea de los que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor, ni que el cine mudo tenía más calidad que el sonoro, ni que conviene echar continuamente la vista atrás. En absoluto. Pero algo está sucediendo en estos tiempos para que un largometraje como el que nos ocupa sea una demostración de máxima originalidad y expresión artística y constituya, a base de volver a sus inicios, una lección de cine. Pienso que, sin negar la gran importancia que tiene, no hay progreso técnico que arregle un guion mediocre, ni existen efectos especiales que compensen la falta de creatividad, ni hay sonido de calidad que valga cuando no hay nada interesante que decir.
En definitiva, esta película encantará a los amantes de los albores del séptimo arte, a los aficionados a los números musicales y, en general, a quienes disfruten con la recreación de una época tan artificial como atractiva plagada de estrellas famosas que posaban delante de los flashes, de galanes presumidos y de bellas coristas que bailaban casi hasta la parodia.

CUMPLEAÑOS DE STEVEN SPIELBERG



El 18 de diciembre cumple años Steven Spielberg. Genial director y productor, nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía. A lo largo de su adolescencia se hizo aficionado rodando películas de 8 mm. En 1964, a los 17 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente, una aventura de ciencia ficción de 130 minutos llamada Firelight (que más tarde inspiraría a Close Encounters of the Third Kind). Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante no remunerado, siete días a la semana y fue invitado al departamento de edición. Como interno y de evaluación de Universal Studios, Spielberg hizo su primer cortometraje para su presentación en salas, la película de 24 minutos Amblin (1968), cuyo título Spielberg más tarde utilizó para dar nombre a su productora, Amblin Entertainment.
Revolucionó el cine a partir de los años 70. El film con el que Spielberg alcanzó la fama internacional fue “Tiburón” (1975), una brillante adaptación de la novela de Peter Benchley protagonizada por Roy Scheider, Robert Shaw y Richard Dreyfuss que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año a pesar de que el rodaje resultó ser bastante problemático y nada parecía presagiar su gran éxito.
Junto a George Lucas, Spielberg creó uno de sus personajes más recordados, Indiana Jones, el arqueólogo aventurero encarnado por Harrison Ford, actor a quien Lucas había elevado al estrellato con su personaje de Han Solo en “La guerra de las galaxias”. “En busca del arca perdida” (1981), con influencias de títulos aventureros de serie B de los años 50, volvió a llevar a lo más alto de la taquilla a Spielberg, quien logró con su siguiente proyecto, “E. T., el extraterrestre” (1982), cifras jamás alcanzadas con anterioridad en el mundo del entretenimiento, logrando auparse al primer puesto en la lista de películas con mayor recaudación de la historia del cine.
Ha sido ganador de cuatro premios de la Academia de Hollywood (tres Oscar y un premio Irving Thalberg) de un total de once nominaciones, también con cinco Globos de Oro de catorce candidaturas o con tres BAFTA. Sus películas como “La lista de Schindler”, “Salvar al Soldado Ryan”, “Minority Report”, “Munich”, lo han catapultado al selecto elenco de realizadores que, además de encandilar al público, convencen sobradamente a la crítica.
Su última película "Lincoln" acaba de recibir siete nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo las de mejor película y director. 
El cine hoy en día no sería el mismo sin él, y por eso se merece este reconocimiento.

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA


E.T. EL EXTRATERRESTRE


MUNICH

viernes, 16 de diciembre de 2011

JANE EYRE



Algo debe de tener la literatura romántica inglesa para que, de forma recurrente, sus títulos más famosos se adapten al cine una y otra vez. Buena muestra de ello son los casos de Jane Austen o las hermanas Charlotte y Emily Brönte, cuyas novelas publicadas a principios del siglo XIX han sido llevadas a la gran pantalla en numerosísimas ocasiones. Además, no es que las nuevas versiones ofrezcan visiones muy distintas de la misma obra, puesto que la mayoría sigue las mismas pautas y respeta idéntica estética e igual estilo narrativo. Sin embargo, jamás he leído que se trate de historias agotadas, o demasiado manidas, o con aportaciones caducas, por el hecho de tocar las mismas tramas. Por el contrario, suelen ser producciones que destacan por su cuidada dirección artística, vestuario, fotografía o banda sonora y que son un vehículo de lucimiento de actores y actrices.
Orgullo y prejuicio, Sentido y sensibilidad, Emma, Cumbres borrascosas o esta Jane Eyre han sido rodadas decenas de veces en cine y televisión e incluso algunas de ellas han obtenido los más altos reconocimientos en forma de Oscars, Globos de Oro y Emmys. La universalidad de sus relatos engancha a ese público que siente atracción por esos mundos a medio camino entre lo romántico y lo opresivo, lo bucólico y lo intenso, lo poético y lo histórico. De la misma manera que las novelas continúan vendiéndose dos siglos después de haber sido escritas, los espectadores siguen comprando entradas para asistir a las desventuras de los personajes en imágenes.
En esta ocasión nos hallamos ante otro nuevo proyecto de exquisita corrección formal, que recrea la ambientación de la época como merece y que se centra en la exposición de los tipos tan bien descritos por la escritora anglosajona. Sigue fielmente las características propias de sus predecesoras, así que será del agrado de los aficionados de este, más que género, subgénero cinematográfico. Cinta de narración pausada, su principal mérito estriba en las correctas interpretaciones del equipo artístico. Todos ellos están a la altura del difícil reto que supone dar vida a unos personajes tan complejos y manidos. Sin poder calificarse como gran éxito de taquilla, lo cierto es que ha alcanzado una considerable rentabilidad, recaudando más de treinta millones de dólares en todo el mundo, sin duda una cantidad muy superior a la invertida en su realización.
Su director es casi un debutante. Se trata del norteamericano Cary Fukunaga, que ya recibiera algunos galardones en 2009 gracias al film Sin nombre, producido por los actores hispanos Gael García Bernal y Diego Luna y donde se narraban las peripecias de una joven hondureña a la búsqueda del denominado “sueño americano”. Por su parte, Jane Eyre está interpretada por la actriz australiana Mia Wasikowska, que saltó a la fama como la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton para, posteriormente, destacar en Los chicos están bien, constituyendo su trabajo lo mejor del largometraje. Le acompaña en el reparto un cada vez más maduro Jamie Bell, célebre por su participación en Billy Elliot cuando contaba con apenas trece años de edad.

jueves, 15 de diciembre de 2011

NOMINACIONES A LOS GLOBOS DE ORO 2011 (Golden Globe Nominations)



Hoy 15 de diciembre se han dado a conocer las nominaciones a los Globos de Oro. Estos galardones de cine y de televisión, creados en 1944, son otorgados por la prensa extranjera acreditada en Hollywood. Los nominados en esta ocasión en la categoría de cine son:

MEJOR PELÍCULA (DRAMA)
Los descendientes (2011)
Criadas y señoras (2011)
La invención de Hugo (2011/II)
Los idus de marzo (2011)
Moneyball: Rompiendo las reglas (2011)
War Horse (2011)

MEJOR PELÍCULA (COMEDIA O MUSICAL)
The Artist (2011)
La boda de mi mejor amiga (2011)
50/50 (2011)
Midnight in Paris (2011)
My Week with Marilyn (2011)

MEJOR ACTOR - Drama
George Clooney for Los descendientes (2011)
Leonardo DiCaprio for J. Edgar (2011)
Michael Fassbender for Shame (2011)
Ryan Gosling for Los idus de marzo (2011)
Brad Pitt for Moneyball: Rompiendo las reglas (2011)

MEJOR ACTRIZ - Drama
Glenn Close for Albert Nobbs (2011)
Viola Davis for Criadas y señoras (2011)
Rooney Mara for Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011)
Meryl Streep for La dama de hierro (2011)
Tilda Swinton for We Need to Talk About Kevin (2011)

MEJOR ACTOR – Comedia o musical
Jean Dujardin for The Artist (2011)
Brendan Gleeson for The Guard (2011)
Joseph Gordon-Levitt for 50/50 (2011)
Ryan Gosling for Crazy, Stupid, Love. (2011)
Owen Wilson for Midnight in Paris (2011)

MEJOR ACTRIZ – Comedia o musical
Jodie Foster for Un Dios Salvaje (2011)
Charlize Theron for Young Adult (2011)
Kristen Wiig for La boda de mi mejor amiga (2011)
Michelle Williams for My Week with Marilyn (2011)
Kate Winslet for Un Dios Salvaje (2011)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Kenneth Branagh for My Week with Marilyn (2011)
Albert Brooks for Drive (2011)
Jonah Hill for Moneyball: Rompiendo las reglas (2011)
Viggo Mortensen for Un método peligroso (2011)
Christopher Plummer for Beginners (2010)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Bérénice Bejo for The Artist (2011)
Jessica Chastain for Criadas y señoras (2011)
Janet McTeer for Albert Nobbs (2011)
Octavia Spencer for Criadas y señoras (2011)
Shailene Woodley for Los descendientes (2011)

MEJOR DIRECTOR
Woody Allen for Midnight in Paris (2011)
George Clooney for Los idus de marzo (2011)
Michel Hazanavicius for The Artist (2011)
Alexander Payne for Los descendientes (2011)
Martin Scorsese for La invención de Hugo (2011/II)

MEJOR GUIÓN
The Artist (2011): Michel Hazanavicius
Los descendientes (2011): Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash
Los idus de marzo (2011): George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
Midnight in Paris (2011): Woody Allen
Moneyball: Rompiendo las reglas (2011): Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin

MEJOR CANCIÓN
Albert Nobbs (2011): Brian Byrne, Glenn Close("Lay Your Head Down")
Gnomeo y Julieta (2011): Elton John, Bernie Taupin("Hello Hello")
Criadas y señoras (2011): Mary J. Blige, Thomas Newman, Harvey Mason Jr., Damon Thomas("The Living Proof")
Machine Gun Preacher (2011): Chris Cornell("The Keeper")
W.E. (2011): Madonna, Julie Frost, Jimmy Harry("Masterpiece")

MEJOR BANDA SONORA
The Artist (2011): Ludovic Bource
Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011): Trent Reznor, Atticus Ross
La invención de Hugo (2011/II): Howard Shore
War Horse (2011): John Williams
W.E. (2011): Abel Korzeniowski

MEJOR FILM DE ANIMACIÓN
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011)
Arthur Christmas: Operación regalo (2011)
Cars 2 (2011)
El gato con botas (2011)
Rango (2011)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Jin líng shí san chai (2011)(China)
In the Land of Blood and Honey (2011)(USA)
Le gamin au vélo (2011)(Belgium)
Jodaeiye Nader az Simin (2011)(Iran)
La piel que habito (2011)(Spain)

jueves, 8 de diciembre de 2011

IN TIME



La filmografía del realizador Andrew Niccol demuestra su predilección por la ciencia ficción, en concreto por la visión del futuro marcado por una deshumanización estrechamente vinculada con la belleza y la perfección física. Aunque su mejor obra, El señor de la guerra, protagonizada por el actor Nicholas Cage, se aleja en muchos aspectos de esas pautas, tanto su debut tras las cámaras -la interesante Gattaca- como su siguiente película –Simone- abordan descaradamente dicho tema, que también se repite con claridad en In Time, aunque éste sea hasta la fecha su peor film. Y lo es porque, a diferencia de sus anteriores propuestas, carece de un guión sólido, de una historia bien construida y de unos personajes interesantes. Niccol, al igual que el futuro que nos predice, se rinde a la recreación del culto al cuerpo y convierte la cinta en un escaparate para que la joven actriz Amanda Seyfried luzca su anatomía con ayuda de unos cortos y ajustados vestidos y su compañero de reparto Justin Timberlake provoque los suspiros de sus fans. Desgraciadamente, la pareja no logra dar más de sí y no por falta de capacidad interpretativa, habida cuenta que en otros largometrajes han dado muestras de su buen hacer, sino porque sus personajes sólo les permiten apoyarse en sus encantos.
Estamos ante un relato apocalíptico en el que todos los habitantes de la tierra, con independencia de su edad real, aparentan veinticinco años y son muy atractivos. Cada uno lleva en su brazo un cronómetro que marca inexorablemente el momento de su muerte, de tal manera que morirán cuando el temporizador marque cero. Por esta circunstancia, en su mundo no se comercia con dinero sino con tiempo. Ante semejante panorama, con ricos que viven eternamente y pobres que mueren a corto plazo, se pretende trasladar al espectador una reflexión sobre el futuro que, por culpa de un deficiente guión, no pasa de ser un mera suma de acción y belleza. La primera no contiene la intensidad requerida por un proyecto de estas características y, en cuanto a la segunda, no basta para sostener más de noventa minutos de imágenes. Por lo tanto, y pese a la aparente originalidad de la trama, In time resulta fallida. De hecho, sus escasos méritos no han logrado satisfacer las pretensiones de un público adolescente que ha evitado pasar por taquilla. Finalizada ya su carrera comercial en Estados Unidos, ni siquiera ha recaudado la cantidad invertida para su rodaje.
Andrew Niccol se dedica ahora a las facetas de productor y guionista de la adaptación a la pantalla grande de The Host, novela de la autora de la saga de Crepúsculo Stephenie Meyer. La prometedora Saoirse Ronan encabeza el reparto, siendo 2013 el año previsto para su estreno. Si el director neozelandés logra recuperar el crédito profesional de sus inicios, es posible que el resultado sea interesante pero si insiste en emplear la estética de videoclip - correcta en cuanto a la técnica pero vacía en su contenido- asistiremos al declive de quien fue considerado a finales de los años noventa como un cineasta a tener en cuenta.

domingo, 4 de diciembre de 2011

PREMIOS DE LA ACADEMIA DEL CINE EUROPEO 2011



El pasado día 3 de diciembre se celebró la gala de la 24ª edición de los Premios de Cine Europeo en Berlín. Los premios han estado muy repartidos aunque ha sido Melancolía, de Lars von Trier, la que se ha alzado con el premio a la mejor película, además del de fotografía y dirección artística. Además la Academia europea ha dado premios importantes a dos películas que consiguieron varios Oscar de la Academia de Hollywood en la ceremonia de hace diez meses. El discurso del rey (cuatro Oscar, incluyendo mejor película) ha conseguido dos premios oficiales (actor para Colin Firth y montaje), más el del público, y En un mundo mejor (un oscar), el galardón a la mejor dirección para la también danesa Susanne Bier.

Mejor película
'Melancolía' de Lars Von Trier

Mejor director
Susanne Bier por 'En un mundo mejor'

Mejor actor
Colin Firth por 'El discurso del Rey'

Mejor actriz
Tilda Swinton por 'We need to talk about Kevin'

Mejor película de animación
'Chico & Rita'

Mejor guión
'El niño de la bicicleta' de Jean-Pierre & Luc Dardenne

Mejor compositor
Ludovic Bource, por "The Artist'

Mejor fotografía
Manuel Alberto Claro por 'Melancolía'

Mejor dirección artística
Jette Lehmann por 'Melancolía'

Mejor montaje
Tariq Anwar por 'El discurso del rey'

Mejor documental
'Pina' de Wim Wenders

Premio Fipresci a la mejor película novel
Oxygen de Hans Van Huffel

Premio especial al conjunto de su carrera
Stephen Frears

Premio especial del Jurado
Michel Piccoli

Premio especial a la contribución artística internacional
Madds Mikkelsen

Premio Eurimages
Mariela Besuievsky

Premio del público (no oficial)
'El discurso del Rey'

Mejor cortometraje
The Wholly family, de Terry Gilliam

viernes, 2 de diciembre de 2011

UN MÉTODO PELIGROSO (A Dangerous Method)



Si había un cineasta apropiado para plasmar el complejo y enrevesado mundo del psicoanálisis de Sigmund Freud y el nada convencional triángulo que formó con su colega Carl Jung y la paciente Sabina Spielrein, ese era David Cronenberg. Saltó a la fama en 1986 con la película La mosca y su filmografía siempre ha estado marcada por producciones de difícil clasificación, siguiendo una línea nada convencional que le reportaba un reducido número de fieles seguidores frente a una mayoría que veía cintas como Crash, eXistenZ o Spider sin entender bien el universo personal del canadiense, por lo que, con la excepción de la ya citada La mosca, sus resultados en taquilla eran siempre discretos. Sin embargo, ha tenido a su favor dos notas importantes para un artista: la originalidad para desmarcarse de gran parte de otras producciones y la valentía para reflejar su peculiar visión cinematográfica. Para mí, su mejor trabajo es Una historia de violencia. Gracias a un excelente guión y a unas magníficas interpretaciones logró rodar una trama intensa, compleja y entretenida, prescindiendo de muchas de sus excentricidades que, a mi juicio, lastran sus proyectos en gran medida.
Un método peligroso es un buen largometraje cuyos principales méritos radican en unos grandes actores que llevan a cabo un estupendo trabajo, en una correcta ambientación, en una destacada banda sonora de Howard Shore y en una historia extraña que pretende introducirse en los deseos más inconfesables del ser humano. Esos mimbres le bastan a Cronenberg para firmar un film correcto que va de menos a más y que alcanza sus mejores momentos cuando se centra en la evolución de los personajes y en sus sentimientos. Sin embargo, sus puntos débiles se localizan en la primera parte de la proyección, cuando trata de dar relevancia a los aspectos científicos y médicos de los tratamientos psiquiátricos. Ahí, el director se deja arrastrar por el lado más sórdido de la trama que, pese a que pueda venderse como un aliciente para los espectadores, en mi opinión se convierte en el tramo más vacío de la película. Pero, por encima de todo eso, queda un relato basado en acontecimientos y personajes reales que refleja el devenir de ellos tres y, particularmente, en qué derivó finalmente la relación entre Sabina Spielrein y Carl Jung, pasando la primera de ser paciente a, prácticamente, médico del segundo.
Como ya he señalado, sobresale el trío de intérpretes. La gran actriz Keira Knightley se implica a fondo en dar vida a un personaje complejo, mientras que Viggo Mortensen, con un papel más secundario, exhibe su gran presencia en la pantalla. Por su parte, el actor Michael Fassbender lleva a cabo su mejor interpretación hasta la fecha. David Cronenberg ha terminado de rodar recientemente su próximo título, Cosmopolis, que se estrenará en 2012. El famoso protagonista de la saga Crepúsculo Robert Pattinson, acompañado de otros compañeros más consagrados como Paul Giamatti y Juliette Binoche, integran el reparto. Seguro que, cuando menos, será un trabajo original.

jueves, 1 de diciembre de 2011

SEIS PUNTOS SOBRE EMMA



Ya desde el pasado año tuve la sensación de que las nominaciones al Goya a la mejor dirección novel presentaban mayor interés y calidad que otras categorías supuestamente más relevantes. Así, tanto David Pinillos, el ganador de este galardón reservado a los debutantes, como su cinta Bon appétit, me parecieron de lo mejor del cine español del 2010. De hecho, la trama y los personajes superaban con creces los de la terna de candidatos a mejor película. Sospecho que la próxima edición del certamen no va a ser muy diferente, dado que operas primas como Eva de Kike Maíllo o esta Seis puntos sobre Emma de Roberto Pérez Toledo aportan a la cinematografía nacional mayor frescura, originalidad, intensidad y brillantez que otros títulos de directores que acaparan mayor popularidad mediática.
En cuanto a Pérez Toledo, se trata de un joven realizador nacido en Lanzarote que, para sacar adelante su primer proyecto, se ha hecho cargo tanto del guión como de la dirección. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Salamanca, ha rodado varios cortos, entre ellos, Los gritones, que ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival “Notodofilmfest”.
Seis puntos sobre Emma relata la historia de una chica invidente, obsesionada con ser madre, que se ve envuelta en un triángulo sentimental de difícil control.
La interpretación de ambos protagonistas constituye el plato fuerte del largometraje, que se centra en ellos y les ofrece un amplio abanico de conflictos y de encrucijadas personales. Pese a estar salpicado de toques de humor, es un drama interesante y bien narrado pero, como todo debut, también tiene sus sombras. El desnivel de calidad entre la pareja principal y el resto de intérpretes es notable, así como el hecho de que algunos flecos de la historia quedan sin resolver. Pero, en todo caso, son vicios menores que no empañan una obra recomendable en su conjunto y que agradará a los aficionados al análisis de los conflictos interiores y emocionales del ser humano.
Rodada íntegramente en Tenerife, los habitantes de la isla reconocerán los exteriores a la perfección, si bien lo esencial es el viaje hacia sí mismos de la propia Emma -la joven ciega- y de Germán, el psicólogo que la guía dentro de su grupo de autoayuda. Tanto Verónica Echegui como el lagunero Álex García merecen una especial mención, ya que sobre sus interpretaciones descansan los pilares centrales de la película y, por lo tanto, a ellos se debe en gran medida su buen funcionamiento. La actriz saltó a la fama gracias a su papel en Yo soy la Juani de Bigas Luna, mientras que él debe su actual popularidad a su participación en la serie televisiva Tierra de Lobos.